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Daniel Hope spielt Filmmusik

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Concert Reviews



2014


Die weite und wunderbare Welt der Weill-Werke
Hamburger Abendblatt, 01.09.2014

Schleswig-Holstein Musik Festival

Von Heike Linde-Lembke

Daniel Hope entfachte auf seiner Guarneri del Gesú Ex-Lipinski von 1742 Klang-Kaskaden mit Kompositonen von Erich Wolfgang Korngold und Kurt Weill
Der Geiger Daniel Hope und die NDR Radiophilharmonie machten das letzte SHMF-Konzert in der Norderstedter “TriBühne” zu einem Triumph. Das Publikum war hellauf begeistert.

Norderstedt. Sie kannten sich, die Musiker der Filmfabrik Hollywood. Und sie rückten zusammen, weil sie ihre Heimat verloren hatten, weil sie in NS-Deutschland verfolgt wurden wegen ihrer Religion, politischen Einstellung, ihrer Musik. Erich Wolfgang Korngold beispielsweise. Der 1897 in Österreich geborene Korngold galt als Wunderkind. 1934 folgte er einer Einladung Max Reinhardts nach Hollywood und blieb.

So ganz glücklich war Korngold aber nicht in der Glamourwelt, denn er sah in der Filmmusik zwar ein Mittel zum Geldverdienen, aber keine ernsthafte Musik. Doch solange die Nazis ihr Unwesen treiben, solange wollte er kein seriöses Stück schreiben. Sein Konzert für Violine und Orchester in D-Dur, Opus 35, entstand erst 1947. Jetzt spielte es der Geiger Daniel Hope mit der NDR Radiophilharmonie Hannover beim letzten von drei Konzerten des Schleswig-Holstein Musik Festivals in Norderstedt, in der “TriBühne”, und das Publikum, darunter Oberbürgermeister Hans-Joachim Grote, Kulturpreisträgerin Christa Heise-Batt und Kulturdezernentin Anette Reinders, war hellauf begeistert.

Daniel Hope, mit vielen Preisen ausgezeichnet, erwies sich einmal mehr als Hexenmeister auf der Violine, einer Guarneri del Gesú Ex-Lipinski von 1742. Mit hoher Intensität arbeitete der britische Geiger im ersten Satz die Kanten in Korngolds Konzert scharf aus, um sogleich in der Romanze die Idylle zu betonen, bevor das Orchester den vollen Sound über alle Pulte fließen ließ. Schwebend verklang das Andante, doch nur für Sekunden, denn das Finale folgte mit hohen Tempi, und Hope entfachte gnadenlose Klangkaskaden.

Eröffnet wurde das SHMF-Konzert mit einigen Sätzen aus Ernst von Dohnányis vierstündigen Symphonischen Minuten, Opus 36, von der Radiophilharmonie souverän, aber auch sehr glatt gespielt.

Einer, der sich in Hollywoods Filmwelt rundum wohl fühlte, war Miklós Rósza, Komponist der Musik für “Ben Hur”, “Frau ohne Gewissen” und 70 weiteren Filmen. Für “Spellbound” von Alfred Hitchcock erhielt der ungarische Komponist einen Oscar. Das Orchester zelebrierte mit Prélude und Love Theme aus “Spellbound” den ganz großen Klang, doch meistens konnte sich Hope mit festem Bogenstrich und Leidenschaft gegen die 85 Kollegen durchsetzen. Die hätte Dirigent Andrew Manze gern an einigen Stellen, auch in der Kurt-Weill-Suite, zügeln können.

Trotzdem gelang die Suite zum Höhepunkt, auch weil Arrangeur Paul Bateman die Musiken aus Weills Opern miteinander verwoben hat. Daniel Hope brachte die weite wunderbare Welt der Weill-Werke zum Singen. Er entfaltete ein derart dramatisches Spiel, dass Seeräuber-Jenny, Mackie Messer und Konsorten leibhaftig wurden.

Lautmalerisch ging das Orchester die Feuervogel-Suite von Igor Strawinsky an. Opulenz folgte Idylle, Romantik der Triumph – wie im ganzen Konzert.

the Borusan Istanbul Philharmonic make waves Royal Albert Hall
The Observer (en), 25.08.2014

When the 2014 Proms season was announced, a few eyebrows rose at the news that several unfamiliar orchestras from far afield would feature. One reason given was that the countries represented may hold the key to the future of classical music. Thirty million children learning the piano in China remains a jaw-dropping statistic even if you’re also stifling a yawn at hearing it yet again. These orchestras also come cheaply compared to the world’s leading US or European ensembles. So global philanthropy, or harsh economics?

Banish all doubts. The presence of these emerging orchestras is proving addictive, opening our ears to other traditions and offering surprise and pleasure. First came the China Philharmonic, charming, idiosyncratic, a little stiff musically yet bursting with personality. Then this week the exciting Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra arrived, with their charismatic chief conductor, Sascha Goetzel (Prom 16).

This bendy, baton-twirling Austrian, with his twists, thrusts, flops, pirouettes, gyrations and genuflections, turns the podium into his own personal dancefloor. That description may sound hideous, but this wonderful showman is mesmerising and achieves first-rate results. He managed to transform Respighi’s otiose ballet suite, Belkis, Queen of Sheba, with its “warlike and savage dance” and full-blown orgy, into a captivating boogie-woogie. It was a first for the Proms, and for me too. While I hope never to hear it again, it will not be for want of a thrilling performance.

Goetzel evidently trains as well as inspires his players, over 90% of whom are Turkish. Their average age is around 40, and the orchestra itself, growing out of an existing chamber orchestra, only gave its first concert in 1999, supported by the Turkish steel pipe manufacturers Borusan Holding. (Wake up, Centrica.) Already the strings are warm-toned and secure, the woodwind and brass outstanding, as their recently released disc of Rimsky-Korsakov’s Scheherezade demonstrates.

Mixing occident and orient as you might expect, the Prom included Holst, Balakirev and Handel (a breezy, fleet account of The Arrival of the Queen of Sheba in Beecham’s arrangement), with a world premiere, Violin Concerto No 1, “1914″ by Gabriel Prokofiev (b 1975), as the centrepiece. A BBC commission, it was written for Daniel Hope, who suggested the piece be linked to the centenary of the first world war.

The four-movement work springs few surprises in terms of orchestral or solo textures, which are clear, easy to hear and always generous to the lyrical qualities of the violin. The fascination comes in the vivid use of percussion, beginning with hushed snare drums and ghostly woodwind blowing into their instruments without making notes. The first instruction in the score is “One hundred years away. We can barely hear those distant souls.” Whip, thunder sheet, hammer and various bells and tam-tams create the sound of war, often as if through a veil.

The violin’s broad, opening theme is a distant echo of the march in Stravinsky’s The Soldier’s Tale (1918). With its gunshots and explosions, the work may feel programmatic but it tugs at bigger ideas, especially with Hope as the eloquent soloist, making his 1742 Guarneri del Gesù sing out. This violinist, now among the best in the world as well as the most thoughtful, is as brilliant at Bach as Birtwistle and even Einaudi.

Prokofiev, London-born grandson of Sergei, is equally versatile. He had a classical training then switched to electronic, dance, house and hip-hop, founding the independent Nonclassical label and club in 2004. His Concerto for Turntables went down a storm at the National Youth Orchestra’s Prom in 2011. This latest concerto, perhaps overlong but with several “optional cuts” marked in the score, is yet another new departure. Watch this uplifting concert on BBC4 on Sunday 31 August.

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Fiona Maddocks

performance of Gabriel Prokofiev’s new Violin Concerto ’1914′, premièred at the BBC Proms
various (en), 01.08.2014

The British Press is unanimous about Daniel’s performance of Gabriel Prokofiev’s new Violin Concerto ’1914′, premièred at the BBC Proms earlier this week with the Borusan Istanbul Philharmonic under conductor Sascha Goetzel.

THE TIMES (4 Stars): “…the sheer dislocating bitterness of the writing, both for Daniel Hope, the superb soloist, and for the orchestra…it’s the best thing Gabriel Prokofiev has written”.

THE INDEPENDENT (4 Stars): “the programme for this work is indeed specific, including savagery, shell-shock, and sardonic imperial marches: the rationale is pure Shostakovich, though more literal. Daniel Hope, the instigator of this work, played its stratospherically high solo part with flawless accuracy.”

THE GUARDIAN (4 Stars): “One work, however, stood apart. Daniel Hope was the soloist in the world premiere of Gabriel Prokofiev’s Violin Concerto No 1 “1914″ – an ambitious depiction of Europe’s descent into war. It contained some startling effects. The BIPO sounded good in it, and Hope impressed by playing atrociously difficult music from memory.”

THE DAILY TELEGRAPH (4 Stars) calls the whole concert “Superbly rich”, writing of the Prokofiev, that “it created an extraordinary atmosphere, at once sombre, tender and surreal”.

Daniel Hope at Hahn Hall
Independent Santa Barbara (en), 01.07.2014

Versatile English Violinist Led Academy Fellows on Saturday, July 5

English violinist Daniel Hope’s debut recital Saturday night was an exemplary Summer Festival guest performance: virtuosic in expression, fresh in programming, and winning in the guidance of an Academy ensemble. The unforgettable first half of this concert consisted of a variety of works for unaccompanied violin, all played with power, presence, and astonishing control of sound, tone, and tuning. The second half brought to the stage an ensemble of 15 fellows and three faculty members for a performance of contemporary composer Max Richter’s “recomposition” of Vivaldi’s The Four Seasons violin concertos, a work premiered by Hope in 2012.
The evening began with an unprogrammed segue to Passacaglia by Heinrich Ignaz Franz von Biber, composed by his late-17th-century contemporary Johann Paul von Westhoff. Imitation of Bells was a mesmerizing experience, a melody-less sequence of rhythmic arpeggios affected by the steady rocking of the bow over all strings. The resulting block of sound was at once static and dynamic, undulating on the surface while gradually transforming harmonically. Von Biber’s Passacaglia, which followed without pause, is another work at once simple and complex. A slow-walking descent of four repeated notes (think “Sing Christmas Bells”) forms the unvarying backbone of this solo violin showpiece, with all the interest invested in imaginative variation, ornamentation, and fill-ins. Hope captured the improvisational character of Passacaglia, and proved that our favorite rock and jazz solos, inventions often built over just such simple vamps, are at root nothing new.
The jaw-dropping event of the evening, however, followed next, with two modern masterpieces that combined broad tonal language with advanced techniques. Hope joked that Alfred Schnittke’s A Paganini pays homage to the legendary violinist and composer by running his Caprices through a blender. The Soviet and Russian composer, who made his living writing film scores, was fascinated by electronic effects, and Hope’s rendition was tastefully enhanced by the live manipulations of English sound artist Chris Ekers. Erwin Schulhoff’s Sonata for Solo Violin unfolds in four short movements, and evinces folk fiddle influences. Hope gave a touching introduction that honored the Czech composer whose life was cut tragically short during World War II.
Max Richter allegedly wrote Recomposed: Vivaldi’s ‘The Four Seasons’ not merely in homage to the composer, but also in revolt to nauseating habituation that employs the original as elevator and dental office muzak. The meta-dimension is extremely effective for awakening the listener: hooking the ear with familiar fragments of melody or orchestral ostinato, only to launch into the unknown (and frequently unresolved), as if a familiar highway had been magically rerouted overnight. The fine ensemble was augmented with harpsichordist Chien-Lin Lu and harpist Ruriko Terada, as well as faculty members Jorja Fleezanis (violin), Alan Stepansky (cello), and Nico Abondolo (double bass).

By Joseph Miller

Sanfte Töne in der Festspielscheune
Nordkurier (de), 01.06.2014

Katja Riemanns Trick mit der sonoren Stimme
Ulrichshusen

Schauspielerin Katja Riemann kennen die Zuschauer aus unzähligen deutschen Filmen. Sie gilt oft als die kühle Norddeutsche. In der Festspielscheune Ulrichshusen zeigte sie sich ziemlich locker und brachte rund 1000 Gästen Johann Wolfgang von Goethe nahe. Die 50-Jährige mag Experimente. Deshalb stellte sie sich mit Violinist Daniel Hope auf eine Bühne. Der Abend im Überblick:

Katja Riemanns Rolle

In einem orientalischen roten Kleid mit goldenen Ornamenten tritt die Schauspielerin auf und macht gleich das Motto klar: Der Osten trifft den Westen. Dazu hat sie die Haare zu Dreadlocks gedreht und mit einem Tuch hochgesteckt. Diese Äußerlichkeiten bleiben die einzigen Rollen, Fassaden, Schauspielereien, die sie an den Tag legt. Ansonsten ist sie einfach Katja Riemann pur mit einer unglaublich verführerischen, leicht rauchigen, sonoren Stimme. Ganz reduziert liest sie Auszüge aus Johann Wolfgang von Goethes Gedichtsammlungen „West-östlicher Divan“ und „Chinesisch-deutsche Jahres- und Tageszeiten“. Dazu mischt sie Zeilen aus „Wilhelm Meisters Lehrjahre“, die von Mignon, einem knabenhaften und zugleich erotisch anziehenden Mädchen, vom „Land, wo die Zitronen blühen“ erzählen. Katja Riemanns Töne und Betonungen sitzen auf den Punkt.

Daniel Hopes Rolle

Hopes Klänge schmiegen sich an die Zeilen von Katja Riemann wie Karamell- oder Vanillesoße, die auf der Zunge zergeht. Diese weichen Noten verführen einen, sie rauben einem die Sinne. Man muss die Augen schließen, alles um sich herum ausschalten und nur noch die Ohren spitzen. Jeder Ton ist ganz sanft und teils behutsam in die Länge gezogen, um den Genießer ja nicht zu erschrecken. Wie Daniel Hope das schafft? Er hat eine ganz spezielle Art, seine Geige zu spielen. Er zupft sie, während er sie zugleich mit dem Bogen streichelt. Faszinierend, welche schönen, nachdenklichen Melodien er fabriziert.

Thema des Abends

Wie sich Literatur mit Musik verbindet, bildet der Osten mit dem Westen eine Einheit. Doch das Programm von Riemann und Hope ist viel tiefgründiger angelegt. Es geht auch um den Blick über den Tellerrand. Darum, dass sich Völker und Menschen ohne Hass vereinen. Das Thema könnte also kaum aktueller gewählt sein.

Zelebriert wird die Vereinigung verschiedener Kulturen auf der Bühne: Katja Riemann, im niedersächsischen Kirchweyhe geboren. Daniel Hope, im südafrikanischen Durban auf die Welt gekommen. Und es kommen Sitar-Spieler Gaurav Mazumdar und Tambura-Spieler Shahbaz Hussain Khan aus Indien und Pakistan dazu. Welch bunter Schmelztiegel, der zeigt, dass Herkunft, Religion, Weltanschauung, Alter völlig egal sind.

Schönster Satz des Abends

Zwar spricht ihn Katja Riemann, aber er stammt von Goethe: „Toleranz sollte eigentlich nur eine vorübergehende Gesinnung sein, die alsbald zur Anerkennung führt. Denn nur Dulden heißt beleidigen.“

von Marcel Auermann



2013


Ein Dream-Team für die Strings
Neue Luzerner Nachrichten, 21.01.2013

Mit Gastsolist Danie Hope gehen die Festival Strings neue Wege und halten doch an Altem fest. Das zeigt das erste Konzert mit dem Stargeiger.

Artikel

Bewegende Intensität
Bremer Nachrichten/Weser-Zeitung, 08.03.2013

Es war ein ungewöhnliches, aber gerade deshalb umso faszinierenderes Programm, das der Geiger Daniel Hope und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen in der Glocke anboten. Zwei Werke für Streichoktett von Felix Mendelssohn und Dmitrij Schostakowitsch wurden von der Kammersinfonie op.110a von Schostakowitsch und dem Violinkonzert von Mendelssohn umrahmt(…)

Das “Schlagerstück” des Abends, das Violinkonzert von Mendelssohn, brachte dann neuartige Akzente (…) vieles klang dramatischer, ja feuriger and “kantiger” als die heute bekannte Version. Daniel Hope bot eine meisterhafte Leistung; das Orchester war für dieses exzellente Aufführung ein optimaler Partner.

 

von Éva Pintér

Handgranate eines Anarchisten
kreiszeitung.de , 09.03.2013

Bremen – Von Ute Schalz-Laurenze

„D-Es-C-H“ ist das selbstbewusst herausgeschleuderte Viertonmotiv von Dimitri Schostakowitschs Kammersinfonie c-Moll, op. 110 a. An einen Freund hatte er geschrieben, dass wahrscheinlich nach seinem Tod niemand mehr an ihn denken wird und deswegen wolle er das nun selber tun: die Noten sind die Anfangsbuchstaben seines Namens.

Die Deutsche Kammerphilharmonie trug im letzten Konzert ihren Teil dazu bei, dass das gelingen könnte: ohne Dirigent, mit extremer, auch bruitistischer Wucht und unbeschreiblicher Zartheit, mit bewundernswert gehaltener Spannung und ebenso bewundernswerter Homogenität gelang den Streichern ein interpretatorisches Meisterstück. Doch nicht nur da: Auch die Wiedergabe des frühen Oktettes für acht Streicher op. 11, gelang als „Handgranate eines Anarchisten“, wie ein Uraufführungskritiker 1925 schrieb. Dass die „sozialitische“ Musikkultur unter Stalin nicht nur die berühmte „Lady Macbeth“ nicht vertrug, sondern schon dieses kraftvolle Werk des Neunzehnjährigen, machten die MusikerInnen geradezu beglückend klar.

Schon viele Jahre war ein Konzert mit dem britischen Geiger Daniel Hope gewünscht. Hope ergänzte das beispielhaft gute Programm mit der führenden ersten Geige im Oktett Es-Dur op. 20, dem Geniestreich eines Wunderkindes: Felix Mendelssohn Bartholdy war 16 Jahre alt, als er es schrieb. „Dies Oktett muss im Style einer Sinfonie in allen Stimmen gespielt werden, die Pianos und Fortes müssen sehr genau und deutlich gesondert und schärfer hervorgehoben werden, als es sonst bei Stücken dieser Gattung geschieht.“ Genau das vollzogen die Streicher perfekt. Unnachahmlich schnell und zart zog die feehnafte Geisterwelt des Scherzos an uns vorüber, riss uns die wilde Schlussfuge in einen überwältigenden Bann und blühte im ersten Satz reine Streicherlust auf.

Höhepunkt allerdings des ohnehin schon an Höhepunkten reichen Konzertes war dann zum Schluss die Wiedergabe des Violinkonzertes in e-Moll, op. 64 von Mendelssohn Bartholdy. Hier erfüllte Daniel Hope natürlich alle hochvirtuosen Forderungen, darüberhinaus aber gelang ihm eine Wiedergabe von bewegender Tiefenchärfe. Besonders in der Kadenze des ersten Satzes entdeckte und spielte er tragische Akzente, die dann wieder landeten in einem unbescheiblichen Schmelz schöner Klanggebung. Das kann man vielleicht anders machen, strenger, klassizistischer, aber nicht besser. Überraschend dann Hopes Ansage für die geforderte Zugabe: mit einem solchen Orchester im Hintergrund spielt man nicht alleine! Und so setzte er sich als Konzertmeister ans Pult: die Orchesterbearbeitung des „Geister“-Scherzos aus dem Mendelssohn’schen Oktett war dann der wirkliche Schluss eines Sternstundenkonzertes.

Biedersinn und die Brandstifter
Echo Online, 18.03.2013

Festival – Heidelberger Frühling beginnt mit Daniel Hope und dem NDR-Orchester

HEIDELBERG. Aus der konventionellen Aneinanderreihung von Stücken ein starkes Stück zu machen – das ist beim Sinfoniekonzert zum Auftakt des Festivals  „Heidelberger Frühling“ am Samstag gelungen.

 

Draußen lässt der strenge Vorfrühling sein eisblaues Band durch die Lüfte flattern, drinnen in der Heidelberger Stadthalle bringen Geiger Daniel Hope und das NDR-Sinfonieorchester das Publikum mit Felix Mendelssohns e-Moll-Violinkonzert in Hitzewallungen. Nicht der einzige überbrückbare Gegensatz beim Auftaktkonzert des Heidelberger Frühlings, der für einen Monat Brennpunkt klassischer und neuer Musik in der Region sein will.

Der in Wien lebende britische Geiger nimmt den romantischen Gestus beim Wort, überführt den Notentext mit Vibrato, Rubato und dem Portamento genannten stufenlosen Erklimmen der Töne in eine persönliche An- und Aussprache. Atemberaubend selbstverständlich hat darin die Raserei der Kopfsatz-Kadenz und des Finales ihren Platz.

Thomas Hengelbrock wiederum, seit 2011 Leiter des Hamburger Orchesters, ist ein in der Wolle gefärbter Spezialist für Alte Musik, der freilich längst zum musikalischen Vollsortimenter geworden ist. Das Gute der Klang-Quellenforschung hat er hörbar bewahrt: den tänzerischen Impuls, wo es passt, Leichtigkeit und Transparenz, alles gebunden durch den Sinn für Verläufe und Zielpunkte.

Beide, Geiger und Dirigent, haben natürlich Recht, und so wird für die Urfassung von Mendelssohns Konzert sogleich der gemeinsame Nenner gefunden. Nur selten ist Hengelbrock als Animateur seines Orchesters gefragt, das meiste entrollt sich von selbst, der langsame Satz wirkt als Zaubergarten der Zartheit gar wie eine Schöpfung, nicht wie ein gemachtes Kunstwerk.

Dass Hope nach dieser sensationellen Vorstellung seine Bearbeitung eines Stücks des im Dezember gestorbenen indischen Meisters Ravi Shankar vorstellt, schafft einen weiteren Gegensatz, auf den sogar im Programmheft entschuldigend hingewiesen wird: Ausgerechnet zum Auftakt haben die Macher des Heidelberger Frühlings, der doch ein Musik-Labor sein soll, ein geradezu bieder den Gewohnheiten folgendes Programm konzipiert.

Schon den ersten aufflammenden Tutti-Einsatz von Gustav Mahlers Fünfter übersteht dieser Einwand nicht, so schwerelos in aller Gewichtigkeit teilen sich die Vorzüge dieser Konstellation mit. Prachtvolle Orchesterfarben nutzt Hengelbrock, um Mahlers Geschichte vom ewigen Werden und Vergehen so nahezubringen, wie es geht. Einen der vorgeschriebenen Zusammenbrüche illustriert er durch ein Zusammensinken am Pult mit hörbaren musikalischen Folgen, und wehe, wenn die zweiten Geigen in einem solchen Moment nicht untergehen wollen – sogleich trifft sie ein indignierter Blick.

Dabei kann der Dirigent auch laufen lassen, das Ziel wurde schließlich vorher verbindlich vereinbart. Mozarts Mini-Sinfonie KV 318 hat es der straffen Tempi wegen schleunigst erreicht, ohne dass Wesentliches am Wegesrand zurückbleibt. Runde Schlagfiguren Hengelbrocks wirken der von ständigen Akzenten drohenden Eckigkeit entgegen. In diesem Geiste geben sich 60 Instrumentalisten, als spielten sie in kleiner Gruppe im Kämmerlein. Dem Publikum wird es frühlingswarm ums Herz.

Von Christian Knatz

Der Geiger als Straßenplaner
Dresdner Neueste Nachrichten, 22.04.2013

Daniel Hope und Camerata Salzburg in der Frauenkirche

Man muss gar kein regelmäßiger Konzertgänger sein, ein bisschen Anstand tut es auch, um einzusehen: Spätestens dann, wenn das Orchester vorn begonnen hat zu musizieren, könnte das raschelnde Sortieren der Einkaufstüten unter der Kirchenbank fehl am Platze sein. Den Musikern der Camerata Salzburg wie Arvo Pärts “Trisagion” für Streichorchester war am Sonnabend in der Frauenkirche erst nach rund drei Minuten endlich die nötige
Aufmerksamkeit vergönnt. Pärts Klänge schreien nicht mit Paukenschlägen “Hört her!”, man muss sich ihnen bewusst öffnen, ihnen Raum geben, ihren Puls annehmen, ihre Stille mitleben – und zulassen. Dann sind sie ungemein
faszinierend, und zumindest gen Ende hin durfte man das dann auch erfahren.

Pärts auf einen alten orthodoxen Hymnus auf die Heilige Dreifaltigkeit zurückgehender, in sich ruhender Musik folgte impulsive jugendliche Frische mit Felix Mendelssohn Bartoldys erstem Violinkonzert. Jenes d-Moll-Konzert ist Werk eines 13-Jährigen und längst nicht so präsent in den Konzertsälen wie das reichlich zwei Jahrzehnte später entstandene Schwesterwerk in e-Moll. Doch scheint die Meisterschaft des Komponisten allenthalben durch, und dank der Musizierlust und Ernsthaftigkeit, mit der sich sowohl Daniel Hope als auch die Camerata Salzburg des Werkes annahmen, entfaltete es all seine Reize. Die lagen nicht nur in den sprühenden Ecksätzen, sondern ebenso im langsamen Mittelsatz, in dem Orchester und Solist – die ohne vermittelnden Dirigenten musizierten – mit ausgesprochen sorgsamen, subtilen Phrasierungen glänzten.

Mit Mozarts Violinkonzert G-Dur KV 216 legte der brillante Daniel Hope nach der Pause gleich noch einmal nach. Seine Guaneri mit ihrem großen, blumigen Ton wurde quasi eins mit dem Kirchenraum, den sie spielend leicht erfüllte und erfühlte. Ein charmantes Allegro mit einer vom Solisten in tiefer, überlegener Ruhe vorgetragenen Kadenz, ein fast entrückt wirkendes Adagio und ein Schloss-Rondo voller Esprit rundeten sich zu einer stimmigen, begeistert aufgenommenen Interpretation. Das forderte eine Zugabe, in der der britische Geiger eine Lanze für den 1656 in Dresden geborenen Johann Paul von Westhoff brach. Der Geiger und Komponist, u.a. auch Mitglied der Dresdner Hofkapelle, sei Wegbereiter für Bachs berühmte Violin-Sonaten und -Partiten gewesen – “Es sollte in Dresden eine Von-Westhoff-Straße geben”, meinte Hope, bevor er gemeinsam mit dem Orchester die wirkungsvolle “Imitazione delle campane” in einer Bearbeitung von Christian Badzura zum Besten gab.

Joseph Haydns Sinfonie Nr. 7 C-Dur – “Le Midi” – wurde am Ende noch einmal Spielwiese für ein hervorragendes Orchester, das mit Lust und Hochspannung und im besten Sinne gemeinsam ein großes Ganzes formt. Hatte schon in den Violinkonzerten jeder einzelne Tuttist förmlich so musiziert, als wäre er mindestens Trio-Partner des Solisten, so zeichnete die gleiche Aufmerksamkeit auch das reine Orchesterspiel aus. Angeführt von Konzertmeister Gregory Ahss zauberte das Ensemble eine technisch wie gestisch genau ausgefeilte Aufführung, was allein noch nicht zwingend reichen muss, um den Hörer tatsächlich zu fesseln, hier aber dank Stringenz, Energie und Tiefenschärfe höchste Güte erlangte.

Sybille Graf




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PRESS REVIEWS



2014


Nach Hollywood, um den Nationalsozialismus zu überleben
Salzburger Nachrichten, 09.09.2014

Der Geiger und Forscher Daniel Hope erinnert an jüdische Emigranten, die mit Filmmusik eine neue Existenz aufbauten.

Nach Hollywood, um den Nationalsozialismus zu überleben

Es muss ein Thriller sein
Gala, 04.09.2014

Daniel Hope: Darum sind Sting und Max Raabe der Clou an seinem Hollywood Album!
Epoch Times, 06.09.2014

Geiger Daniel Hope ist mit seinem Hollywood-Album erneut ein großer Wurf gelungen.

Am ersten September kam die CD mit dem Titel: „Escape to Paradise“ bei der Deutschen Grammophon heraus. Und die Überschrift verrät es bereits: Den Hörer erwartet hier keinesfalls akustische Zuckerwatte mit Sologeige – es ist eine dramatische Flucht ins Paradies, die hier angetreten wird.

Daniel Hope erforscht mit seinem Album, wie die durch den Holocaust vertriebenen Künstler den Klang von Hollywood kreierten. Wie klassische Komponisten sich in der Filmmusik eine neue Heimat suchen mussten – Und wie trotz all der Schönheit und Süße, die ihre Kompositionen im „Paradies“ der Filmmetropole entfalteten, in ihrer Musik immer noch düstere Schicksale nachklingen, die dem Traum von einer besseren Welt existentielle Tiefe verliehen. Es enstand ein Klang in dem Menschen auf der ganzen Welt ihr eigenes Erleben wiederfanden. Mit „Escape to Paradise“ geht Daniel Hope auf die Suche nach dem Geheimnis dieses betörenden Hollywood-Sounds.

Greatest Hits und Unbekanntes

Daniel Hope macht hier das was er immer macht – und wieder einmal sehr überraschend und überzeugend. Die Musikauswahl enthält sowohl Ohrwürmer, die üblichen Verdächtigen, wie „Schindler´s Liste“, die Liebesthemen aus Ben Hur und El Cid, Ennio Morricones Cinema Paradiso – also das, was der Freizeit-Klassikfan erwartet. Und gleichzeitig führt uns Hope auch an unbekanntere Stücke heran. Das beginnt beim Korngold-Violinkonzert, dass in gewisser Hinsicht der klassische Felsen ist, auf dem die Musik Hollywoods gebaut wurde.

Und es geht weiter mit nostalgischen Perlen, die heutzutage kaum noch jemand kennt, wie zum Beispiel „Tränen in der Geige“ von Walter Jurmann (1903 – 1971) und „Come back, little Sheba“ von Franz Waxman (1906 – 1967).

Unglaublich: Das singen Sting uns Max Raabe!

Typisch Daniel Hope: Er würzt seine Geigen-CD wieder mit hochkarätigen Gästen aus anderen Genres. Böse Zungen könnten jetzt behaupten, dass Max Raabe und Sting hier lediglich als zusätzliche Verkaufsargumente für die Deutsche Grammophon fungieren, aber wer einmal reingehört hat, weiß, die beiden geben dem Album den letzten Schliff und verdichten mit den von ihnen gesungenen Texten den literarischen Subplot – Vertreibung und Vergänglichkeit.

Sting singt auf englisch ein Lied von Hanns Eisler aus „The Secret Marriage“, das melancholischer kaum wirken könnte. Denn es erklingt direkt nach den Haifetz-Arrangement „Sea Murmurs“, jenen sanft glitzernden Wellen, welche die Vertriebenen an die verheißungsvolle Küste der USA gespült haben. Und damit erinnert uns Stings gebrochenes Timbre an die Heimatlosigkeit, welche die Künstler in der neuen Heimat fühlten.

Max Raabes Version von Kurt Weills „Speak Low“ geht dann noch einen Schritt weiter: Das melancholische Lebensgefühl hat sich bereits vollständig in swingende Heiterkeit aufgelöst – scheinbar. Denn um den Abgrund hinter der sonnenbeschienenen Filmkulisse spürbar zu machen, durch die das Lied zu schlendern scheint, braucht es eben einen Max Raabe.

Keine Angst vor großen Gefühlen

Ganz am Ende, nachdem Daniel Hope auch noch einen Ausflug in den „American Beauty“-Soundtrack von Thomas Newman (2000) und die nähere Hollywood-Vergangenheit gemacht hat, schließt er den Kreis wieder in der Vergangenheit mit „Irgendwo auf der Welt gibt’s ein kleines bisschen Glück“ von Werner Richard Heymann. Und mit einem kaum erkennbaren, fragmentarisch-zerbrochenem „As Time goes by“, haucht er seine Hollywood-Träume solistisch aus …

Das alles ist so schonungslos sentimental, dass es ins Auge hätte gehen können. Dank Daniel Hopes musikalischer Leidenschaft, seiner Seelentiefe und dem großen Ernst, mit dem er auch die scheinbar trivialiste Nummer behandelt, trifft es mitten ins Herz.
von Rosemarie Frühauf

 

Daniel Hope: Escape to Paradise – review
Financial Times, 05.09.2014

Pieces played in new arrangements bask luxuriantly romantic world of Korngold, Rosza and their contemporaies

Violinist Daniel Hope shows what happened to the mostly Jewish composers exiled from Nazi Germany when they turned up in the “paradise” of Hollywood.  The result is not an academic exercise – many of the pieces here are played in new arrangements – but an invitation to soak in the luxuriantly romantic world of Korngold, Rozsa and their contemporaries.  Sting makes a guest appearance in a song by Eisler, Max Raabe in one by Weill.  But mostly this is a showcase for Hope’s violin, basking in the saturated emotion of Korngold’s Violin Concerto and soaring through the love themes from films such as Ben-Hur and Hitchcock’s Spellbound.

by Richard Fairman

Daniel Hope auf der Suche nach dem „Hollywood-Sound“
Kulturradio von RBB, 03.09.2014

Der britische Geigenvirtuose Daniel Hope lädt ein zu einer Reise durch Soundtracks des 20. Jahrhunderts

Daniel Hope ist bekannt für seine Vielseitigkeit – er ist in der Klassik und im Barock ebenso zu Hause wie im Jazz. Seit langem interessiert er sich für europäische Komponisten, die vor oder während des zweiten Weltkriegs nach Hollywood geflüchtet sind und für die Filmstudios komponiert haben. Emigranten wie Erich Wolfgang Korngold, Mario Castel-Nuovo Tedesco , Eric Zeisl oder Miklos Rosza haben mit anderen Kollegen den klassischen “Hollywood-Sound” geprägt. Mit seiner neuen CD “Escape to Paradise” hat Daniel Hope diesen Komponisten ein Denkmal gesetzt.

Kernstück der Platte ist ein Violinkonzert in D-Dur , op. 35, von Erich Wolfgang Korngold in drei Sätzen. Der österreichische Komponist hat es nach seinen Erfolgen in Hollywood komponiert, inspiriert von seinen eigenen Arbeiten für den Film. Daniel Hope spielt das Konzert wohltuend akkurat, sehr eindringlich, technisch perfekt und im wirbelnden Wechsel zwischen schmeichelnd-süß und geradezu vehement fordernd. Dieses Werk zeigt, wie gut Korngold sein Handwerk beherrschte.

 

Das Vermächtnis des Hollywood-Sounds

Daniel Hope schlägt auf “Escape to Paradise” einen Bogen zu Filmen unserer Zeit und hat drei Komponisten ausgewählt, die in der Tradition des “Hollywood-Sounds” stehen: Thomas Newman,  John Williams und Enrico Morricone, die die Soundtracks zu den bekannten Filmen “American Beauty”, “Schindlers Liste” und “Cinema Paradiso” geschrieben haben.  Alle drei Filme beschäftigen sich ebenfalls mit dem Thema Flucht . Daniel Hope gelingt es bei dem Soundtrack zu “American Beauty”, mit seinem sinnlichen Spiel den Schmerz der Einsamkeit, die Sehnsucht nach einer besseren Welt und auch die Flucht vor sich selbst, die ja in dem Film zentrales Thema ist, zu vermitteln.

 

Gastsänger Sting und Max Raabe

Gastsänger Sting performt einen eigenen Song “The Secret Marriage”, der auf einer Melodie von Hanns Eisler basiert und Max Raabe singt Kurt Weill zu Hopes Geigentönen  – was das Album umso interessanter macht.

 

Von alten Schätzen zu Neuentdeckungen

Auf “Escape to Paradise” finden sich alte Klassiker wie “As time goes by” arrangiert für Sologeige, und charmante Neuentdeckungen  wie “Sea Murmurs” von Mario Castelnuovo-Tedesco, arrangiert von Jascha Heifetz.

Mit “Escape to Paradise” kann man schwelgen , nachdenken,  zeitreisen und genießen – ein schöner  Einstieg für Filmfans, die Klassik hören wollen und umgekehrt. Hope versteht es durch sein intensives wendiges Spiel, die Essenz dieser traumumwehten Musik genau einzufangen. Manchen mag es nach zu großen Gefühlen klingen, zu viel Pathos mitschwingen, aber das braucht es mitunter, um die “message” der Filme zu transportieren, sie ohne Bilder sprechen zu lassen. Das gelingt Daniel Hope sehr gut.

Wer keine Angst vor großen Gefühlen hat, wird Gefallen finden an Daniel Hopes Hollywood-Album “Escape to Paradise”.

Anne Spohr, kulturradio

DANIEL HOPE – Escape To Paradise – The Hollywood Album
terrorverlag.com, 29.08.2014

DANIEL HOPE ist ein südafrikanisch-britischer Geiger, der berühmt ist für seine Musikalität und Vielseitigkeit. Auf seinem neuen Album „Escape To Paradise – The Hollywood Album“ beschäftigt er sich mit Filmmusik aus der Feder europäischer Exil-Komponisten, die den Hollywood-Sound kreierten. Zu hören gibt es beispielsweise Themen aus Filmklassikern wie „Ben Hur“ oder „Schindlers Liste“ – gesanglich unterstützt von STING und MAX RAABE. Außerdem mit von der Partie: das Royal Stockholm Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Alexander Shelley, der Pianist Jacques Ammon und Maria Todtenhaupt an der Harfe.

Keimzelle war für den 41-jährigen das Violinkonzert von Korngold, der 1934 nach Hollywood emigrierte und zwei Oscars für seine Filmmusiken erhielt. Sein leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Das europäischen Echo der 1930er-Jahre zeichnet er nach, indem er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert: Mit STINGs eigener Version des Hanns-Eisler-Liedes „An den kleinen Radioapparat“ das hier „The Secret Marriage“ heißt und mit MAX RAABE, der „Speak Low“ von Kurt Weill performt. Die musikalische Reise auf „Escape To Paradise“ reicht vom Jahr 1908 („Prelude And Serenade“ aus „Der Schneemann“ von Erich Wolfgang Korngold bis hin zur jüngsten Vergangenheit, die beispielhaft mit dem Titelstück aus „American Beauty“ aus der Feder von Thomas Newman repräsentiert wird. Ein Komponist wie ENNIO MORRICONE darf natürlich ebenfalls nicht fehlen. Hier sei das „Love Theme“ aus „Cinema Paradiso“ genannt.

Großes Kino – sowohl optisch als auch (wie im Falle dieser CD) akustisch. Zweifellos ist diese Klassik-Veröffentlichung nicht unbedingt das, was die Terrorverlag-Leserschaft zwischendurch mal eben in den CD-Player schiebt, aber dem einen oder anderen Cineasten mit gewissen Neigungen zur sogenannten ernsten Musik wird hier bestimmt das Herz aufgehen.

Link: http://www.terrorverlag.com/rezensionen/daniel-hope/escape-paradise-hollywood-album/

Flucht ins Paradies – Künstlerexil Hollywood
stagecat.de, 25.08.2014

Daniel Hope hat mit der Deutschen Grammophon ein ungewöhnliches Projekt umgesetzt. Der Star-Violinist und Buchautor hat sich auf seinem neuen Album “Escape to Paradise” auf eine musikalische Spurensuche in Hollywood begeben, an seiner Seite Max Raabe und Sting.
In den letzten Jahren hatte sich der Wahl-Wiener mit Komponisten und Musikern beschäftigt, die das Hitler-Regime in Europa nicht überlebten. Auf seinem neuen ‘Hollywood Album’ bringt er nun jene Künstler zu Gehör, denen die Flucht in die USA gelang und die sich in der neuen Welt, der Traumfabrik Hollywoods als Menschen und Künstler neu finden mussten. In ihre Arbeit brachten sie die Erfahrung von Vertreibung und Flucht ein. Daniel Hope spürt in den Werken dieser Hollywood-Künstler dem wahren Sound der Traumfabrik nach, den Geschichten und Erfahrungsräumen unterhalb des inszenierten Bombastes.

Ort der Gestrandeten

Daniel Hopes Familiengeschichte ist mit dem Thema Exil eng verbunden. Seine Großeltern flohen vor dem Hitler-Regime nach Südafrika, seine Eltern vor dem Apartheidsregime nach England. Musik als Medium der Kommunikation ist ein Schlüssel zum künstlerischen Werk Daniel Hopes und dessen gesellschaftlichem Engagement mit der Freya-von-Moltke-Stiftung, Yehudi Menuhins Live-Music-Now-Stiftung oder mit Amnesty International gleichermaßen. Hope sucht in den Tönen die vergessenen Geschichten der Menschen auf und regt zu neuen Perspektiven auf vermeintlich Altbekanntes an.

Die Traumfabrik Hollywoods und ihre legendären Filmmusiken macht Hope hörbar als einen Ort der Hoffnung für gestrandete Künstler, deren vorheriges Leben auf das Volumen eines Koffers geschrumpft war. Dem Fatum eines grausamen Schicksals entkommen arbeiteten diese Künstler, denen nicht viel mehr geblieben war, als ihr Talent, zugleich an den cineastischen Visionen Hollywoods, wie an der eigenen Hoffnung auf Zukunft. Eindrücklich arbeitet Daniel Hope in seiner musikalischen Umsetzung den Schmerz der Flucht, den Verlust der alten Kultur und die Sehnsucht nach einer besseren Zukunft als die Grundlagen des »Hollywood Sound« heraus. Seine Auswahl zieht einen Bogen von Erich Wolfgang Korngold, dem einstigen Wunderkind der österreichischen klassischen Moderne und legendärem Opernkomponisten, bis zu Filmklassikern wie “Schindlers Liste” und “Cinema Paradiso”.

Leitmotiv “Flucht”

Nachdem sich Hope mit den verbotenen Kompositionen des Dritten Reiches und von den Nazis ermordeten Tonsetzern beschäftigt hat, gilt seine Aufmerksamkeit diesmal denen, deren Flucht gelang. “Escape to Paradise” konzentriert sich nicht auf biographische Spuren des Exils, sondern sucht ebenso in der filmmusikalischen Bearbeitung des Themas Flucht nach Zusammenhängen, nach Hollywoods Schicksals-Melodie. In der Auswahl der Werke kam dabei, so Hope, “eine Art Mosaik zusammen”. “Hollywood war geradezu ein Sinnbild für Flucht, auf vielen verschiedenen Ebenen. Man kann das Album auch als eine Suche nach dem wahren ‘Hollywood Sound’ betrachten”.

So kommen neben den Exil-Komponisten der ersten Stunde auch drei lebende Komponisten zu Gehör. John Williams, der die meisten Oscar-Nominierungen erhielt, sieht Hope mit der Filmmusik zu “Schindler’s Liste” in klarer Tradition zu Korngold. Dessen Violinkonzert, das Hope in der Interpretation vom “König der Geiger”, von Jascha Heifetz, der seinerseits nach Hollywood emigriert war, kennengelernt hat, ist die zentrale Interpretationsfolie und Keimzelle des Hollywood-Sound, wie Hope ihn hört.

Korngold emigrierte 1934 nach Hollywood, arbeitete für die Warner Bros.-Studios und erhielt zwei Oscars für seine Filmmusiken, 1937 für “Anthony Adverse” und 1939 für “The Adventures of Robin Hood”. Dessen leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Letztlich ist der Film für Hope eine opulente Welt der Flucht aus unserer Wirklichkeit, somit auch ein Ort symbolischer Befreiung.

Daneben bringt Hope Thomas Newman, Sohn des legendären Hollywood-Komponisten Alfred Newman, zu Gehör, der in “American Beauty” von “der Flucht von einem Leben in ein anderes erzählt”. Zur Vertiefung der Sound-Geschichte Hollywoods wird Ennio Morricone herangezogen, der in “Cinema Paradiso” die Weltflucht des Jungen Salvatore ins Kino untermalt. So reist Hope mit seinem neuen Album über Klassiker wie “Ben-Hur” und “El Cid” von Miklós Rózsa bis in die Gegenwart und horcht dem fernen Hall des Echos der 1930er-Jahre in Europa nach, wenn er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert.

Zwischen Tradition und Neuanfang

Bei seiner musikalischen Spurensuche im Breitbandformat erhält Hope prominente Unterstützung. Sting singt sein eigene Textversion zu Hanns Eislers Lied “An den kleinen Radioapparat”. Der Popstar hatte den Brecht-Text des Liedes schon 1987 umgedichtet und singt “The Secret Marriage” nun mit Hope ein. Außerdem singt Max Raabe »Speak Low« von Kurt Weill.

Hope stellt die Oper “Hiob” von Eric Zeisl nach dem gleichnamigen Roman von Joseph Roth vor, die sich ebenfalls mit der Flucht aus Europa in die USA beschäftigt. Die europäischen Traditionen, denen die Exilanten verbunden waren, werden noch in den Brüchen deutlich. Die Entwicklung der Musik von Wagner und Mahler fand über die Wiener Schule von Schönberg, Korngold und Zemlinsky ihre Fortsetzung in den Filmstudios von Hollywood. Die Exil-Komponisten mussten ihre Prägung in der 12-Ton-Musik gegen die neue US-Mode des Pathos eintauschen und von der Walzerwelt in die Welten von Romanzen und »Wild West« eintauchen. So verschmolz die Musiktradition der alten Welt, die Erfahrung von Flucht und Vertreibung, mit den Melodien der Traumfabrik zu amerikanischen Erfolgsgeschichten, deren innewohnende Brüche und Tragödien Daniel Hope hörbar macht.

Text: Mirco Drewes

Link: http://stagecat.de/klatsch.php?eintrag=25082014194

Daniel Hope “Escape To Paradise – The Hollywood Album” | ab heute im Handel
entertainment-base.de, 29.08.2014

Von Korngold über »Cinema Paradiso« bis zu Sting: Auf seinem neuen Album (VÖ: 29.08.) findet Daniel Hope einen verblüffenden Schlüssel zur Filmmusik. Sie ist Echo der europäischen Exil-Komponisten. Eine Breitbild-Spurensuche in Klängen. Hollywood ist der Ort unserer Träume. Doch wenn Daniel Hope ihn nun mit seiner Geige bereist und erforscht, verändert sich unsere Wahrnehmung. Hope beweist, dass der »Hollywood Sound« ein Klang mit Geschichte und aus Geschichten ist. Die Traumfabrik von Los Angeles war ein Ort, an dem Gestrandete ihre Hoffnungen aus den Koffern kramten und ihre Träume in Klänge verpackten. Großes, menschliches Kino mit fatalen Schicksalsschlägen und amerikanischen Erfolgsgeschichten.

Auf seinem neuen Album begibt sich der Star-Geiger auf eine sinnlich-historische Spurensuche im Breitbildformat. Und wieder gelingt Hope über die Musik ein faszinierender Blick auf die Geschichte: Nachdem er sich bereits mit den verbotenen Kompositionen des Dritten Reiches beschäftigt hat und mit den von den Nazis ermordeten Tonsetzern, nimmt er dieses Mal die Spuren jener Musiker auf, denen die Flucht in die USA gelang. Eindrücklich lässt Hope hören, dass der Schmerz der Flucht, das Zurücklassen der alten Kulturen und die Sehnsucht nach einer besseren Zukunft die Grundlagen des »Hollywood Sound« sind. Mit seiner klugen Auswahl zieht der Geiger einen Bogen von Erich Wolfgang Korngold bis zu Filmklassikern wie Schindlers Liste und Cinema Paradiso.

Keimzelle ist für Hope das Violinkonzert von Korngold, das er in der Interpretation vom »König der Geiger«, von Jascha Heifetz, der seinerseits nach Hollywood emigriert war, kennengelernt hat. Korngold emigrierte 1934 nach Hollywood, arbeitete für die Warner Bros.-Studios und erhielt zwei Oscars für seine Filmmusiken, 1937 für Anthony Adverse und 1939 für The Adventures of Robin Hood. Sein leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Ein kluger Gedanke, der auch musikalisch greifbar wird, denn letztlich ist der Film für Hope nichts anderes als eine opulente Welt der Flucht aus unserer Wirklichkeit.

Hope horcht dem europäischen Echo der 1930er-Jahre nach, wenn er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert. Mit von der Partie ist Sting mit »The Secret Marriage«, seiner eigenen Version des Hanns Eisler Liedes »An den kleinen Radioapparat«. Der Popstar hatte den Brecht-Text des Liedes schon 1987 umgedichtet und nun singt er den Song noch einmal gemeinsam mit Hope ein. Außerdem singt Max Raabe »Speak Low« von Kurt Weill.

Hope stellt auch die Oper Hiob von Eric Zeisl nach dem gleichnamigen Roman von Joseph Roth vor, die sich ebenfalls mit der Flucht aus Europa in die USA beschäftigt. Und plötzlich wird ganz selbstverständlich klar, dass die Entwicklung der Musik von Wagner und Mahler über die Wiener Schule von Schönberg, Korngold und Zemlinsky seine Fortsetzung in den Filmstudios von Hollywood fand. Hier mussten die Exil-Komponisten allerdings ihr Gedanken-Gepäck aus 12-Ton-Musik gegen die neue US-Mode des Pathos eintauschen und von der Walzerwelt in die Welten von Romanzen und »Wild West« eintauchen. Flucht bedeutet eben immer auch das Zurücklassen alter Traditionen. Ein Thema, das Daniel Hope persönlich verfolgt: Seine Großeltern sind vor Hitler nach Südafrika geflohen, und seine Eltern vor dem Apartheidsregime nach England.

Mit seinem neuen Album reist Hope bis in die Gegenwart. Neben den Klassikern Ben-Hur und El Cid von Miklós Rózsa hat er sich drei Filme und Komponisten ausgesucht, die ebenfalls das Thema Flucht aufgreifen: John Williams als Korngold-Erbe in Schindlers Liste, Thomas Newmans American Beauty und natürlich Ennio Morricone mit seiner Ode an den Fluchtraum Kino in Cinema Paradiso.

Am Ende dieser CD über den »Hollywood Sound« erklingt ein angedeuteter Nachhall: Hope spielt Herman Hupfelds »As Time Goes By« aus dem Filmklassiker Casablanca – ebenfalls eine große Ode an die existenziellen Momente von Menschen auf der Flucht.

Link: http://www.entertainment-base.de/2014/08/29/album-daniel-hope-escape-to-paradise-the-hollywood-album-ab-29-08-im-handel/



2013


Spheres
Bayern Klassik, www.br.de, 13.02.2013

Eine Auswahl sinneserweiternder, meditativer, melodiöser Musik wird auf der CD-Rückseite angekündigt. Eine Zeitreise vom Barock bis in die Gegenwart. Und eine Sternenreise: Die Musikzusammenstellung erklärt Daniel Hope mit seiner Faszination für den Nachthimmel, für die Weite des Universums.
Autor: Ben Alber Stand: 13.02.2013

 

Ist da draußen irgendetwas? – diese Frage verbinde die Musik auf seiner CD, so Hope im Booklet. Mit einer atmosphärisch dichten Bearbeitung einer Solo-Sonate des Barockkomponisten Johann Paul von Westhoff beginnt meine Sternenreise an der Seite von Daniel Hope. Ein erster Blick in den Nachthimmel, es glitzert silbrig, ich hebe langsam ab und freue mich auf den Flug. Dann “I giorni” von Ludovico Einaudi, ein Stück, das es vor nicht langer Zeit in die britischen Single-Charts brachte und in einige Werbespots – zum Beispiel in den eines indischen Telekommunikations-Anbieters.Und da passt es sicher auch gut. Die Botschaft auf “Spheres” vielleicht: “Ja, da draußen ist irgendetwas, ein ganzer Haufen Telekommunikationssatelliten!”

Konzeptalbum mit rotem Faden

Ich vertraue meinem Reiseleiter und bleibe an seiner Seite. Ich gebe zu, die Versuchung war groß, zur Erde zurückzukehren. Aber ich werde für meine Toleranz belohnt: Je länger die Reise dauert, desto mehr erschließt sich Hopes Idee, dem die Reihenfolge der Stücke auf der CD sehr wichtig ist. Nämlich die Idee eines geschlossenen Konzeptalbums, das inhaltlich und klanglich ein roter Faden durchzieht, und das doch auch immer wieder überrascht. Gerade mit zahlreichen Miniaturen jüngerer Komponisten: Max Richter, Alex Baranowski, und Gabriel Prokofiev, der Enkel von Sergeij Prokofiev, haben unter anderem Stücke geliefert, die überzeugen. Prokofiev ist es, der mit seinem “Spheres” am deutlichsten eine Projektionsfläche bietet für die Ängste, die auch Platz haben bei einer (Gedanken-)Reise ins Universum: Wenn da draußen etwas ist – ist es uns auch wohlgesonnen?

 

Ein großes, unheimliches Rätsel

Neben einem ganzen Reigen eingängiger Geigen-Melodien – mal im zarten Duo mit Klavier, mal in weichen Streicherklang gebettet, mal pompös orchestral und vokal aufgeladen – hat auch das unheimliche schwarze Nichts zwischen den glitzernden Sternen immer mal seinen Platz auf dieser CD. Und das ist gut so. Trotz Mars-Mobil und Raumstation bleibt das Universum doch ein großes, unheimliches Rätsel. Schade, wenn das in der Musik anders wäre.

Spheres – Daniel Hope
www.klassikerleben.de, 14.02.2013

Es ist eine Zusammenstellung von Miniaturen, aber auch etwas längeren Sätzen, die an stilistischer Bandbreite kaum zu überbieten ist. In seiner offenen und stets auf Unentdecktes neugierigen Art forscht der Geiger und künstlerische Leiter der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Daniel Hope, mit dem Deutschen Kammerorchester Berlin unter Leitung von Simon Halsey und bei einigen Tracks sogar unterstützt vom Rundfunkchor Berlin in deutschem, italienischem, amerikanischem und russischem Repertoire nach wahren Pretiosen für sein Instrument. Viele Tracks stammen vom italienischen Filmmusikkomponisten Ludovico Einaudi. Dann werden Ausschnitte aus den berühmten, im John-Neumeier-Ballett „Preludes CV“ auch vertanzten 24 Präludien für Violine und Klavier der russisch-amerikanischen Komponistin Lera Auerbach mit Arrangements von barocken Bach-Präludien oder Genrestücken des Amerikaners Karl Jenkins kombiniert. Selbst Minimalistisches von Philipp Glass oder Michael Nyman findet sich in dieser aparten Sammlung von Violinwerken. Nicht vom großen Sergej, sondern vom jungen Gabriel Prokofjew stammt der Titel „Spheres“. Überhaupt stellen viele Werke ganz junger Komponisten auf Hopes jüngstem Album echte Überraschungen dar, so etwa das Stück „Biafra“ vom 1983 geborenen Alex Baranowski oder das Lento des 1973 geborenen Aleksey Igudesman. Eine Entdeckung ist auch der von John Rutter arrangierte „Cantique de Jean Racine“ op. 11 von Gabriel Fauré.
(Deutsche Grammophon/Universal Music)

(Helmut Peters)

 

Heaven and Hell
, 14.02.2013

Toms Schmankerl der Woche

Vom Sphärenklang zum Untergang mit Tom Asam.

 

Der britische Violinist Daniel Hope ist gefeierter Solist und Kammermusiker und darüber hinaus für seine Vielseitigkeit bekannt. Da gibt es schon mal ein Crossover-Projekt mit Sting. Oder wie zuletzt in der Recomposed Serie der Deutschen Grammophon (bei der er seit 2007 exklusiv veröffentlicht) frisches Blut für Vivaldi durch Max Richters gelungene Re-Interpretation der Vier Jahreszeiten. Nun erscheint Spheres, eine musikalische Auseinandersetzung mit dem Thema Sphärenklänge. Spätestens seit Pythagoras beschäftigen sich Philosophen, Mathematiker und Musiker mit der Vorstellung, dass die Bewegung der Planeten einen Klang erzeugt, dass Musik eine mathematische Grundlage hat, eine Art astronomische Harmonie, die in allem stecke. Hope nimmt sich dieser so romantischen wie faszinierenden Idee an und spannt dabei einen musikalischen Bogen von der Renaissance bis in die Gegenwart, von Westhoff (dessen Einfluss auf Bach er für unterschätzt hält) über Fauré und Glass bis Arvo Pärt, Einaudi und Nyman. Hinzu kommen Ersteinspielungen von Stücken der Komponisten Alex Baranowksi, Gabriel Prokofieff, Alexej Igudesmann und Karsten Gundermann. Eine bezaubernde Idee, die von Hope u.a. mit Jaques Ammon (Piano), dem Deutschen Kammerorchester Berlin und Mitgliedern des Rundfunkorchesters Berlin phantastisch umgesetzt wurde. Ideal, um öfter mal die Bildschirme ausgeschaltet zu lassen und zum Klang dieser Sphärenmusiken in den Nachthimmel zu glotzen. Mein persönlicher Favorit ist Arvo Pärts Fratres – ein Stück, bei dem die Ganzkörper-Gänsehaut in ihrer Heftigkeit im Wettstreit mit den Freudentränen liegt. Galaktisch.

Ist da draußen irgendetwas? Daniel Hope verzaubert mit seiner Geige: CD „Spheres“
The Epoch Times, 28.02.2013

“Komponisten und Werke aus verschiedenen Jahrhunderten zusammenbringen, die man normalerweise nicht in derselben Galaxie findet“, so umschrieb Daniel Hope das Konzept seines neuen Albums, das jüngst bei der Deutschen Grammophon erschienen ist. Der verbindende Gedanke hinter der Musik von „Spheres“ sei die Frage: „Ist da draußen irgendetwas?“

Astronomie fasziniert den britischen Geiger Daniel Hope seit Kindheitstagen und Sternenbeobachtung war neben der Musik seine große Leidenschaft. Da konnte es nicht ausbleiben, dass Hope ein „zeitgemäßes Statement“ zur Sphärenmusik abgeben wollte, jenem seit Urzeiten beschriebenen, selbsterzeugten Klang der Planeten.

Dass „Spheres“ als Konzeptalbum kein Marketing-Gag, sondern eine echte Entdeckungsreise ist, merkt der Hörer spätestens am filigranen Tonfall der CD und ihrer eigenwilligen Zusammenstellung. „Spheres“ vereint musikalische Organismen aus vier Jahrhunderten, ohne nach dem „E“ oder „U“ ihrer Herkunft zu fragen. Und „Spheres“ ist eine jener Sammlungen geworden, die man sehr oft hören kann, ohne dass sie ihren Glanz verliert. Das liegt vor allem an der Qualität der Stücke und ihrer Interpretation, fünf davon sind Weltersteinspielungen, andere speziell neu arrangiert. Sogar Filmmusiken wurden ihrem Entstehungskontext entführt und fanden auf dem Planeten „Kammermusik“ ein neues Zuhause; wegen der Hingabe aller Beteiligten ein künstlerisch glaubwürdiges zumal.

Zu Hopes superbem Geigenspiel gesellen sich Jacques Ammon am Klavier, das Deutsche Kammerorchester Berlin unter Simon Halsey mit kongenialen und ebenbürtigen Streichersolisten, sogar Mitglieder des Rundfunkchores Berlin. Das Klangspektrum, das Daniel Hope seiner Guaneri entlockt, ist faszinierend: Er haucht, singt, schwelgt, spricht mit den Anderen oder ist einsamer Sucher, täuscht Sordinoklänge an, um im nächsten Moment zu vollem Sound aufzublühen, ist Seele der Handlung ohne je selbstgefälliger Virtuose zu sein.

Die CD „Spheres“ hat eine intelligente Dramaturgie, die von einer Ausnahme abgesehen, nahtlos fließt. Sie beginnt mit Bach-Vorläufer Johann Paul von Westhoff („Imitazione delle campane“, ca.1690) in geheimnisvollem Arpeggio-Geflüster und schließt im Heute mit dem fragenden Monolog einer Geige vor dunkler Orchester-Wolkenwand (Karsten Gundermanns „Faust – Episode 2 – Nachspiel“). Zwischen die vielen kurzen Stücke fügt sich „Fratres“, ein rund zwölfminütiger und atemberaubender Arvo Pärt. Ludovico Enaudis „I giorni“ und „Passaggio“ entpuppen sich als wahre Perlen. Karl Jenkins „Benedictus“ wird zum rührenden Dialog von Geige und Chor, der in großem Pathos gipfelt, das hier jedoch zarter und zerbrechlicher als im Original erklingt. Das dreieinhalbminütige Herzstück „Spheres“ von Gabriel Prokofiev behandelt als atonalste Komposition das Thema der Planetenbewegung als sich mechanisch verschiebende Stimmen, zwischen denen Harmonie und Dissonanz entsteht.

Alles ist wunderbar stimmig, bis auf ein Kuschelklassik-Ei, das sich Hope laut Booklet mit voller Absicht selbst gelegt hat: Es ist der „Cantique de Jean Racine“ von Gabriel Fauré, den er während seiner Schulzeit öfter gesungen hat und ereilt den Hörer auf Track 4: Nachdem die Gehörgänge gerade mit minimalistischen Achtelbewegungen von Philip Glass massiert wurden und man langsam in die subtile Klangwelt der CD hineingeschwebt ist, wirkt das spätromantische Chorwerk mit seinen Schmelzklängen und weihnachtlichem Charakter süßlich triefend und wie Creme Bruleé auf nüchternen Magen – obwohl es beispielhaft gesungen ist! Zu allem Überfluss schweigt hier die erwartete Solovioline, mit deren ätherischen Flageoletts es danach weitergeht, als wäre nichts gewesen. Der einzige Ausreißer auf der sonst sehr schlüssigen CD „Spheres“.

„Spheres“ dürfte ein Verkaufserfolg werden, weil das Album Heiterkeit ausstrahlt, die sanft vitalisierend wirkt und sich für alle Lebenslagen eignet. Und auch besonders für Menschen, die nachts absichtlich wachbleiben um Sterne zu beobachten oder Musik zu hören.

Rosemarie Frühauf

Mit Daniel Hope in den Kosmos schweben
Salzburger Nachrichten, 02.03.2013

von Ernst Strobl

Im Fernsehprogramm wird er so angekündigt: „Einer der besten Geiger der Welt ist Daniel Hope. Bereits mit elf Jahren trat der britische Musiker mit Yehudi Menuhin auf, der ihn einmal als seinen musikalischen Enkel bezeichnete. Über 100 Konzerte gibt Daniel Hope jedes Jahr, immer mit dabei ist seine Guarneri-Geige von 1742 . . .“ Okay, er ist Geiger, aber das ist längst nicht al les. Daniel Hope ist wohl so etwas wie ein Tausendsassa. Neben der weltumspannenden Konzerttätigkeit ist er seit zehn Jahren Künstlerischer Leiter des Savannah Musical Festivals in Georgia, sein Amt als Künstlerischer Direktor des Festivals Mecklenburg-Vorpommern legt er heuer nach vielen Jahren nieder.

Und natürlich nimmt Hope CDs auf. Soeben ist eine der faszinierendsten Aufnahmen der jüngeren Zeit erschienen, mit denen Hope die Hörer wahrhaft in höhere Sphären entführt. Ihn an seinem neuen Wohnsitz Wien anzutreffen, ist nicht einfach. Vor ein paar Tagen passte es. Hope kam eben von Konzerten aus den USA zurück, wo er auch den 89-jährigen Pianisten Menahem Pressler besuchte, der ihn vor Jahren zum Beaux Arts Trio geholt hatte. Es folgte ein Abend mit Klaus Maria Brandauer in Zürich, Wien diente zum Umsteigen nach Göteborg, wo er am Donnerstag mit dem Britten-Violinkonzert bejubelt wurde. Heute, Samstag, ist Hope im SWR Fernsehen zu sehen.

„Spheres“ ist der Titel der CD, ist das was für Esoteriker? Ja, das habe er gern, sagt Hope. Es sei eine schöne Vorstellung, dass Planeten bei ihrer „Begegnung“ Sphärenklänge erzeugten. Hörbarer funktioniert das auf der Geige, wo Reibung Töne erzeugt. Und was für welche! Hope achtete auf die Dramaturgie bei der Auswahl der 18 Stücke. Begleitet vom Dirigenten Simon Hal sey, Kammerorchester, Chor oder Klavier zieht er fragile, innige oder glänzende Fäden über fast filmische Musik vom Barock über Phil Glass bis zu Arvo Pärt, Lera Auerbach und Ludovico Einaudi. Eine intensive, geglückte Entdeckungsreise – auch ohne Sternenhimmel zum Rauf- und Runterhören schön.

CD. Daniel Hope, „Spheres“, u. a. mit Jacques Ammon, Klavier, Deutsches Kammerorchester Berlin, Rundfunkchor Berlin. Deutsche Grammophon. TV. Daniel Hope zu Gast bei Frank Elstner. SWR, Samstag, 21.50 Uhr.

Wien ist ein Rückzugsort
Wiener Zeitung, 11.04.2013

Stargeiger und Entertainer Daniel Hope ist weltweit unterwegs und in Wien zu Hause

Von Daniel Wagner

Was dem Stargeiger und Wahlwiener Daniel Hope an seinem Wohnsitz gefällt.

Wien. Frühstück im Dritten. Kann eine Stadt inspirieren? Daniel Hope stimmt zu. Hier kann er alles aufsaugen, die Vergangenheit ist so gegenwärtig wie nirgendwo anders. Wobei die Besonderheit für den Stargeiger die Mischung macht. Wien sei eindeutig ein Schmelztiegel, mitten in Europa, die Nähe zum Balkan, die türkische Vergangenheit. Bei allen Unterschieden verwenden dennoch alle irgendwie die gleiche Sprache. “Abgesehen davon bin ich wahrscheinlich der weltgrößte Fan von Jugendstil”, sagt Hope und lacht.

Natürlich kann Wien für einen Musiker das Zentrum der Welt sein. Allein wenn er durch die City geht und Gedenktafeln von Mozart, Haydn, Beethoven bis zurück zu Vivaldi seinen Weg kreuzen, kann er nur staunen.

Journalistische Triebkräfte
Hat Wien für ihn nicht zu musealen Charakter? Der medial erfahrene Publikumsliebling schüttelt den Kopf. Durch das Wissen um die kulturelle Vergangenheit habe gerade hierzulande die Kultur einen besonderen Stellenwert inne. Denn in der gegenwärtigen Krise wird weltweit bekanntlich zuerst an der Kultur gespart. Zwei Ausnahmen fallen nach Hope hier auf: Deutschland und besonders Österreich, wo die Wertschätzung den Kunstschaffenden gegenüber vorbildlich sei.

Apropos Deutschland: Die Fernsehlandschaft der Nachbarn erkor ihn in den letzten Jahren gerne zum moderierenden Musiker. Klassik erklärt aus dem Mund des Praktikers. Wie wurde man auf seine Entertainer-Qualitäten aufmerksam? Dass er journalistische Triebkräfte hat, wurde ihm schon als Herausgeber der Schulzeitung im südafrikanischen Durban bewusst. Dann das eigentliche Geschäft: Yehudi Menuhin förderte ihn während und nach dem Studium am Londoner Royal College of Music. 2002 folgte er dem Ruf des immer umtriebigen Menahem Pressler (unlängst gab der 89-jährige Pianist sein Wiener Solodebüt). Hope wurde der letzte Geiger des legendären Beaux Arts Trios. Woran er bei dem Ensemblegründer denkt? “Wenn Pressler spielt, ist er einfach Musik. Dieses Gefühl kann nur er verbreiten.” Daneben die internationale Solokarriere. Zum Fernsehen kam er aus purem Zufall. Ein Regisseur bei Arte bat ihn während Dreharbeiten, nicht nur zu spielen, sondern auch zu moderieren. Und es hat Spaß gemacht.

Immer wieder Wien. Auch persönliche Gründe zogen ihn hierher, lebt doch die Mutter seit 20 Jahren mit ihrem zweiten Mann, dem Sänger Benno Schollum, in der Stadt. So schließt sich der Kreis zur komplexen Familienhistorie, Hope bezieht sich väterlicherseits auf katholisch-irische Vorfahren, mütterlicherseits führen die Wurzeln ganz deutlich nach Wien. Genauso wie nach Berlin. Die deutsch-jüdische Provenienz wurde der Familie zum Verhängnis. Ribbentrop persönlich enteignete einen Urgroßvater und machte dessen Berliner Villa zur Dechiffrierstation der Nazis. Der andere, seines Zeichens erfolgreicher Journalist, begrüßte den Machtwechsel. Bis er merkte, dass er “Volljude” war und Selbstmord beging. Der Urenkel feiert im heutigen Deutschland große Erfolge. Gibt es Schatten der Vergangenheit? “Ich liebe das Land, arbeite gerne dort, aber Wien gibt mir die nötige Distanz zur Familiengeschichte.”

“Ich habe das Gefühl, dass oft 300 verschiedene Projekte gleichzeitig durch meinen Kopf schwirren. Ich schnappe etwas auf, manches liegt Jahrzehnte, vieles wird verwirklicht.” Beispielsweise sein unlängst veröffentlichten Album “Spheres”: Schon als Kind liebt er sein Teleskop, über Yehudi Menuhin lernte er den US-Astronomen Carl Sagan kennen und erfuhr von Sphärenmusik, neulich hörte er eine Radiosendung darüber, und währenddessen entstand das Konzept für die Aufnahmen. Es ist Musik zum Ausspannen, fernab des tagtäglichen Wahnsinns. “Wo wir doch so klein in der Milchstraße sind, müssen wir uns die begründete Frage stellen, was es noch da draußen gibt.”

What’s Still Timeless About ‘Seasons’
The Wall Street Journal, 23.08.2013

By DANIEL HOPE – I first experienced Vivaldi as a toddler at Yehudi Menuhin’s festival in Gstaad, Switzerland, in 1975. One day I heard what I thought was birdsong coming from the stage. It was the opening solo of “La Primavera” from the “Four Seasons.” It had such an electrifying effect that I still call it my “Vivaldi Spring.” How was it possible to conjure up so vivid, so natural a sound, with just a violin?

Opinions of Vivaldi divide between those who adore and those who despise him. Ask the average person if he recognizes a classical melody, however poorly hummed, and he will probably nod enthusiastically at the second theme of “Spring” from the “Four Seasons.” On the other hand, Igor Stravinsky summed up the case for the other side when he quipped, “Vivaldi wrote one concerto, 400 times.”

Yes, Vivaldi was incredibly prolific. Nonetheless, his most famous work remains his “Four Seasons.” To understand this masterpiece, it helps to shed a little light on the rise and fall of one of the greatest violinists of the 18th century. Born in Venice in 1678 into a desperately poor family, Vivaldi chose the priesthood early on—it offered good chances of advancement. But his plans were scuppered when his severe asthma meant that he was unable to conduct long masses and because, gossip has it, he would nip out for a glass of something during the sermon.

What changed his life forever was an unusual job offer. In 1703 a Venetian orphanage, the Ospedale della Pietà, which provided musical training to the illegitimate and abandoned young daughters of wealthy noblemen, asked Vivaldi to direct its orchestra. Vivaldi understood immediately that he had a unique ensemble at his disposal. Many of his greatest works were written for these young ladies to perform. Very soon, all Europe was enthralled.

He remained there for 12 years and, after an itinerant period working in Vicenza and Mantua, returned to Venice in 1723. The 1720s were a difficult time. The bursting of the “South Sea Bubble” triggered a recession that spread across Europe. Vivaldi needed an income. So in 1723 he set about writing a series of works he boldly titled “Il Cimento dell’ Armonia e dell’invenzione” (“The trial of harmony and invention”), Opus 8. It consists of 12 concerti, seven of which—”Spring,” “Summer,” “Autumn” and “Winter” (which make up the “Four Seasons”), “Pleasure,” “The Hunt” and “Storm at Sea”—paint astonishingly vivid, vibrant scenes. In “Storm at Sea,” Vivaldi reached a new level of virtuosity, pushing technical mastery to the limit as the violinist’s fingers leap and shriek across the fingerboard, recalling troubled waters.

In the score, each of the four seasons are prefaced by four sonnets, possibly Vivaldi’s own, that establish each concerto as a musical image of that season. At the top of every movement, Vivaldi gives us a written description of what we are about to hear. These range from “the blazing sun’s relentless heat, men and flocks are sweltering” (“Summer”) to peasant celebrations (“Autumn”) in which “the cup of Bacchus flows freely, and many find their relief in deep slumber.” Images of warmth and wine are wonderfully intertwined. When the faithful hound “barks” in the slow movement of “Spring,” we experience it just as clearly as the patter of raindrops on the roof in the largo of “Winter.” No composer of the time got music to sing, speak and depict quite like this.

Vivaldi’s fame spread. He received commissions from King Louis XV of France and Rome’s Cardinal Pietro Ottoboni. When Prince Johann Ernst returned to his court at Weimar from an Italian tour, he brought with him a selection of Vivaldi’s earlier, 12-concerto “L’Estro Armonico” (“Harmonic Inspiration”) and presented it to the young organist Johann Sebastian Bach. Bach was so taken with the music that he rearranged several of the concertos for different instrumentation. A legend was born. Johann Friedrich Armand von Uffenbach exclaimed: “Vivaldi played a solo accompaniment—splendid—to which he appended a cadenza which really frightened me, for such playing has never been nor can be: he brought his fingers up to only a straw’s distance from the bridge, leaving no room for the bow—and that on all four strings with imitations and incredible speed.”

But Vivaldi’s fame was eventually to become his greatest enemy. People said that “Il Prete rosso” (“the red priest,” due to his flowing red locks) was surely in league with the devil—seducing those poor defenseless orphans, whose corsets he untied with a mere flick of his bow. The pope threatened him with excommunication. Suddenly, he was out of fashion. Once again he was broke. In May 1740, he headed to Vienna, where Emperor Charles VI had once offered him a position. He died there a year later, and was buried in a pauper’s grave.

Centuries passed. Dust gathered on the red priest’s music. A revival of sorts began when scholars in Dresden began to uncover Vivaldi manuscripts in the 1920s. But what really redeemed him was the record industry. Alfredo Campoli released a live recording of the “Four Seasons” in 1939. But, at least indirectly, the greatest revival of the “Seasons” occurred thanks to Hollywood. Louis Kaufman, an American violinist and concertmaster for more than 400 movie soundtracks, including “Gone With the Wind” and “Cleopatra,” recorded the “Four Seasons” for the Concert Hall Society. It won the 1950 Grand Prix du Disque.

Today the “Four Seasons,” with more than 1,000 available recordings, are not just rediscovered—they are being reimagined. Astor Piazzolla, Uri Caine, Philip Glass and others have all created their own versions. In Spring 2012, I received an enigmatic call from the British composer Max Richter, who said he wanted to “recompose” the “Four Seasons” for me. His problem, he explained, was not with the music, but how we have treated it. We are subjected to it in supermarkets, elevators or when a caller puts you on hold. Like many of us, he was deeply fond of the “Seasons” but felt a degree of irritation at the music’s ubiquity. He told me that because Vivaldi’s music is made up of regular patterns, it has affinities with the seriality of contemporary postminimalism, one style in which he composes. Therefore, he said, the moment seemed ideal to reimagine a new way of hearing it.

I had always shied away from recording Vivaldi’s original. There are simply too many other versions already out there. But Mr. Richter’s reworking meant listening again to what is constantly new in a piece we think we are hearing when, really, we just blank it out. The album, “Recomposed By Max Richter: Four Seasons,” was released late last year. With his old warhorse refitted for the 21st century, the inimitable red priest rides again.

article appeared August 23, 2013, on page C13 in the U.S. edition of The Wall Street Journal



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Was tut ein Pianist, wenn ihm mitten im Konzert vor ausverkauftem Haus plötzlich der Flügel wegrollt? Wie reagiert ein Geiger, dem während seines Auftritts eine Saite reißt? Wie soll ein Dirigent sich verhalten, wenn beim Konzert in der vordersten Reihe …

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Audio Interviews

Daniel Hope in interview at Deutschlandfunk


Daniel Hope – Escape to paradise


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Print Interviews



2014


Musik hat überlebt
Augsburger Allgemeine Zeitung, 30.08.2014

Exil „Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft.“
Süddeutsche Zeitung (de), 25.08.2014

DANIEL HOPE ÜBER
Exil „Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft.“ „Das Letzte, was ich wollte, war Champagner trinken. Aber es gab kein Entrinnen…“ „Ich habe mir eine Zeitmaschine verschafft, damit ich die Musik besser verstehe.“ Zur Person

Interview: Gabriela Herpell

SZ: Sie sind in Südafrika geboren, in London aufgewachsen, leben in Wien. Wo gehören Sie hin?

Daniel Hope: Wenn ich meine Zugehörigkeit wirklich definieren müsste, würde ich mich wohl als Europäer bezeichnen. Aber meine ersten 20 Jahre habe ich in London verbracht, habe also die klassische englische Erziehung genossen. Ich spreche wie ein Brite, ich verfolge die englischen Nachrichten, gucke BBC, obwohl ich lange schon nicht mehr in London lebe.

In der deutschen Sprache gibt es das Wort Heimat, das sich auf ein reales Zuhause genauso beziehen kann wie auf ein geistiges.

In diesem Sinn wäre eben Europa und nicht England meine Heimat. Ich fühle mich genauso wohl in Deutschland, England oder Österreich – wo ich jetzt wohne – wie in Spanien oder Frankreich. Obwohl man natürlich auf große Unterschiede zwischen den Ländern trifft. Gerade das finde ich schön. Das fehlt mir in Amerika, so gern ich auch dort bin.

Das klingt fast zu vernünftig. Spüren Sie keine Zugehörigkeit durch die frühen Prägungen? Sie haben dieselben Fernsehserien geschaut, die gleichen Kinderbücher gelesen wie andere Engländer, nicht wie die Franzosen.

Ich habe in vielen Ländern gelebt und die jeweiligen Eigenarten schnell adaptiert. Ich habe in Lübeck studiert, das Norddeutsche ist mir sehr vertraut. Durch das erste Buch, das ich geschrieben habe, „Familienstücke“, habe ich die Verbindung zu Deutschland erst richtig wahrgenommen.

In dem Buch beschreiben Sie die Suche nach Ihren Urgroßeltern in Berlin. Was ist passiert?

Mein Großvater wurde Anfang 1934 von der SS in Berlin zusammengeschlagen. Er arbeitete am Deutschen Theater als Lichtregieassistent bei Max Reinhardt. Er hat sofort gewusst, was los war, hat seinen Koffer gepackt und Deutschland verlassen. Max Reinhardt sagte noch zu ihm, kommen Sie nach Hollywood, ich werde einen schönen Film machen. Den „Sommernachtstraum“. Mein Großvater sagte, dass er sich geehrt fühlte, aber so weit wie möglich weg wollte von Hitler. Hollywood hat ihm nicht gereicht, darum ging er nach Südafrika.

Ging er allein?

Seine Eltern haben nicht geglaubt, dass es so schlimm kommen würde. Seine Mutter ist 1939 in letzter Minute aus Deutschland weg. Mein Urgroßvater konnte sich nicht vorstellen, Deutschland zu verlassen, und nahm sich lieber das Leben, als das aufzugeben. Das Buch ist vor sechs Jahren erschienen. Seitdem vergeht kaum ein Tag, an dem mein Leben nicht in irgendeiner Weise zu diesem Buch in Beziehung gesetzt wird.

Wie meinen Sie das?

Neulich, nach einem Konzert in Düsseldorf, stand mir ein Mann gegenüber, dessen Vater der Anwalt meiner Urgroßmutter war. Er ist im Buch erwähnt, aber ich kannte ihn nicht. Das stärkt natürlich meine deutschen Wurzeln sehr.

Haben Sie durch die Arbeit an dem Buch Heimat dazu gewonnen?

Eine seelische Heimat, genau. Ich kann die schmerzhaften Erfahrungen, die meine Familie gemacht hat, spüren. Seit 1930 sind in unserer Familie alle Exilanten. Ich verstehe jetzt, was das heißt. Und habe Frieden damit geschlossen. Ich freue mich, in Deutschland zu sein, in Deutschland zu spielen, in Deutschland Musik zu machen. Meine Urgroßeltern waren ja auch ungeheuer patriotisch.

Das macht die Geschichte besonders tragisch.

Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft, beide waren hochdekoriert und liebten die deutsche Musik, die Literatur. Sie haben sich mit dem Judentum gar nicht identifizieren können. Ihre Familien sind Mitte des 19.Jahrhunderts konvertiert. Allerdings geht unser Stammbaum zurück bis zum ersten Rabbiner von Potsdam. Dazu kommen irisch- römisch-katholische Vorfahren. Sie sehen, ich kann mich nur als Europäer fühlen.

Wenn man so viel unterwegs ist wie Sie, hat man nicht das Bedürfnis nach einem Platz, der so etwas wie eine Heimat ist?

Das ist im Prinzip Wien. Die Musikstadt. Ich liebe es, an den Häusern vorbeizugehen, in denen Mozart oder Dvořák oder sogar Vivaldi gelebt haben. Ständig an die Musik erinnert zu werden, die ich täglich spiele. Obwohl – seit wir ein Kind haben, seit acht Monaten also, ist meine Heimat bei ihm. Wir sind sehr viel zusammen gereist. Und er hat das sehr gut weggesteckt. Das wird nicht immer so bleiben.

Die Österreicher können auch ganz schön abweisend sein, oder erleben Sie das nicht?

Oh ja. Die Wiener sind speziell. Aber ich bin genauso direkt wie sie. Man darf sich nicht einschüchtern lassen.

Darf man in London auch nicht, oder?

Absolut nicht. Aber dort beruht die Distanz auf Zurückhaltung, nicht auf Konfrontation. In der U-Bahn in London sagt niemand etwas. Doch wenn man den Menschen näherkommt, stößt man auf eine sehr freundliche Welt. Die Engländer gehören zu den höflichsten Menschen überhaupt.

Glauben Sie eigentlich, dass man das Exilantentum in der DNA hat? Und dass Sie sich deshalb leicht anpassen können?

Ich glaube, dass der Krieg die Nachkommen derer, die geflohen sind, genauso nachhaltig geprägt hat und immer noch prägt wie die Nachkommen derer, die umgekommen sind oder die sich schuldig gemacht haben. Meine Mutter ist in Südafrika aufgewachsen, mit Englisch als Muttersprache. Deutsch wurde nie mehr gesprochen in der Familie. Über Deutschland wurde auch nicht mehr gesprochen. Dieser Teil der Vergangenheit existierte nicht.

In letzter Zeit haben Sie viele Konzerte mit Musik aus Theresienstadt gegeben.

Ich bin, zusammen mit den Sängern Anne Sofie von Otter und Christian Gerhaher, auch nach Theresienstadt gefahren, wir haben Zeitzeugen getroffen und einen Film dort gedreht. Wenn man sich nur vorstellt, was aus der Musik geworden wäre, wenn diese vielen jüdischen Musiker damals überlebt hätten… Es fehlt einfach eine ganze Musikrichtung im 20. Jahrhundert.

Sie selbst leben ja, weil Ihre Vorfahren geflohen sind und überlebt haben.

Genau. Nach den vielen Jahren, in denen ich die Musik der Menschen gespielt habe, denen die Flucht nicht geglückt ist, wollte ich mich mit der Kehrseite beschäftigen. Also fing ich an zu lesen, ich habe Klaus Manns Exilliteratur gelesen, besonders wichtig war natürlich „Escape to Life“. Ich habe Thomas Mann gelesen, Hanns Eisler, und ich flog nach Los Angeles, um mich mit der Schönberg-Familie zu treffen, die immer noch in Arnold Schönbergs Haus lebt. Ich habe sie besucht, es wurde Wiener Schnitzel serviert, Sachertorte und Kaffee mit Schlag. Da stand immer noch der Stuhl von Arnold Schönberg, auf dem er saß, wenn er unterrichtete. Ich hatte das Gefühl, im Los Angeles von 1940 zu sitzen. Und wieder spürte ich, was es heißt, sich im Exil zu befinden.

Wie lang recherchieren Sie für ein solches Album?

Zwei, drei Jahre. Es war eine sehr intensive Zeit. Ich habe mich durch die Archive der Paramount Studios gewühlt. Und mit Leuten aus der Zeit gesprochen, mit 95-Jährigen, die erzählt haben, was Los Angeles bedeutet hat damals.

Wer war dabei?

Walter Arlen. Er ist 94, Komponist, floh 1939 aus Wien nach Los Angeles und wurde dann Kritiker der Los Angeles Times. Er war in jedem Konzert, er kannte all die Komponisten, die auf dieser Platte sind, persönlich. Der Pianist Menahem Pressler wiederum kannte noch Franz Waxman, der 1934 aus Deutschland geflohen war und in Hollywood Filmmusiken komponierte. Ohne diese persönlichen Informationen hätte ich mich nicht getraut, die Musik aus der Zeit nachzuspielen. Ich habe mir eine Zeitmaschine verschafft, damit ich die Musik besser verstehe.

Was ist an der Musik schwer zu verstehen?

Es gibt so viele Vorurteile der Filmmusik gegenüber. Man hält sie für banal. Aber das könnte nicht weiter entfernt von der Wahrheit sein. Ich habe ja nicht „Fluch der Karibik“ oder „Transformers“ aufgenommen. Sondern wirklich die Musik aus jener Zeit. Und die Komponisten mussten diese Musik schreiben, um zu überleben. Dabei waren gerade sie damals musikalisch auf einem ganz anderen Weg.

Auf welchem Weg?

Weg von der großen Symphonie. Denken Sie nur an Schönberg. Oder Korngold. Sie empfanden sich als Vertreter der musikalischen Moderne. Aber die Studiobosse wollten die große Symphonie von ihnen, und so wurden sie festgehalten in ihrer Entwicklung. Der Tonfilm war neu. Man brauchte einen Soundtrack. Der Hollywoodklang der Dreißiger- und Vierzigerjahre kam im Grunde aus Europa, das finde ich so spannend. Korngold hat komponiert, um Geld zu verdienen, mit dem er seine Verwandten aus Europa nachholen konnte.

Waren die meisten der Filmkomponisten jüdische Emigranten aus Europa?

Nicht nur die. Die Instrumentalisten auch. Das vervollständigte natürlich den europäischen Klang. Die Studioorchester damals in Hollywood waren mit den besten Musikern besetzt, viele von ihnen europäische Juden. Wenn man ein Violinsolo von 1935, 36, 38 hört, ist das oft Toscha Seidel. Oder Louis Kaufman. Kaufman allerdings wurde in Amerika als Sohn rumänischer Juden geboren. Ein schlauer Hund. Er hat die „Vier Jahreszeiten“ wiederentdeckt und populär gemacht. Vivaldi war vollkommen in Vergessenheit geraten. Louis Kaufman spielte die „Vier Jahreszeiten“ mit dem Klavier ein und machte daraus einen Riesen-Schallplattenhit. Da ging das Vivaldi-Fieber los, in Hollywood.

Aber das ist eine andere Geschichte. Einer der bekannteren Komponisten auf Ihrem Album ist Erich Wolfgang Korngold, geboren in Wien. Er galt schon mit elf Jahren als Wunderkind.

Und er ist für mich die Schlüsselfigur hier. Ohne ihn sind viele Filmkomponisten gar nicht denkbar. Und sein Violinkonzert ist eine alte, große Liebe von mir, weil Jascha Heifetz das so unglaublich gespielt hat, für mich der größte Geiger. Auch er hat Hollywood ja sehr geprägt.

Perfektes Zusammenspiel, wie bei Glenn Gould und den Goldberg-Variationen?

So ähnlich, ja. Ich habe das Stück schon gespielt, weil ich es so liebte, aber nur für mich, privat. 25 Jahre lang. Jetzt bin ich älter geworden und etwas mutiger. Da dachte ich, ich fange mal an, es auf Konzerten zu spielen. Und habe gemerkt, wie genial dieses Stück ist. Wie es spiegelt, was in Korngolds Leben los war: die Zerrissenheit. Ihm war immer klar, dass er Musik für Filme genauso lang komponieren würde, wie Hitler an der Macht sein würde. Dann würde er anknüpfen an die Musik, die er vorher komponiert hatte. Das Violinkonzert sollte sein Comeback werden.

Sie spielen auf dem Album auch eine Filmmusik von Ennio Morricone, die Musik von „Schindlers Liste“ und die von „American Beauty“. Wie passt das zu Ihrem Konzept?

Mich hat interessiert, wie groß der Einfluss der emigrierten Musiker auf den Hollywood-Sound war. Da kam ich auf Alfred Newman, amerikanischer Jude aus Brooklyn, der als der Pate der Hollywoodmusik gilt. Er komponierte die Musik für „Der Glöckner von Notre Dame“ und „Sturmhöhen“. Von ihm war es nicht weit zu seinem Sohn, Thomas Newman, der die Musik für „American Beauty“ komponiert hat, für mich eine der besten Filmmusiken überhaupt. So ging ich weiter, zu Ennio Morricone. Er war auch nach Amerika gegangen, zwar nicht im Krieg, sondern später. Aber er kam als unbekannter Orchestermusiker aus allerärmsten Verhältnissen. Und hat den Hollywoodklang ganz neu definiert.

Haben Sie ihn auch kennengelernt?

Ja, aber in einem anderen Zusammenhang. Das war hier, im Palace Hotel, ganz zufällig. Ist schon ein paar Jahre her. Hier steigen ja traditionell viele Musiker ab. Ich kam todmüde hier an, sah nur, dass nebenan der Raum voll mit Champagner trinkenden Menschen war. Das Letzte, was ich wollte, war Champagner trinken. Da stand auch schon Mstislaw Rostropowitsch vor mir, der russische Cellist, und sagte: „Mein Freund, komm rüber.“ Da gab es kein Entrinnen.

Sie haben doch Champagner getrunken.

Klar! Und er hat mich seinem Freund Ennio Morricone vorgestellt. Ich dachte, mein Gott, so was kann nur hier im Palace Hotel in München passieren. Dann hielt Rostropowitsch eine Rede, wie nur er sie halten kann, mit tausendmal zuprosten und anstoßen. Und sagte, mein großer Freund Morricone, ich freue mich jetzt schon darauf, dass du mir ein Cello-Konzert schreibst. Alle applaudierten. Es war klar, dass es nur eine Frage der Zeit sein würde, bis er das bekam. Denn er hat immer alles bekommen, was er wollte. Daniel Hope wurde am 17. August 1973 in Durban, Südafrika, geboren. Bald schon zog seine Familie nach Paris, dann nach London. Dort arbeitete seine Mutter bei Yehudi Menuhin. Der vierjährige Sohn begann, Violine zu spielen, und wurde später von Yehudi Menuhin unterrichtet. Mit elf führte Hope zusammen mit Menuhin Bartók-Duos für das Deutsche Fernsehen auf. Heute arbeitet er mit den großen internationalen Orchestern und Dirigenten, dirigiert viele Ensembles von der Geige aus und ist berühmt für seine Vielseitigkeit. So verbindet er oft Text und Musik, wie bei den Konzerten mit Musik aus Theresienstadt. In seinem Buch „Familienstücke“ (2007) ergründete er die Geschichte seiner Urgroßeltern in Berlin. Am 29. August erscheint sein neues Album: „Escape to Paradise – The Hollywood Album“.

So many strings to his bow…
www.stgeorgesbristol.co.uk/so-many-strings-to-his-bow/ (en), 18.08.2014

From bestselling albums and intoxicating live performances, to books, films and charitable projects, Daniel Hope is so much more than a violinist. His appearances at the Bristol Proms have left audiences breathless and charmed in equal measure, for Daniel’s exquisite skill with the violin is matched by his warm stage presence and ability to really connect with an audience. It is some twelve years since Daniel was last on stage at St George’s, so his return is long overdue; and it is in these interim years that the musician, writer, producer and activist has truly made his name.

In October St George’s becomes the focus of four nights of live broadcasts by BBC Radio 3 as the Brahms Experience unfolds. With concerts by Skampa Quartet, the BBC Singers and pianist Stephen Kovacevich, not to mention a sojourn to Colston Hall with the BBC National Orchestra of Wales, it’s a week-long celebration of one of classical music’s more misunderstood and underestimated composers. Brahms is so much more than a magnificent beard, or that lullaby…

Daniel’s contribution takes in one of Brahms’ closest friends and greatest muses, the violinist Joseph Joachim; with music by both, alongside works by Mendelssohn and Schumann.

We caught up with Daniel last month to discuss who Joseph Joachim was, why he’s so important to Brahms’ music and what audiences can expect from the concert in October.

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Daniel, we’re so looking forward to having you with us in October; when was the last time you performed at St George’s?

It was quite a while ago; it was with Paul Watkins and Philip Dukes, we did a Theresienstadt programme. This was probably twelve years ago… at least.

What can you tell us about this long awaited next visit?

It’s an homage to Joseph Joachim, who was the most instrumental and important violinist I think of the nineteenth century. He was somebody that, in so many ways, defined what the violin meant. Firstly he taught over five hundred students, he created the Royal Conservatory in Berlin; he famously introduced the young Brahms to the Schumann family and he was the one who rediscovered the Beethoven Violin Concerto. He made a very conscious decision, having studied Mendelssohn, when Mendelssohn died he moved in a sense to the other side, to Liszt – he became his concert master – and broke very famously with Liszt and crossed again to the other side and that was Schumann, Brahms and Dvořák, all of whom wrote violin concertos for him, including Max Bruch, and that’s why we have those concertos and we don’t have a violin concerto by Wagner, by Liszt. So he was really a forerunner in so many ways, his programming was exceptional; it was what we call ‘cutting edge’ nowadays, mixing genres, putting in symphonies next to chamber music, next to solo stuff, two hundred years before anybody else was doing it and he was a composer in his own right. So the concert looks at all these different influences; it looks at his composition, it looks at pieces that were written for him and it looks at his friends, so Mendelssohn, Brahms, Edvard Grieg…

But despite all of that, it’s a name that not many people would actually recognise? Is Joachim overlooked or forgotten?

I think, you know, at the end of the day it is composers whose names go down in history not interpreters, and that’s the way it is; and I think that’s the right thing because, you know, the composers write things that stay and we’re there to interpret them and share them. There was a time where everybody knew Joachim, but times have changed and his style of playing, his way of doing things I think fell out of fashion at the beginning of the twentieth century – even though he was the first violinist to actually record. There are rolls from 1904 of him, wax rolls, you can actually hear him, it’s amazing. So he was actually pretty advanced, but he belonged to the old guard and he was superseded by glittering violinists like Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, Mischa Elman… It became more about the personality and the brilliance and the perfection, and less about the communication and the feeling of the music. So I think it was just time that took its toll on his name really. And yet there are so many hundreds of pieces that we have because of him, thanks to him.

And this concert is of course part of a five night celebration of Brahms… Is he a composer you enjoy performing?

I absolutely adore Brahms, I just couldn’t live without Brahms… I mean, his chamber music is just incredible; the piano quartets, the piano trios, the piano quintets, the sextets… where do you start and where do you stop? I just can’t get enough of it and I play a lot of his music; I’m touring two piano quartets next year. It’s got something which is so personal and so emotional, and yet it’s controlled as well; that’s the thing about Brahms, he’s a master of control and there’s just nothing quite like it. And, you know, Joachim was – for the most part of his life – his closest musical friend and they broke, split, and then at the end of their lives got back together and the present he gave Joachim was the Double Concerto. I mean what a present! So Joachim really accompanied his whole life and when Brahms thought of the violin, he was thinking of Joachim.

Do you think that Brahms is underestimated as a composer?

I think maybe he’s not everybody’s cup of tea, although he never was, funnily enough. Menahem Pressler, of the Beaux Art Trio, the pianist, he told me he went to play for Darius Milhaud back in the early forties and Mihaud asked him what he’d like to play. He said ‘I have some Debussy’ and Milhaud said ‘Great’, and then he said ‘I have some Brahms…’ and Mihaud said ‘Brahms?! Ha, that Beerhouse composer?!’ I’d never heard Brahms referred to as a Beerhouse composer, but there were people who thought he was unsophisticated and I think some of his works are overlooked; and yet look at the symphonies, look at the violin concerto, look at the piano concertos, to name a few.. incredible. He was such a perfectionist; it was once said that he threw a number of his works into the fire, apparently another four of five violin sonatas, cello sonatas, all the rest of it… he was never happy. But for me, if I had to really choose a genre it’s the chamber music; the chamber music is so incredibly broad, from the sonatas – violin, piano, cello sonatas – the clarinet trio, the horn trio, piano quartets, piano quintets… it’s one piece after the next, every single one is a masterpiece, every one, and that’s amazing.

You’re doing this concert with Sebastian Knauer, with whom you’ve worked a lot – are those kinds of ongoing collaborations important to you?

Very. I’ve worked with Sebastian for twenty years now, we’re very close friends and we travel a lot around the world and he’s a phenomenal pianist and a great musician, great partner. We devise these programmes ourselves, we sit down and work out what we want to do and how we want to do it. Particularly for Brahms you need to have a fine pianist, because these sonatas really the emphasis is on the piano; Brahms was a master pianist himself and so the piano in a sense controls the pieces. So you need to have somebody who has weight and who has real knowledge and also an empathy to it. Brahms was born in Hamburg and Sebastian comes from Hamburg as well; it’s a particular place and he feels very close to him, so I wouldn’t want to do this programme with anyone else.

St George’s of course has a fantastic acoustic; how important is a venue to your performance? Can it inspire you?

Absolutely, I mean there’s nothing nicer than when it all connects; the venue, the audience, the programme and the connection between the audience and what you get back from them – it’s a two-way conversation that’s going on. I do remember the concert we did at St George’s and I remember this magnificent acoustic, and it being very flattering for string players; you have this resonance there, but not too much, so the instruments can really sing and I think for this programme it will be just ideal.

You’re well known for a kind of ‘Musical Activism’… what other issues are out there which would benefit from a bit of musical activisim?

A lot, I mean where do you start? One thing that I think is fascinating and which is extremely important is music therapy, and what music can actually do… That’s not activism, that’s just helping, in a sense; disabled people, autistic children, senile people, alzheimers. It’s incredible the effect that music can have. People who literally don’t know anything anymore – who they are, who their loved ones are – will suddenly recite a song for you with perfect lyrics. There’s something about the connection between the brain and music which I think is amazing; the same with Autistic children, it’s had an incredibly beneficial effect on their peace of mind and on their development. So I think that’s something which needs to be pushed, actually; we need more soloists to get in on it and help and use their names to do things like that. I would link that to music education, as the next biggest problem around the world because it’s just been cut from most curriculums. So that’s a major thing that I spend a lot of time on, working for other children’s charities at children’s concerts or a number of different organisations within Europe that give instruments to kids, or give them the chance to come into contact with music – and not just classical music, music in general, music, dance, singing. Those sorts of things I’m involved with and I do a lot for the music of the composers that were murdered by the Nazis; for example, I made a film about Theresienstadt that came out last year and just this week I did a concert in Munich – a benefit concert – fundraising for families of these composers, to support them. The list is long and there are a lot of very worthy causes and I think it doesn’t take all that much actually to give a bit of help here and there.

And away from that, what’s coming next for you?

I’m about to launch a big new album for Deutsche Gramophon, it’s called Escape to Paradise and it’s about the composers who fled Europe and went to Hollywood and created the ‘Hollywood Sound’. It starts in fact before they were forced out, so it starts with the eleven year old Korngold, with bits of his Pantomime and then it goes into his Violin Concerto and then it goes into the film music of the thirties and forties, so there’s things like Ben-Hur, there’s Suspicion the Hitchcock film, then it also looks at Hanns Eisler and Kurt Weill and Franz Waxman, and I have a couple of very special guests on the album. Sting is singing a song by Hans Eisler and there’s a German chanson singer called Max Raabe who is singing a Kurt Weill song. So it’s a very broad mosaic of, in a sense, a search for the Hollywood Sound – where did it come from, and this whole European tradition which was forced out and created something very special. So that comes out in September and there’s lots of projects linked to that, touring, recording, writing, producing, filming… all sorts.

We understand you also play the Saxophone… are we likely to see you at St George’s doing a Sax recital any time soon?

(laughs) I did at some point, when I was about thirteen or fourteen. You wouldn’t want to hear it, put it that way!

Distant Drum
Classic Feel (en), 01.05.2014

While Daniel Hope was recently on a short visit to Cape Town, Lore Watterson caught up with this multifaceted artist and talked to him about the many different projects he is involved with, including A Distant Drum, which he is preparing together with his father (the South African author Christopher Hope). This portrays the musical history of a dark time for South Africa, but one lit by defiance, music, wit and style.

“I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way”

Lore Watterson: You are celebrated in the media as a British violinist, looking at your history, how do you see yourself?

Daniel Hope: That’s a very good question actually. I see myself as European. Of course I’m South African born, so my soul is here, it always has been. But I spend so little time here, you know we left when I was a baby, I grew up in England so I sound English and I went to school there, so my earliest influences and musical abilities are all associated with London. But I’ve lived out of the UK for so many years. When I was 18 or 19 I went to Lübeck to study, and then to Hamburg. Then I went to Amsterdam, and now I live in Vienna so I’ve always had this peripatetic existence, but Europe is where I really feel at home. I don’t tend to differentiate between where that is, I just love Europe. I love travelling, I love coming back here and I love travelling to other places but my old soul is Europe. And certainly German-speaking Europe because, on my mother’s side, there is such a strong German connection.

LW: You have published books in German about a Jewish family living in Germany. Is it about your mother’s family?

DH: Yes, it was a very strong Jewish family going back to the 15th century in Potsdam and Berlin, and they converted to Christianity in the 19th century, as many did, and were fiercely patriotic Germans until the Nuremburg Gazette where they were no longer Germans. As a result they lost everything and had to flee, so most of them came to South Africa, some to America, but my grandmother came here.

LW: How important is the ‘Jewishness’ in your family?

DH: For me personally, it is very important because it’s at least half of my identity. On the other hand I’m an extremely unusual mixture; my father is Roman Catholic, my mother is Protestant, although she has this very strong Jewish background. On the Jewish side, in particular my mother’s family, and the first book I’ve written is about the family and the house in Berlin, which is a fascinating house and the story of what happened to this house. It took me on a journey to discover more of my Jewish roots and they go back so far, back to the first rabbi of Potsdam. We were actually related, so there’s no escape from my Jewish roots. I don’t identify myself as Jewish although I have great empathy towards the Jewish religion and to that genetic makeup in me.

LW: There are lovely traditions that are part of celebrations…

DH: Absolutely, and the music of course: the violin is one of the ultimate instruments. The whole idea of children singing with their mothers, the accompanying violin is always present. It’s something very close to the Jewish soul and I identify greatly with that.

LW: Besides writing, I see you’ve done some very interesting projects with Klaus Maria Brandauer, for example, you performed Dietrich Bonhoeffer’s letters together.

DH: They’re amazing, they are the letters from Aus der Haft as he was in the prison in Tegel and awaiting his execution. They are the most extraordinary documents, because on the one hand, they are the letters home to his family where he maintains this angelic reverence; and then there are his diaries where he speaks his feelings and his mind, which are of course terrifying. The juxtaposition of course with Brandauer, who is such a great actor, is that we do performances together where he will read and I will play, and the emotions within the letters and the diaries, I try to match in the music that I play. We have music and text, and we try to bring these genres together. There are moments where I will improvise to his voice, as his voice has the most amazing colours, and then there are moments of pure music and pure text. He is one of my closest friends, we’ve worked together for the last 15 years, and for me he’s one of the greatest actors in the world. I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way.

LW: You did Goethe’s Faust as well? Of course Brandauer being such a famous Mephisto.

DH: Yes, we did, and the Soldier’s Tale of Stravinsky. We also did a wonderful evening called Böhmen liegt am Meer, which is a story of the Czech Republic from the middle ages up to present day, with texts by Czech poets and music by Dvořák and Janáček. We’ve also done a Don Juan evening together. We usually meet four or five times a year to do one or two projects. I admire him enormously and he was one of the first great actors I worked with, and the first one to try new forms of presentation and trying to find a hybrid. That’s actually why I’m here in Cape Town for this new project I’m doing with my father, which is also going to be a totally new form of music and visual presentation.

It’s a project for Carnegie Hall, they’re doing a big South African festival in October this year, which will be 18 or 19 days with an amazing collection of South African artists, musicians, dancers etc. They’re all being shipped over to Carnegie Hall. Carnegie came to me about a year ago and asked me to come up with something, whatever I wanted, as long as it was big. So the first person I called was my dad, and I told him it was time we did something together. I’ve always admired his writing and I’ve always wondered if there was a way for us to get together. He was thrilled at the idea, so I told him to come up with the story and then we’d piece it together from there. He came back and told me there was someone he wanted to write about, and that was Nat Nakaza. He was one of the great literary voices of the 60s. He was with Drum magazine, and was forced out of this country and went to New York, but he became disillusioned with America and killed himself. So my dad had always been fascinated by Nakaza’s story and wanted to find a way to tell the story. I was only too pleased and said I’d get the music together. I went to Carnegie Hall, they loved it. I told them I’d love to, in a sense, create a modern day South African soldier’s tale. You take the idea of a piece to be sung, danced, semi-staged, so it’s not music theatre, or an opera or a concert – it’s a tale that’s told and somehow illustrated with music. All of this based on Nat Nakaza. Carnegie took it like a shot, so I called Andrew Tracey and asked him to be a musical guide, as I needed help to get the sounds of that time. We decided we needed two actors, so we chose John Kani’s son, Atandwa Kani, who is very talented – he will play Nat Nakaza. The second actor is a fantastic young Afrikaans actor named Christiaan Schoombie and he will be the counterpart, almost like the devil quality. We have a wonderful theatre producer, Mannie Manim, and it will be played in Bloemfontein on the 13th and 14th of October this year, and the Carnegie Hall performance will be the 28th of October. After that I’d like it to go around the world as I think it has the potential to be something very special. I believe Nakaza is not as well known as he should be, perhaps even forgotten about, and yet his wit, energy, rhythm and take on life and apartheid was so singular. His humour and his restraint, was yet so biting. My father has written this beautiful, poignant, dramatic play, and it’s my job to bring these people together. I have some fantastic musicians as well, such as Jason Marsalis, brother of Wynton Marsalis, as well as a young French cellist, François Sarhan, who works a lot with Sting. So that’s the reason I’m here; My father turned 70 yesterday, and I’m meeting up with Mannie.

LW: Why did you choose Bloemfontein?

DH: We have an excellent director, Jerry Mofokeng, and one of his main gigs is at the theatre in Bloemfontein. Tom Morris, who also did War Horse, is very interested in taking it.

LW: I’ve interviewed a lot of musicians, and what I found very interesting about you is that you manage to do it with your music and you are breaking out doing other things as well. Is that something you feel, that you need different outlets other than playing the violin?

DH: Yes I do, and we were raised that way by my father, to always have an opinion. He encouraged us to write, and I started at the age of 14 or 15 (writing for school papers), and I quickly realised writing was an extension of music for me. When I made my first few CDs I interviewed the composers and wrote the booklet text, which at the time was very unusual. Early in my 20s I started the Theresienstadt Project (also known by its Czech name as Terezín), a garrison town 60 km north of Prague, the central collection point or ghetto for between 50 000 and 60 000 Czech Jews) and interviewing survivors. This all led to what I do now, I am now writing my fourth book, which is about composers who fled Europe and went to Hollywood. I’ve just completed a new album which is coming out at the end of the year, featuring those composers from the 1930s and 40s. I’m going to LA next month to interview some surviving composers from that time.

LW: When you were young, was it your desire to play an instrument, or your parents?

DH: Yes it was me. My parents didn’t know much about music other than that they loved it. We left South Africa because my father’s books were banned here, so we went to England. My father took teaching jobs to make ends meet, but we ran out of money. My mother had trained as a secretary in SA, and she went to an agency who had two job offers, one being the secretary to Yehudi Menuhin. It was meant to be just for six months but six months became 26 years, and so in a split second our lives changed. Had that not happened we’d be living in South Africa and things would be very different. So my mom would take me with her to work everyday, which was Yehudi’s house, and I would listen to the music all day, and not just Menuhin’s – it was the people who came there, like Ravi Shankar. At the age of four, it was probably not a great surprise when I said I’d like to be a violinist. My mom found a lady nearby who specialised in teaching young kids and I started with her and that’s what ignited that spark. Then when I was about 15, Menuhin took an interest as he realised I was actually serious about this. Then when I was 18, I realised I didn’t just want to be a violinist, I wanted to be a musician.

LW: …and so much more than ‘the British violinist Daniel Hope’. CF

Daniel Hope liebt die ganz besondere Schwingung
Westfälische Nachrichten, 21.02.2014

Steinfurt – Violinvirtuose Daniel Hope hat jetzt zweimal die Bearbeitung von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ von Max Richter in der Bagno-Konzertgalerie gespielt. Mit unserem Redaktionsmitglied Hans Lüttmann sprach er darüber.

Mr. Hope, Sie haben Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ einmal „eines der heiligsten Stücke der Musikgeschichte“ genannt. Was bedeutet das nun für einen Violinisten?
Daniel Hope: Dass er es wie kaum ein anderes Stück in- und auswendig kennt, ja, dass es sich sozusagen in sein Gehirn eingebrannt hat. Ich selber spiele es seit meinem achten Lebensjahr. Und eben hier im Bagno bei der Zugabe, wo wir das original Vivaldi-Presto aus dem Sommer gespielt haben, puh, da hatte ich echte Probleme, nicht wieder in die Richter-Komposition zu rutschen.

 

Als Max Richter Sie gefragt hat, ob Sie seine recomposed, also neu komponierte Fassung aufnehmen wollten, was bedeutete das?
Hope: Vor allem ganz viel üben. Was Richter da komponiert hat, ist zwar annähernd 90 Prozent Richter, aber oft liegt seine Komposition doch nur einen Hauch neben dem Original.
Eröffnet so ein Stück modern interpretierter Klassik eigentlich auch jungen Leuten den Zugang zu einer Musik, die sie oft als altbacken und verstaubt abtun?
Hope: Oh ja, wenn ich an eines unserer Konzerte neulich in London denke, da waren viele 25-, 30- und 35-Jährige, die diesen Vivaldi total toll fanden. Man muss dazu auch wissen, das Max Richter in England sehr populär ist.

Anders ist doch sicher auch dieser kleine Saal, der gerade mal 250 Zuhörern Platz bietet?
Hope: Aber das macht überhaupt keinen Unterschied; ich liebe diese kleinen Säle. Ich möchte natürlich die Carnegie Hall nicht missen, aber hier, wo ich schon zum ich glaube fünften Mal spiele, da spüre ich diese Vibes, ich weiß kein deutsches Wort dafür, diese ganz besondere Schwingung.
Etwas Besonderes klemmt da ja auch auf Ihrem Notenständer, ein Heft ist es nicht.
Hope: Nein, das ist ein iPad. Unten habe ich Fußpedale, mit denen ich die Noten weiterblättern kann. Eine wirklich tolle Sache, eine App für zweifünfzig, aber da stecken ganze Partituren drin.



2013


Neuer Film, neues Buch, neue CD
Die Welt, 23.08.2013

Schwerin – Stargeiger Daniel Hope ist unter die Filmemacher gegangen. Wieder eine neue Rolle für den 40-Jährigen.

Sein Publikum kennt ihn als herausragenden Interpreten klassischer wie neuer Musik, ferner als Buchautor, Moderator und Festival-Organisator. Der Dokumentarfilm, der im Herbst auf DVD erscheint und den Hope mitproduziert hat, erzählt die Geschichte des KZ Theresienstadt aus der Sicht zweier Überlebender.

Die beiden sind Musiker. Die inzwischen 109-jährige Pianistin Alice Herz-Sommer interviewte Hope in ihrer Londoner Wohnung, mit dem Jazz-Gitarristen Coco Schumann (89) fuhr er nach Theresienstadt. Dort war Schumann als junger Mann interniert, ehe er nach Auschwitz deportiert wurde. «Das war ein sehr groß angelegtes Projekt», erzählt Hope über den Film, bei dem Benedict Mirow Regie führte. Zum Projekt gehörte auch ein Konzert mit Musik aus Theresienstadt mit der Mezzosopranistin Anne Sofie von Otter in München. Die DVD soll in Schulen im Musik- und Geschichtsunterricht gezeigt werden.

Hope arbeitet zudem an einem neuen Buch, das nächstes Jahr erscheinen soll. Bisher hat der Brite zwei launige Bände über den klassischen Konzertbetrieb («Wann darf ich klatschen?») und über kleine und größere Katastrophen auf den Konzertpodien dieser Welt («toi toi toi») veröffentlicht. In «Familienstücke» erzählte er die Geschichte seiner weit verzweigten Vorfahren in Europa. Jetzt recherchiert Hope über Komponisten, die in den 1930er Jahren vor den Nazis flohen und in Hollywood landeten. «Dazu gehört auch ein CD-Projekt», sagt er. Mehr soll noch nicht verraten werden.

«Ich möchte gerne Neues erleben», bekennt Daniel Hope. Dafür gibt er anderes auf. So legt er in Kürze sein Amt als Künstlerischer Direktor der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern nieder, das er seit 2010 an der Seite von Intendant Matthias von Hülsen innehatte. Der Antritt des neuen Intendanten Markus Fein im Herbst 2013 ist für Hope der richtige Zeitpunkt. «Man ist im Sommer viel gebunden, wenn man bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern in der Planung engagiert ist», sagt er. «Die Festspiele sind ein Riesenbetrieb geworden.» Mehr als 100 Konzerte finden jährlich statt.

Der bestens vernetzte Musiker hatte seinerzeit den Auftrag erhalten, das Klassikfestival internationaler zu machen. Hope organisierte einen Brückenschlag nach Amerika, wo er seit zehn Jahren das Savannah Music Festival im US-Staat Georgia als Künstlerischer Direktor maßgeblich prägt. Eine Kooperation mit dem Lincoln Center und der Carnegie Hall-Academy in New York brachte junge und etablierte Spitzenkünstler aus den USA nach Mecklenburg-Vorpommern. «Es sind zwei völlig verschiedene Welten, die wollten wir zusammenbringen», erklärt Hope. Wunderbare Freundschaften seien entstanden. Ende August und Anfang September gibt es noch einmal drei Konzerte des «Lincoln-Center-Projekts» in Fürstenhagen, Kotelow und Schwerin.

Als Violinist bleibt Hope den Festspielen erhalten, versichert er. Sein Publikum würde ihn auch schmerzlich vermissen, man kennt sich seit 15 Jahren. 1998 gewann Hope mit dem London International Piano Trio den Ensemblepreis der Festspiele, 2006 war er der erste «Künstler in Residence». Eine Saison ohne den charmanten Rotschopf mit der immer höher werdenden Stirn ist für viele schlichtweg undenkbar. «Daniel Hope ist das künstlerische “Urgestein” unserer Festspiele», sagt Festivalgründer von Hülsen. «Er hat uns wie kein Zweiter als Preisträger, Preisträger in Residence und künstlerischer Direktor zu internationalem Profil verholfen.»

Seit er seinen Abschied aus der Führungsriege der Festspiele verkündete, habe er jeden Monat ein Angebot bekommen, ein neues Festival zu gründen oder eines zu übernehmen, erzählt Hope. Er hat sie aber alle ausgeschlagen. Das liegt einerseits an den vielen neuen musikalischen Projekten, die er vorhat. Dazu gehört ein Violinkonzert, das Gabriel Prokofjew, der Enkel von Sergej Prokofjew, für ihn komponiert. Andererseits wartet im Herbst eine Rolle auf ihn, die den Musiker, Organisator und Weltmann ganz neu herausfordern wird: Ende November wird Daniel Hope zum ersten Mal Vater.

Das Publikum wird oft unterschätzt
Süddeutsche, 04.10.2013

Der Geiger Daniel Hope gehört zu den interessantesten Künstlern seiner Generation. Ein Gespräch über Fleiß, Kommunikation und guten Rotwein

Von Florian J. Haamann

Daniel Hope gehört zu den wichtigen Namen der klassischen Musik. Nicht nur, weil er ein hervorragender Geiger ist, sondern auch, weil er ein charismatischer Botschafter seines Genres ist. Denn die Kommunikation mit den Hörern ist für ihn ein ganz wichtiger Teil seiner Arbeit. Egal ob im Internet, in Interviews oder während seiner Konzerte. In seinem aktuellen Album “Spheres” beschäftigt er sich mit der Idee der Sphärenmusik. Der antiken Vorstellung also, dass Himmelskörper bei ihren Bewegungen Töne produzieren, die einen für den Menschen unhörbaren harmonischen Gleichklang bilden. Am Wochenende gastiert er mit dem Münchner Orchester am Jakobsplatz in der Stadthalle Germering und präsentiert Ausschnitte aus seinem Album sowie eine von Max Richter bearbeitete Version von Vivaldis Vier Jahreszeiten.

Herr Hope, Sie haben einmal die klassische Musik mit einem Glas guten Rotweins verglichen. Was haben Sie denn damit gemeint?
Daniel Hope: Ich wurde damals gefragt, was der Unterschied zwischen Pop- und klassischer Musik ist. Und da habe ich, vielleicht etwas voreilig, die beiden mit Champagner und Rotwein verglichen. Für mich ist es so, dass der Champagner eben sofort wirkt, man bekommt einen leichten Rausch und nach ein paar Tagen oder schon am nächsten Morgen, weiß man nicht mehr genau wie er geschmeckt hat.

Und der Rotwein?
Bei einem tollen Rotwein ist es so, dass es manchmal sehr viel Zeit braucht, bis er schmeckt, bis man versteht, wie komplex er ist. Und wenn man einen wirklich ausgezeichneten Tropfen zu sich nimmt, dann kann es sein, dass man sich noch Jahre später genau an den Geschmack erinnert.

Was ist Ihnen eigentlich lieber? Ein gutes klassisches Konzert oder eine gute Flasche Rotwein zusammen mit Freunden?
Das ist wirklich schwierig. Natürlich ist die Musik für mich das Wichtigste. Aber Musik ohne Freundschaft und ohne eine gewisse Liebe ist auch unvorstellbar für mich. Und ich genieße die Gesellschaft von guten Freunden sehr. Dazu gehört es für mich auch, einen tollen Tropfen Wein zu verkosten. Aber selbst der beste Wein der Welt wäre nichts ohne Musik. Von daher ist für mich immer Musik an erster Stelle.

Setzen Sie sich auch mal zu Hause hin und hören eine CD, oder gehen Sie vor allem in klassische Konzerte?
Das mache ich wirklich wahnsinnig gerne. Nicht so oft, weil ich kaum zu Hause bin. Wenn ich aber tatsächlich mal den Luxus habe, daheim zu sein, dann gibt es für mich nichts Schöneres, als diese alten Aufnahmen. Insbesondere die ganz alten Geiger vom Anfang des 20. Jahrhunderts – und dabei einen wunderbaren Tropfen. Mehr geht nicht.

Erinnern Sie sich an die letzte CD, die Sie gehört haben?
Ich muss sagen ich bin etwas faul und auf MP3 umgestiegen, weil es so einfacher ist, meine gesamte Plattensammlung abzurufen, die Tausende CDs und Platten beinhaltet. Aber ich höre immer sehr gerne die großen Meister wie Fritz Kreisler, Adolf Busch, Mischa Elman und Jascha Heifetz. Also das sind für mich die Sternstunden.

Und auf Ihrem MP3-Player ist nur Klassik, oder auch etwas anderes?
Auf meinem Player ist einfach alles zu finden. Von Popmusik über indische Musik, Jazz, bis hin zu Neuerem, Experimentellem. Und natürlich auch Oldies. Wirklich bunt gemischt eben.

Gibt es auch aktuelle Popmusik, die Ihnen gefällt?
Das ist problematisch. Also es gibt einen sehr interessanten Künstler, den ich relativ oft höre: Devendra Banhart. Der macht eine Art von Popmusik, die ich interessant finde. Das bedeutet, er hat etwas zu sagen. Es ist nicht dieser massenproduzierte Pop, sondern bei ihm sind wirklich sehr viele Gedanken dahinter. Die Texte sind witzig, spritzig und er malt in musikalischen Farben, die mein Ohr aufhorchen lassen. Aus diesem Grund muss ich sagen, dass ich mehr Affinität zu den älteren Popmusikern habe, wie zum Beispiel Prince oder teilweise auch Sting, das ist die Art von Melodien, von Musikaufbau, der mir mehr zusagt als etwas, bei dem es einfach nur um Rhythmus und Klang geht.

Warum gibt es das in den jungen Generationen nicht mehr?
Ich weiß es nicht genau. Also beispielsweise ein Bob Dylan, der seiner Zeit einfach aus der Seele gesprochen hat, der fehlt heute. Manchmal, bei Künstlern wie Lady Gaga zum Beispiel, entdecke ich noch Seiten, die ich tatsächlich sehr spannend finde. Aber das meiste ist einfach im Studio so glattgebügelt, von der Stimme bis hin zur Instrumentierung, dass es mein Gehirn sozusagen völlig kalt lässt, und bei dieser Musik muss ich einfach sofort wegschalten, das kann ich nicht ertragen…

…dann hören Sie wahrscheinlich auch selten Radio?
Manchmal hört man vielleicht ein schönes Lied, aber dann geht’s gleich wieder daneben. Und damit ich dann nicht direkt einen Unfall baue, wechsle ich doch lieber den Sender.

Sie sprechen viel von Ihrer Liebe zur Musik. Wie definieren Sie eigentlich ihre Rolle als Musiker?
Es geht mir darum , die Musik dieser gigantischen Komponisten weiterzugeben, ihre Gedanken für das Publikum zu übersetzen. Und dabei einfach zu wissen, dass wir als Interpreten ganz klein gegen einen Mozart oder einen Beethoven sind. Lächerlich klein sozusagen. Aus diesem Grund ist es extrem gefährlich, sich als Interpret zu ernst zu nehmen. Wir haben eine Rolle und wir haben eine eigene Persönlichkeit, das muss natürlich rüber kommen. Aber das ist nicht das Ziel. Das Ziel ist, diese Musik lebendig zu machen.

Ist das klassische Konzert, bei dem ein Musiker im Mittelpunkt steht, dann überhaupt die richtige Form, um Musik zu vermitteln?
Ich denke schon. Man muss die Leute erst einmal in den Saal locken und dort muss man sie dann abholen, sie ein bisschen bei der Hand nehmen. Ich tue das, indem ich meistens ein Programm gestalte, von dem ich das Gefühl habe, dass es eine Geschichte erzählt. Bei Konzerten erzähle ich manchmal etwas über die Stücke, bevor oder während ich sie spiele. Damit das Publikum merkt, dass da mehr dahinter ist, als nur die Musik. Das Publikum wird meines Erachtens nach viel zu oft unterschätzt und man müsste ihm manchmal mehr bieten, als wir es tun.

Was den Publikumskontakt angeht, gehören Sie zu den besonders aktiven klassischen Musikern. Würden Sie sich in dieser Beziehung mehr Kollegen an Ihrer Seite wünschen?
Das ist ein schwieriges Thema. Ich verstehe meine sehr geschätzten Kollegen, die sagen: “Nein, das ist nicht mein Ding. Ich spüre Musik anders, ich möchte sie spielen und nicht darüber sprechen.” Das muss man akzeptieren und respektieren. Trotzdem es gibt Künstler, die das wirklich toll können, und ich finde, dass die, die bereit sind diesen Weg zu gehen, noch viel aktiver und energischer sein müssten. Weil man einfach sieht, was für eine Resonanz und was für ein enormer Austausch da stattfindet.

Wie könnte man denn mehr Künstler dazu bringen?
Ich finde, man müsste jungen Künstlern von vorneherein beibringen, wie man mit dem Publikum kommuniziert. Ob sie das dann einsetzen, ist deren Sache. Aber sie sollten wissen, welche Möglichkeiten es gibt. Da geht es nicht nur darum, zu moderieren oder zu sprechen, sondern auch, Konzertserien zu planen oder ein kleines Festival zu gründen. Oder einfach mal über Programmierung nachzudenken. Wenn sie zurückgehen ins 19. Jahrhundert und sich Josef Joachim, Johannes Brahms oder Felix Mendelssohn anschauen: Was die für Programme konzipiert haben, ist der Wahnsinn. Heutzutage sind wir weit davon entfernt, so erfinderisch zu sein wie diese Künstler damals. Natürlich muss das Technische dabei immer an erster Stelle bleiben.

Sie selbst überraschen ständig mit neuen Projekten. Sind Sie eigentlich ein Mensch, der schnell das Interesse an alten Dingen verliert, oder haben Sie einfach eine unstillbare kindliche Neugier?
Ich sage immer, ich leide an einer Überdosis kreativer Ideen. Mein Problem ist, dass ich überall Dinge finde, die mich neugierig machen. Und das geht eigentlich immer über meine Ohren. Ich höre etwas und dann entstehen Ideen, Projekte, Konzepte in meinem Kopf, und wenn ich mich ihnen widme, dann entsteht nicht nur ein Konzert, sondern ein ganzes Programm, ein Projekt. Manchmal trage ich diese Ideen jahrelang mit mir herum.

Können Sie ein Beispiel nennen?
Das Spheres-Projekt hatte ich im Kopf, seit ich acht oder neun bin. Nicht in dieser Art und Weise natürlich, aber die Idee mit den Planeten, der Musik, den Sternen. Trotzdem habe ich über 25 Jahre darüber nachgedacht, bis ich irgendwann eine BBC-Radiosendung gehört habe, in der Wissenschaftler darüber gestritten haben, ob es dieses Phänomen überhaupt gibt und wenn ja, wie man es beweisen könnte. Und plötzlich hatte ich die Idee, Stücke zusammenzubauen, die einen sozusagen anderswohin transportieren. Sie sehen, ich verliere das Interesse nicht schnell, ganz im Gegenteil. Es dauert manchmal wahnsinnig lange – und dann lasse ich nicht mehr los.

Wie war das denn damals in der Schule mit Ihrem kreativen Überschuss?
Das war ein Desaster für mich! Ich habe die Lehrer, meine Freunde und meine Eltern in den absoluten Wahnsinn getrieben. Ich wollte immer alles sofort wissen und verstehen. Und so bin ich noch heute. Wenn ich merke, ich kann etwas nicht wirklich gut, dann lasse ich es lieber. Das ist mir geblieben: dieses Ehrgeizige, diese Entdeckerseite.

Hat sich Ihr Verhalten in der musikalischen Ausbildung geändert?
Das war sehr interessant. Als ich angefangen habe, richtig Geige zu lernen, habe ich gemerkt, wie weit ich von anderen Geigern in meinem Alter entfernt war. Ich habe verstanden, dass ich richtig hart arbeiten muss, um auf dieses Niveau zu kommen. Das war eine komplette Umstellung meiner Gedanken, und das war gut so. Weil mich das zurück auf den Teppich gebracht hat, den Teppich der Realität. An dem ich bis heute klebe. Das heißt, ohne tägliche Übung ist es für mich nicht machbar.

Wie lange üben Sie denn am Tag?
Wenn ich die Chance habe, sechs Stunden. Und wenn ich das nicht schaffe, was natürlich beim Reisen sehr oft passiert, dann sind es mindestens vier Stunden. Aber ohne das ist es einfach nicht machbar, ein Berg-Violinkonzert, ein Strawinski-Violinkonzert oder einen Schostakowitsch zu bringen. Auf der Geige wird dir kein einziger falscher Ton verziehen. Dann steht es gleich in den Zeitungen und ist am nächsten Tag bei Youtube zu sehen und wird kommentiert von Menschen, die auf einmal die besten Kritiker sind.

Sie sind also jemand, der sehr hart und intensiv arbeitet. Wie war das bei Ihrem aktuellen Album?
Ich habe mich an den Computer gesetzt und angefangen zu recherchieren. Welche Stücke könnte man für eine sphärische CD verwenden? Schnell hatte ich ungefähr 3500 zusammen und mir war klar, dass das niemals auf eine CD passt. Also habe ich alles verworfen und mir einen neuen Ansatz überlegt.

Und zwar?
Ich habe darüber nachgedacht, ob es möglich wäre, in relativer kurzer Zeit Komponisten zu beauftragen, etwas zu schreiben. Dann habe ich mich hingesetzt, mir Komponisten angehört und die ersten Anfragen gestartet. Und plötzlich war da die Idee einer Reise mit kürzeren Stücke, Mosaiksteinchen quasi. Zusätzliche habe ich dann Stücke genommen, die es schon gab und von denen ich das Gefühl hatte, sie treffen die Idee von außerweltlicher Musik. Das ist natürlich immer eine ganz persönliche Idee. Es mag Leute geben, die sagen, das alles hat mit Sphärenmusik nichts zu tun. Für mich hat es das.

Was war für Sie besonders wichtig bei der Konzeption des Albums?
Die Dramaturgie. Wie ein Stück ins andere übergeht, wie die Tonart ist, wie es sich verändert. Ich versuche, den Hörer dazu zu bringen, dass er auf diese Reise mitgeht. So habe ich alles über lange, lange Zeit immer wieder zusammengepuzzelt.

Haben Sie aus der Beschäftigung mit diesem Thema auch eine persönliche Erkenntnis gezogen?
Der Kern dieses ganzen Prinzips ist für mich folgender: Was Musik ist, kann man nicht messen, nicht beschreiben. Die Emotionen, die sie aus den Leuten herauskitzelt. Dennoch, so die mathematische Aussage, ist die Schwingung berechenbar. Dieser Gegensatz fasziniert mich. Und er zeigt mir, dass die Musik über allem steht.

Am Wochenende spielen Sie gemeinsam mit dem Orchester Jakobsplatz aus München. Wie ist es zu dieser Zusammenarbeit gekommen?
Ich bin schon vor einiger Zeit auf dieses Orchester aufmerksam geworden, weil die Programme, die es gemacht hat, in meinen Augen sehr spannend waren. Und ich habe nach einem Orchester gesucht, das Zeit und Lust hätte, das Projekt zu machen. Dann haben wir das zusammen geprobt und im März in München zum ersten Mal gespielt. Das hat große Freude gemacht. Und daraus ist die Idee einer weiteren Aufführung gekommen.

Wie würden Sie das Orchester beschreiben?
Ich finde, der Zugang zum Repertoire ist etwas, was das Orchester ausmacht. Der Chefdirigent Daniel Grossmann macht das in meinen Augen sehr gut, indem er verschiedene Musikepochen miteinander kombiniert und natürlich auch indem er das Repertoire mit dem Jüdischen verbindet. Außerdem finde ich, dass es ein sehr energiegeladenes Ensemble ist, das aus sehr guten Musikern besteht. Solche Kammerorchester mag ich einfach gerne, mit denen man offen kommunizieren kann.

Haben Sie eigentlich schon einmal in der Stadthalle Germering gespielt?
Nein, noch nie. Es ist immer schön, nach so langer Zeit – ich stehe seit 25 Jahren auf der Bühne – noch eine neue Stadt entdecken zu dürfen, eine neue Halle, ein neues Publikum. Das ist wunderbar. Es gefällt mir, dass ich mit 40 Jahren sozusagen noch mein Debüt geben kann.

Aber bestimmt haben Sie sich schon umgehört, wie die Akustik ist.
Ich habe tatsächlich schon seit langem immer wieder von diesem Saal gehört. Die Leute haben ihn mir sehr ans Herz gelegt, nur leider hatte ich bisher noch nicht die Gelegenheit dort zu spielen. Deswegen freue ich mich sehr auf das Konzert.



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Daniel Hope spielt Filmmusik

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Escape to Paradise

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2014


Entspannte Virtuosität ohne Attitüde
schwäbische.de, 17.02.2014

Entspannte Virtuosität ohne Attitüde

Weingarten  Wie zu erwarten war das KuKo in Weingarten bis auf den letzten Platz gefüllt – Vivaldi zieht immer und wenn der Solist Daniel Hope heißt, dann ist schon die Vorfreude beachtlich. Das international zusammen gesetzte Kammerensemble (acht Violinen, zwei Bratschen, zwei Celli, ein Kontrabass, Cembalo und Laute/Theorbe) unter dem Konzertmeister Werner Ehrhardt begann mit Vivaldis Ouvertüre zur Oper L’Olimpiade, die sicher weniger bekannt ist, aber durch ihren musikalischen Schwung und ihre typische Tonfärbung sogleich in Vivaldis Welt entführte. Schon nach den ersten Takten musste man keine Sorge mehr haben, dass dieser Abend mit Barockmusik zu wenig Spannung haben könnte.

Danach zwei Zeitgenossen des Venezianers: das „Concerto a Quattro“ Nr. 1 f-moll des Neapolitaners Francesco Durante, das mit einem sehr getragenen Andante begann und auch sonst mit einer besonderen Tempi-Führung überraschte. Zum Vergleich dazu war das „Concerto a Quattro“ in D-Dur op. 5 Nr. 6 des aus Verona stammenden Evaristo Felice Dall’Abaco wieder sehr schwungvoll und tänzerisch angelegt; eine schöne Musik eines Komponisten, der durch den ihn fördernden Fürsten zunächst nach München und dann über Brüssel nach Frankreich kam.

Fröhliche Ausstrahlung
Nun – endlich! – der Star des Abends: Daniel Hope, zunächst mit Vivaldis „Konzert für Violine a-moll” op. 4, Nr. 4, zum Eingewöhnen vor der Pause. Hope, 1973 in Durban geboren, war bereits als Kind von Musik umgeben; seine Mutter arbeitete als Sekretärin von Yehudi Menuhin. Mit seinem rötlichen Haar und der athletischen Figur wirkt Hope jugendlich kraftvoll, dazu hat er eine konzentrierte und fröhliche Ausstrahlung. Kurzum ein natürliches Auftreten ohne Show und Attitüde. Höchst dynamisch und eindrucksvoll war schon das erste Konzert.

Hope hält Fäden in der Hand
Zu einem Klangerlebnis gerieten jedoch „Le quattro stagioni“ im zweiten Teil. Ob im Zwiegespräch zwischen Hope und Erstem Geiger (Werner Ehrhardt), mit dem kraftvollen Cembalo oder der sehr präsenten Laute, mal sehr gedehnt in „L’autunno“, mal fast dissonant zu Beginn von „L’Inverno“ – immer behielt Hope die musikalischen Fäden in der Hand und verknüpfte sie virtuos und beseelt.

Eine Überraschung
Die Zugaben wurden dann noch zu einer richtigen Überraschung. Daniel Hope, auf dessen ‘Notenständer’ ein Tablet stand, kündigte zwei Teile –Presto aus dem „Sommer“ und das Allegro non molto aus dem „Winter“ – aus der vor zwei Jahren entstandenen Komposition „Vivaldi recomposed“ des britischen Komponisten Max Richter (1966 in Deutschland geboren) an. Richter, der unter anderem bei Luciano Berio studierte und Kammermusik, Orchesterwerke sowie Filmmusik schreibt, bewahrt den Drive der Barockmusik, verschiebt nur leicht die Akzente, verdoppelt manches, hebt die oberen Töne heraus, klingt mal ein wenig nach Phil Glass, verändert aber nur wenig die Strukturen. Ein schöner musikalischer Joke, intelligent gemacht.

Elegant und heiter verabschiedete sich der Solist mit „Guten Abend, gute Nacht“, das er besonders einer alten anwesenden Freundin widmete, vom glücklichen Publikum.

Von Dorothee L. Schaefer

Schnörkellos durch das Vivaldi Jahr
BT (de), 20.02.2014

Herz aus Gold
BNN (de), 21.08.2014

Destination America @ Chamber Music Society
Oberon's Grove (en), 01.04.2014

by Philip Gardner

Sunday April 6th, 2014 – Works by 20th century composers who were American either by birth or by embrace provided an intriguing programme at Alice Tully Hall today in this Chamber Music Society of Lincoln Center presentation. With a level of artistry seemingly beyond compare, seven unique musicians joined forces to the delight of the Society’s dedicated audience.

I’m still on a Bartók high from Peter Serkin’s playing of the composer’s third piano concerto with the NY Philharmonic last week, so today’s CMS concert presented an welcome opportunity to experience the composer’s CONTRASTS.  This was followed by works of Ives, Prokofiev and Korngold. The violinist Daniel Hope played in all four works this evening, and what a gift to music this British gentleman is.

The celebrated clarinetist Benny Goodman and violinist Joseph Szigeti commissioned Bela Bartók for a work, asking for a two-movement piece. It eventually evolved into the currently-known three-movement setting, entitled CONTRASTS, which Szigeti, Goodman and Bartók first performed together at Carnegie Hall on April 21st, 1940. The work opens with a Verbunkos, which was a recruiting dance executed by a members of the Hussar regiments to entice young Hungarian boys into joining the military. The Sebes (the last movement) is a fast dance that the boys improvise before signing up. Sandwiched between these dances is the Lento middle movement, mysterious and somewhat nightmarish.

Mr. Hope’s playing, which ranged from frantic virtuosity to moments of spine-tingling pianissimo subtlety, was matched by the superb ‘singing’ of Romie DeGuise-Langlois’s clarinet. Their musical rapport was instantaneous, and the pianist Gloria Chien’s rhythmic and coloristic vitality made for a very exciting presentation of this trio.

Charles Ives’ LARGO began its musical life as a violin/piano duet; the composer later made another arrangement, adding a clarinet. Mr. Hope and Ms. DeGuise-Langlois returned for this rarity, joined by Wu Han at the piano. Here the violinist displayed ravishing control, his final note suspended on the air for what seemed an eternity: just remarkable! Ms. DeGuise-Langlois’s playing is mellow and true, and Wu Han’s gift for sustained delicacy combined with her colleagues to hold the audience in rapt attention.

Prokofiev’s violin sonata in D-Major – the most familiar work on today’s programme – plays in four movements:
I.    Moderato
II.    Scherzo. Presto
III.    Andante
IV.    Allegro con brio

Mr. Hope and Wu Han gave a performance nothing short of ideal. In this sonata we experience a sonic panorama of everything that makes Prokofiev such a fascinating composer: evocative lyricism with a modern nuance, dazzling and often jagged stretches of virtuosity, infectious dance rhythms, moments of pensive calm and – most delicious of all – a dash of wit. This is music that can give you a smile one moment and move your soul the next. Mr. Hope and Wu Han established such a lovely and mutually cordial dialogue, alert to every colour in the composer’s dazzling palette.  Their spontaneous embrace as the audience lavished them with sustained applause marked the special unity of their very impressive collaboration.

The concert ended with Korngold’s luminous piano quintet in E-major, the earliest-written work on the programme. No other composer I know of can evoke the sense of sehnsucht (‘longing’) like Erich Korngold, even when we are not sure exactly what we are longing for. The gorgeous, yearning melodies pass from voice to voice, with a kind of fragmented sentimentality one might experience while leafing thru an album of pictures from some nearly-forgotten time of past happiness and regret.

In the 1920s, Erich Korngold was the most-performed operatic composer in German-speaking countries after Richard Strauss, thanks in part to the great success of DIE TOTE STADT which he completed in August 1920. The Piano Quintet in E major was composed a year later, and its richly romantic melodic style is redolent of the same perfume which intoxicates us when we hear Marietta’s lied from DIE TOTE STADT. After coming to America, Korngold became a beloved composer of film scores (winning two Academy Awards) and his music has a cinematic quality.

This evening’s playing of the quintet was – in a word – magical. Mr. Hope’s shining expressiveness set the tone, with those deluxe violists Yura Lee and Paul Neubauer at their most communicative and the wonderfully resonant sound of David Finckel’s cello giving the ensemble its emotional center. Gloria Chein’s playing had a luxuriant pliancy and again the rapport between these artists is just so moving to behold. I must mention one solo passage by Paul Neubauer which literally pierced my heart. As this melodious work drew to its end, the audience embraced the players with waves of warm applause.

I sometimes think I should go backstage to meet the artists after these concerts but really, what could I say except: “Thank you!…thank you for your uplifting artistry in these troubled times…a beacon of light in a darkening landscape.”

Today’s programme:
•    Bartók Contrasts for Violin, Clarinet, and Piano, Sz. 111, BB 116 (1938)
•    Ives Largo for Clarinet, Violin, and Piano (1934)
•    Prokofiev Sonata in D major for Violin and Piano, Op. 94a (1943, arr. 1944)
•    Korngold Quintet in E major for Piano, Two Violins, Viola, and Cello, Op. 15 (1921)

The evening’s participating artists:
•    Gloria Chien, piano
•    Wu Han, piano
•    Daniel Hope, violin
•    Yura Lee, violin
•    Paul Neubauer, viola
•    David Finckel, cello
•    Romie de Guise-Langlois, clarinet

Korngold Piano Quintet gleams in Chamber Music Society program
New York Classical Review (en), 02.04.2014

Strict chronological programming, as the Chamber Music Society of Lincoln Center have done in their 45th season, is a tricky business. There is a risk of concerts becoming “one-note,” and the restriction leaves artists in something of a bind as far as coming up with creative, intelligent and challengingly contrasted programs.

“Destination America,” the title of CMS’s Sunday evening program imposed a didactic tone on a concert that needed none. The works presented, quite apart from making any revealing statement about America’s musical culture or influence, showcased four remarkable composers who, despite having close biographical dates, brought from their differing backgrounds and experiences a startlingly diverse range of musical expression.

Violinist Daniel Hope curated the program, and picked a virtuosic piece to close out the first half with Prokofiev’s Violin Sonata in D-major. Originally for flute and piano, the composer prepared this arrangement for the legendary David Oistrakh, and it has been cherished by violinists since. We hear both the lyricism and the chirping of a flute, but with the hard, gritty edge that Prokofiev often brought to his writing for the violin, as in the two concerti and the solo sonata. Hope played the sonata brightly, but not gently, while Wu Han kept an aptly heavy foot on the sustaining pedal, giving a fleshy, stewing feel to the music.

Charles Ives had a bite-sized role in the program, in his ephemeral Largo for violin, clarinet and piano. It is an intimate piece, but despite its brevity and small scale there is a charge running through its searching lines, underlined with tender grace by Hope, Han, and clarinetist Romie de Guise-Langlois.

De Guise-Langlois provided some sensational playing in the performance in Bartók’s Contrasts. The composer wrote the piece with Benny Goodman in mind, and the result is a spectacularly taxing, occasionally jazz-infused clarinet part. De Guise-Langlois tackled the piece with confidence, virtuosity, and sensitivity. She brought charming humor to the first movement’s limping theme every time it resurfaced, and was matched with tugging sorrow from Hope.

Eyes glued to each other, the trio were completely open to each other in the wandering, empty Pihenő, which featured limpid, spacious playing from pianist Gloria Chien. Hope switched violins for the scordatura opening of Sebes, the ferocious, spirited finale. Even in the midst of the movement’s fury, the players managed to find fierce joy in the music.

Korngold’s Piano Quintet in E major anchored the program, with the additions of violinist Yura Lee and violist Paul Neubauer. Anyone curmudgeonly enough to write off Korngold as a “mere” film scorer would surely have been convinced by this piece, rich and big-hearted in its writing, but complex and truthful in its expression.

The first movement opens with a grand sweep but quickly morphs into discrete individual lines, no less warm for their searching loneliness. The five musicians dug into the stomping finale with heft that transformed into shining energy, forcing rapt attention to the movement’s skittering figures.

The highlight, though, both of the quintet and of the whole program, was the second movement. Based on the composer’s own song Mond, so gehst du weider auf, it is a smoky, summery adagio, and the group’s rapt and focused playing conveyed the intense, aching emotion in Korngold’s lyricism. The music has at once the souped-up texture of Hollywood writing and the sincere individuality of Korngold’s contemporaries, combining free, modernist tonality with a romantic sonority. The strings pined their way through the emotive lines while Chien seemed to pluck the piano like a harp.

Eric C. Simpson



  all concert reviews

Press Reviews

2014


Nach Hollywood, um den Nationalsozialismus zu überleben
Salzburger Nachrichten, 09.09.2014

Der Geiger und Forscher Daniel Hope erinnert an jüdische Emigranten, die mit Filmmusik eine neue Existenz aufbauten.

Nach Hollywood, um den Nationalsozialismus zu überleben

Es muss ein Thriller sein
Gala, 04.09.2014

Daniel Hope: Darum sind Sting und Max Raabe der Clou an seinem Hollywood Album!
Epoch Times, 06.09.2014

Geiger Daniel Hope ist mit seinem Hollywood-Album erneut ein großer Wurf gelungen.

Am ersten September kam die CD mit dem Titel: „Escape to Paradise“ bei der Deutschen Grammophon heraus. Und die Überschrift verrät es bereits: Den Hörer erwartet hier keinesfalls akustische Zuckerwatte mit Sologeige – es ist eine dramatische Flucht ins Paradies, die hier angetreten wird.

Daniel Hope erforscht mit seinem Album, wie die durch den Holocaust vertriebenen Künstler den Klang von Hollywood kreierten. Wie klassische Komponisten sich in der Filmmusik eine neue Heimat suchen mussten – Und wie trotz all der Schönheit und Süße, die ihre Kompositionen im „Paradies“ der Filmmetropole entfalteten, in ihrer Musik immer noch düstere Schicksale nachklingen, die dem Traum von einer besseren Welt existentielle Tiefe verliehen. Es enstand ein Klang in dem Menschen auf der ganzen Welt ihr eigenes Erleben wiederfanden. Mit „Escape to Paradise“ geht Daniel Hope auf die Suche nach dem Geheimnis dieses betörenden Hollywood-Sounds.

Greatest Hits und Unbekanntes

Daniel Hope macht hier das was er immer macht – und wieder einmal sehr überraschend und überzeugend. Die Musikauswahl enthält sowohl Ohrwürmer, die üblichen Verdächtigen, wie „Schindler´s Liste“, die Liebesthemen aus Ben Hur und El Cid, Ennio Morricones Cinema Paradiso – also das, was der Freizeit-Klassikfan erwartet. Und gleichzeitig führt uns Hope auch an unbekanntere Stücke heran. Das beginnt beim Korngold-Violinkonzert, dass in gewisser Hinsicht der klassische Felsen ist, auf dem die Musik Hollywoods gebaut wurde.

Und es geht weiter mit nostalgischen Perlen, die heutzutage kaum noch jemand kennt, wie zum Beispiel „Tränen in der Geige“ von Walter Jurmann (1903 – 1971) und „Come back, little Sheba“ von Franz Waxman (1906 – 1967).

Unglaublich: Das singen Sting uns Max Raabe!

Typisch Daniel Hope: Er würzt seine Geigen-CD wieder mit hochkarätigen Gästen aus anderen Genres. Böse Zungen könnten jetzt behaupten, dass Max Raabe und Sting hier lediglich als zusätzliche Verkaufsargumente für die Deutsche Grammophon fungieren, aber wer einmal reingehört hat, weiß, die beiden geben dem Album den letzten Schliff und verdichten mit den von ihnen gesungenen Texten den literarischen Subplot – Vertreibung und Vergänglichkeit.

Sting singt auf englisch ein Lied von Hanns Eisler aus „The Secret Marriage“, das melancholischer kaum wirken könnte. Denn es erklingt direkt nach den Haifetz-Arrangement „Sea Murmurs“, jenen sanft glitzernden Wellen, welche die Vertriebenen an die verheißungsvolle Küste der USA gespült haben. Und damit erinnert uns Stings gebrochenes Timbre an die Heimatlosigkeit, welche die Künstler in der neuen Heimat fühlten.

Max Raabes Version von Kurt Weills „Speak Low“ geht dann noch einen Schritt weiter: Das melancholische Lebensgefühl hat sich bereits vollständig in swingende Heiterkeit aufgelöst – scheinbar. Denn um den Abgrund hinter der sonnenbeschienenen Filmkulisse spürbar zu machen, durch die das Lied zu schlendern scheint, braucht es eben einen Max Raabe.

Keine Angst vor großen Gefühlen

Ganz am Ende, nachdem Daniel Hope auch noch einen Ausflug in den „American Beauty“-Soundtrack von Thomas Newman (2000) und die nähere Hollywood-Vergangenheit gemacht hat, schließt er den Kreis wieder in der Vergangenheit mit „Irgendwo auf der Welt gibt’s ein kleines bisschen Glück“ von Werner Richard Heymann. Und mit einem kaum erkennbaren, fragmentarisch-zerbrochenem „As Time goes by“, haucht er seine Hollywood-Träume solistisch aus …

Das alles ist so schonungslos sentimental, dass es ins Auge hätte gehen können. Dank Daniel Hopes musikalischer Leidenschaft, seiner Seelentiefe und dem großen Ernst, mit dem er auch die scheinbar trivialiste Nummer behandelt, trifft es mitten ins Herz.
von Rosemarie Frühauf

 

Daniel Hope: Escape to Paradise – review
Financial Times, 05.09.2014

Pieces played in new arrangements bask luxuriantly romantic world of Korngold, Rosza and their contemporaies

Violinist Daniel Hope shows what happened to the mostly Jewish composers exiled from Nazi Germany when they turned up in the “paradise” of Hollywood.  The result is not an academic exercise – many of the pieces here are played in new arrangements – but an invitation to soak in the luxuriantly romantic world of Korngold, Rozsa and their contemporaries.  Sting makes a guest appearance in a song by Eisler, Max Raabe in one by Weill.  But mostly this is a showcase for Hope’s violin, basking in the saturated emotion of Korngold’s Violin Concerto and soaring through the love themes from films such as Ben-Hur and Hitchcock’s Spellbound.

by Richard Fairman

Daniel Hope auf der Suche nach dem „Hollywood-Sound“
Kulturradio von RBB, 03.09.2014

Der britische Geigenvirtuose Daniel Hope lädt ein zu einer Reise durch Soundtracks des 20. Jahrhunderts

Daniel Hope ist bekannt für seine Vielseitigkeit – er ist in der Klassik und im Barock ebenso zu Hause wie im Jazz. Seit langem interessiert er sich für europäische Komponisten, die vor oder während des zweiten Weltkriegs nach Hollywood geflüchtet sind und für die Filmstudios komponiert haben. Emigranten wie Erich Wolfgang Korngold, Mario Castel-Nuovo Tedesco , Eric Zeisl oder Miklos Rosza haben mit anderen Kollegen den klassischen “Hollywood-Sound” geprägt. Mit seiner neuen CD “Escape to Paradise” hat Daniel Hope diesen Komponisten ein Denkmal gesetzt.

Kernstück der Platte ist ein Violinkonzert in D-Dur , op. 35, von Erich Wolfgang Korngold in drei Sätzen. Der österreichische Komponist hat es nach seinen Erfolgen in Hollywood komponiert, inspiriert von seinen eigenen Arbeiten für den Film. Daniel Hope spielt das Konzert wohltuend akkurat, sehr eindringlich, technisch perfekt und im wirbelnden Wechsel zwischen schmeichelnd-süß und geradezu vehement fordernd. Dieses Werk zeigt, wie gut Korngold sein Handwerk beherrschte.

 

Das Vermächtnis des Hollywood-Sounds

Daniel Hope schlägt auf “Escape to Paradise” einen Bogen zu Filmen unserer Zeit und hat drei Komponisten ausgewählt, die in der Tradition des “Hollywood-Sounds” stehen: Thomas Newman,  John Williams und Enrico Morricone, die die Soundtracks zu den bekannten Filmen “American Beauty”, “Schindlers Liste” und “Cinema Paradiso” geschrieben haben.  Alle drei Filme beschäftigen sich ebenfalls mit dem Thema Flucht . Daniel Hope gelingt es bei dem Soundtrack zu “American Beauty”, mit seinem sinnlichen Spiel den Schmerz der Einsamkeit, die Sehnsucht nach einer besseren Welt und auch die Flucht vor sich selbst, die ja in dem Film zentrales Thema ist, zu vermitteln.

 

Gastsänger Sting und Max Raabe

Gastsänger Sting performt einen eigenen Song “The Secret Marriage”, der auf einer Melodie von Hanns Eisler basiert und Max Raabe singt Kurt Weill zu Hopes Geigentönen  – was das Album umso interessanter macht.

 

Von alten Schätzen zu Neuentdeckungen

Auf “Escape to Paradise” finden sich alte Klassiker wie “As time goes by” arrangiert für Sologeige, und charmante Neuentdeckungen  wie “Sea Murmurs” von Mario Castelnuovo-Tedesco, arrangiert von Jascha Heifetz.

Mit “Escape to Paradise” kann man schwelgen , nachdenken,  zeitreisen und genießen – ein schöner  Einstieg für Filmfans, die Klassik hören wollen und umgekehrt. Hope versteht es durch sein intensives wendiges Spiel, die Essenz dieser traumumwehten Musik genau einzufangen. Manchen mag es nach zu großen Gefühlen klingen, zu viel Pathos mitschwingen, aber das braucht es mitunter, um die “message” der Filme zu transportieren, sie ohne Bilder sprechen zu lassen. Das gelingt Daniel Hope sehr gut.

Wer keine Angst vor großen Gefühlen hat, wird Gefallen finden an Daniel Hopes Hollywood-Album “Escape to Paradise”.

Anne Spohr, kulturradio

DANIEL HOPE – Escape To Paradise – The Hollywood Album
terrorverlag.com, 29.08.2014

DANIEL HOPE ist ein südafrikanisch-britischer Geiger, der berühmt ist für seine Musikalität und Vielseitigkeit. Auf seinem neuen Album „Escape To Paradise – The Hollywood Album“ beschäftigt er sich mit Filmmusik aus der Feder europäischer Exil-Komponisten, die den Hollywood-Sound kreierten. Zu hören gibt es beispielsweise Themen aus Filmklassikern wie „Ben Hur“ oder „Schindlers Liste“ – gesanglich unterstützt von STING und MAX RAABE. Außerdem mit von der Partie: das Royal Stockholm Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Alexander Shelley, der Pianist Jacques Ammon und Maria Todtenhaupt an der Harfe.

Keimzelle war für den 41-jährigen das Violinkonzert von Korngold, der 1934 nach Hollywood emigrierte und zwei Oscars für seine Filmmusiken erhielt. Sein leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Das europäischen Echo der 1930er-Jahre zeichnet er nach, indem er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert: Mit STINGs eigener Version des Hanns-Eisler-Liedes „An den kleinen Radioapparat“ das hier „The Secret Marriage“ heißt und mit MAX RAABE, der „Speak Low“ von Kurt Weill performt. Die musikalische Reise auf „Escape To Paradise“ reicht vom Jahr 1908 („Prelude And Serenade“ aus „Der Schneemann“ von Erich Wolfgang Korngold bis hin zur jüngsten Vergangenheit, die beispielhaft mit dem Titelstück aus „American Beauty“ aus der Feder von Thomas Newman repräsentiert wird. Ein Komponist wie ENNIO MORRICONE darf natürlich ebenfalls nicht fehlen. Hier sei das „Love Theme“ aus „Cinema Paradiso“ genannt.

Großes Kino – sowohl optisch als auch (wie im Falle dieser CD) akustisch. Zweifellos ist diese Klassik-Veröffentlichung nicht unbedingt das, was die Terrorverlag-Leserschaft zwischendurch mal eben in den CD-Player schiebt, aber dem einen oder anderen Cineasten mit gewissen Neigungen zur sogenannten ernsten Musik wird hier bestimmt das Herz aufgehen.

Link: http://www.terrorverlag.com/rezensionen/daniel-hope/escape-paradise-hollywood-album/

Flucht ins Paradies – Künstlerexil Hollywood
stagecat.de, 25.08.2014

Daniel Hope hat mit der Deutschen Grammophon ein ungewöhnliches Projekt umgesetzt. Der Star-Violinist und Buchautor hat sich auf seinem neuen Album “Escape to Paradise” auf eine musikalische Spurensuche in Hollywood begeben, an seiner Seite Max Raabe und Sting.
In den letzten Jahren hatte sich der Wahl-Wiener mit Komponisten und Musikern beschäftigt, die das Hitler-Regime in Europa nicht überlebten. Auf seinem neuen ‘Hollywood Album’ bringt er nun jene Künstler zu Gehör, denen die Flucht in die USA gelang und die sich in der neuen Welt, der Traumfabrik Hollywoods als Menschen und Künstler neu finden mussten. In ihre Arbeit brachten sie die Erfahrung von Vertreibung und Flucht ein. Daniel Hope spürt in den Werken dieser Hollywood-Künstler dem wahren Sound der Traumfabrik nach, den Geschichten und Erfahrungsräumen unterhalb des inszenierten Bombastes.

Ort der Gestrandeten

Daniel Hopes Familiengeschichte ist mit dem Thema Exil eng verbunden. Seine Großeltern flohen vor dem Hitler-Regime nach Südafrika, seine Eltern vor dem Apartheidsregime nach England. Musik als Medium der Kommunikation ist ein Schlüssel zum künstlerischen Werk Daniel Hopes und dessen gesellschaftlichem Engagement mit der Freya-von-Moltke-Stiftung, Yehudi Menuhins Live-Music-Now-Stiftung oder mit Amnesty International gleichermaßen. Hope sucht in den Tönen die vergessenen Geschichten der Menschen auf und regt zu neuen Perspektiven auf vermeintlich Altbekanntes an.

Die Traumfabrik Hollywoods und ihre legendären Filmmusiken macht Hope hörbar als einen Ort der Hoffnung für gestrandete Künstler, deren vorheriges Leben auf das Volumen eines Koffers geschrumpft war. Dem Fatum eines grausamen Schicksals entkommen arbeiteten diese Künstler, denen nicht viel mehr geblieben war, als ihr Talent, zugleich an den cineastischen Visionen Hollywoods, wie an der eigenen Hoffnung auf Zukunft. Eindrücklich arbeitet Daniel Hope in seiner musikalischen Umsetzung den Schmerz der Flucht, den Verlust der alten Kultur und die Sehnsucht nach einer besseren Zukunft als die Grundlagen des »Hollywood Sound« heraus. Seine Auswahl zieht einen Bogen von Erich Wolfgang Korngold, dem einstigen Wunderkind der österreichischen klassischen Moderne und legendärem Opernkomponisten, bis zu Filmklassikern wie “Schindlers Liste” und “Cinema Paradiso”.

Leitmotiv “Flucht”

Nachdem sich Hope mit den verbotenen Kompositionen des Dritten Reiches und von den Nazis ermordeten Tonsetzern beschäftigt hat, gilt seine Aufmerksamkeit diesmal denen, deren Flucht gelang. “Escape to Paradise” konzentriert sich nicht auf biographische Spuren des Exils, sondern sucht ebenso in der filmmusikalischen Bearbeitung des Themas Flucht nach Zusammenhängen, nach Hollywoods Schicksals-Melodie. In der Auswahl der Werke kam dabei, so Hope, “eine Art Mosaik zusammen”. “Hollywood war geradezu ein Sinnbild für Flucht, auf vielen verschiedenen Ebenen. Man kann das Album auch als eine Suche nach dem wahren ‘Hollywood Sound’ betrachten”.

So kommen neben den Exil-Komponisten der ersten Stunde auch drei lebende Komponisten zu Gehör. John Williams, der die meisten Oscar-Nominierungen erhielt, sieht Hope mit der Filmmusik zu “Schindler’s Liste” in klarer Tradition zu Korngold. Dessen Violinkonzert, das Hope in der Interpretation vom “König der Geiger”, von Jascha Heifetz, der seinerseits nach Hollywood emigriert war, kennengelernt hat, ist die zentrale Interpretationsfolie und Keimzelle des Hollywood-Sound, wie Hope ihn hört.

Korngold emigrierte 1934 nach Hollywood, arbeitete für die Warner Bros.-Studios und erhielt zwei Oscars für seine Filmmusiken, 1937 für “Anthony Adverse” und 1939 für “The Adventures of Robin Hood”. Dessen leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Letztlich ist der Film für Hope eine opulente Welt der Flucht aus unserer Wirklichkeit, somit auch ein Ort symbolischer Befreiung.

Daneben bringt Hope Thomas Newman, Sohn des legendären Hollywood-Komponisten Alfred Newman, zu Gehör, der in “American Beauty” von “der Flucht von einem Leben in ein anderes erzählt”. Zur Vertiefung der Sound-Geschichte Hollywoods wird Ennio Morricone herangezogen, der in “Cinema Paradiso” die Weltflucht des Jungen Salvatore ins Kino untermalt. So reist Hope mit seinem neuen Album über Klassiker wie “Ben-Hur” und “El Cid” von Miklós Rózsa bis in die Gegenwart und horcht dem fernen Hall des Echos der 1930er-Jahre in Europa nach, wenn er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert.

Zwischen Tradition und Neuanfang

Bei seiner musikalischen Spurensuche im Breitbandformat erhält Hope prominente Unterstützung. Sting singt sein eigene Textversion zu Hanns Eislers Lied “An den kleinen Radioapparat”. Der Popstar hatte den Brecht-Text des Liedes schon 1987 umgedichtet und singt “The Secret Marriage” nun mit Hope ein. Außerdem singt Max Raabe »Speak Low« von Kurt Weill.

Hope stellt die Oper “Hiob” von Eric Zeisl nach dem gleichnamigen Roman von Joseph Roth vor, die sich ebenfalls mit der Flucht aus Europa in die USA beschäftigt. Die europäischen Traditionen, denen die Exilanten verbunden waren, werden noch in den Brüchen deutlich. Die Entwicklung der Musik von Wagner und Mahler fand über die Wiener Schule von Schönberg, Korngold und Zemlinsky ihre Fortsetzung in den Filmstudios von Hollywood. Die Exil-Komponisten mussten ihre Prägung in der 12-Ton-Musik gegen die neue US-Mode des Pathos eintauschen und von der Walzerwelt in die Welten von Romanzen und »Wild West« eintauchen. So verschmolz die Musiktradition der alten Welt, die Erfahrung von Flucht und Vertreibung, mit den Melodien der Traumfabrik zu amerikanischen Erfolgsgeschichten, deren innewohnende Brüche und Tragödien Daniel Hope hörbar macht.

Text: Mirco Drewes

Link: http://stagecat.de/klatsch.php?eintrag=25082014194

Daniel Hope “Escape To Paradise – The Hollywood Album” | ab heute im Handel
entertainment-base.de, 29.08.2014

Von Korngold über »Cinema Paradiso« bis zu Sting: Auf seinem neuen Album (VÖ: 29.08.) findet Daniel Hope einen verblüffenden Schlüssel zur Filmmusik. Sie ist Echo der europäischen Exil-Komponisten. Eine Breitbild-Spurensuche in Klängen. Hollywood ist der Ort unserer Träume. Doch wenn Daniel Hope ihn nun mit seiner Geige bereist und erforscht, verändert sich unsere Wahrnehmung. Hope beweist, dass der »Hollywood Sound« ein Klang mit Geschichte und aus Geschichten ist. Die Traumfabrik von Los Angeles war ein Ort, an dem Gestrandete ihre Hoffnungen aus den Koffern kramten und ihre Träume in Klänge verpackten. Großes, menschliches Kino mit fatalen Schicksalsschlägen und amerikanischen Erfolgsgeschichten.

Auf seinem neuen Album begibt sich der Star-Geiger auf eine sinnlich-historische Spurensuche im Breitbildformat. Und wieder gelingt Hope über die Musik ein faszinierender Blick auf die Geschichte: Nachdem er sich bereits mit den verbotenen Kompositionen des Dritten Reiches beschäftigt hat und mit den von den Nazis ermordeten Tonsetzern, nimmt er dieses Mal die Spuren jener Musiker auf, denen die Flucht in die USA gelang. Eindrücklich lässt Hope hören, dass der Schmerz der Flucht, das Zurücklassen der alten Kulturen und die Sehnsucht nach einer besseren Zukunft die Grundlagen des »Hollywood Sound« sind. Mit seiner klugen Auswahl zieht der Geiger einen Bogen von Erich Wolfgang Korngold bis zu Filmklassikern wie Schindlers Liste und Cinema Paradiso.

Keimzelle ist für Hope das Violinkonzert von Korngold, das er in der Interpretation vom »König der Geiger«, von Jascha Heifetz, der seinerseits nach Hollywood emigriert war, kennengelernt hat. Korngold emigrierte 1934 nach Hollywood, arbeitete für die Warner Bros.-Studios und erhielt zwei Oscars für seine Filmmusiken, 1937 für Anthony Adverse und 1939 für The Adventures of Robin Hood. Sein leidenschaftlich träumerisches Violinkonzert steht für Hope stellvertretend für alle Hoffnungen und Sehnsüchte, die das Kino seit jeher bedient. Ein kluger Gedanke, der auch musikalisch greifbar wird, denn letztlich ist der Film für Hope nichts anderes als eine opulente Welt der Flucht aus unserer Wirklichkeit.

Hope horcht dem europäischen Echo der 1930er-Jahre nach, wenn er sich den Berliner und Wiener Shows und Revues annähert. Mit von der Partie ist Sting mit »The Secret Marriage«, seiner eigenen Version des Hanns Eisler Liedes »An den kleinen Radioapparat«. Der Popstar hatte den Brecht-Text des Liedes schon 1987 umgedichtet und nun singt er den Song noch einmal gemeinsam mit Hope ein. Außerdem singt Max Raabe »Speak Low« von Kurt Weill.

Hope stellt auch die Oper Hiob von Eric Zeisl nach dem gleichnamigen Roman von Joseph Roth vor, die sich ebenfalls mit der Flucht aus Europa in die USA beschäftigt. Und plötzlich wird ganz selbstverständlich klar, dass die Entwicklung der Musik von Wagner und Mahler über die Wiener Schule von Schönberg, Korngold und Zemlinsky seine Fortsetzung in den Filmstudios von Hollywood fand. Hier mussten die Exil-Komponisten allerdings ihr Gedanken-Gepäck aus 12-Ton-Musik gegen die neue US-Mode des Pathos eintauschen und von der Walzerwelt in die Welten von Romanzen und »Wild West« eintauchen. Flucht bedeutet eben immer auch das Zurücklassen alter Traditionen. Ein Thema, das Daniel Hope persönlich verfolgt: Seine Großeltern sind vor Hitler nach Südafrika geflohen, und seine Eltern vor dem Apartheidsregime nach England.

Mit seinem neuen Album reist Hope bis in die Gegenwart. Neben den Klassikern Ben-Hur und El Cid von Miklós Rózsa hat er sich drei Filme und Komponisten ausgesucht, die ebenfalls das Thema Flucht aufgreifen: John Williams als Korngold-Erbe in Schindlers Liste, Thomas Newmans American Beauty und natürlich Ennio Morricone mit seiner Ode an den Fluchtraum Kino in Cinema Paradiso.

Am Ende dieser CD über den »Hollywood Sound« erklingt ein angedeuteter Nachhall: Hope spielt Herman Hupfelds »As Time Goes By« aus dem Filmklassiker Casablanca – ebenfalls eine große Ode an die existenziellen Momente von Menschen auf der Flucht.

Link: http://www.entertainment-base.de/2014/08/29/album-daniel-hope-escape-to-paradise-the-hollywood-album-ab-29-08-im-handel/



2013


Spheres
Bayern Klassik, www.br.de, 13.02.2013

Eine Auswahl sinneserweiternder, meditativer, melodiöser Musik wird auf der CD-Rückseite angekündigt. Eine Zeitreise vom Barock bis in die Gegenwart. Und eine Sternenreise: Die Musikzusammenstellung erklärt Daniel Hope mit seiner Faszination für den Nachthimmel, für die Weite des Universums.
Autor: Ben Alber Stand: 13.02.2013

 

Ist da draußen irgendetwas? – diese Frage verbinde die Musik auf seiner CD, so Hope im Booklet. Mit einer atmosphärisch dichten Bearbeitung einer Solo-Sonate des Barockkomponisten Johann Paul von Westhoff beginnt meine Sternenreise an der Seite von Daniel Hope. Ein erster Blick in den Nachthimmel, es glitzert silbrig, ich hebe langsam ab und freue mich auf den Flug. Dann “I giorni” von Ludovico Einaudi, ein Stück, das es vor nicht langer Zeit in die britischen Single-Charts brachte und in einige Werbespots – zum Beispiel in den eines indischen Telekommunikations-Anbieters.Und da passt es sicher auch gut. Die Botschaft auf “Spheres” vielleicht: “Ja, da draußen ist irgendetwas, ein ganzer Haufen Telekommunikationssatelliten!”

Konzeptalbum mit rotem Faden

Ich vertraue meinem Reiseleiter und bleibe an seiner Seite. Ich gebe zu, die Versuchung war groß, zur Erde zurückzukehren. Aber ich werde für meine Toleranz belohnt: Je länger die Reise dauert, desto mehr erschließt sich Hopes Idee, dem die Reihenfolge der Stücke auf der CD sehr wichtig ist. Nämlich die Idee eines geschlossenen Konzeptalbums, das inhaltlich und klanglich ein roter Faden durchzieht, und das doch auch immer wieder überrascht. Gerade mit zahlreichen Miniaturen jüngerer Komponisten: Max Richter, Alex Baranowski, und Gabriel Prokofiev, der Enkel von Sergeij Prokofiev, haben unter anderem Stücke geliefert, die überzeugen. Prokofiev ist es, der mit seinem “Spheres” am deutlichsten eine Projektionsfläche bietet für die Ängste, die auch Platz haben bei einer (Gedanken-)Reise ins Universum: Wenn da draußen etwas ist – ist es uns auch wohlgesonnen?

 

Ein großes, unheimliches Rätsel

Neben einem ganzen Reigen eingängiger Geigen-Melodien – mal im zarten Duo mit Klavier, mal in weichen Streicherklang gebettet, mal pompös orchestral und vokal aufgeladen – hat auch das unheimliche schwarze Nichts zwischen den glitzernden Sternen immer mal seinen Platz auf dieser CD. Und das ist gut so. Trotz Mars-Mobil und Raumstation bleibt das Universum doch ein großes, unheimliches Rätsel. Schade, wenn das in der Musik anders wäre.

Spheres – Daniel Hope
www.klassikerleben.de, 14.02.2013

Es ist eine Zusammenstellung von Miniaturen, aber auch etwas längeren Sätzen, die an stilistischer Bandbreite kaum zu überbieten ist. In seiner offenen und stets auf Unentdecktes neugierigen Art forscht der Geiger und künstlerische Leiter der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Daniel Hope, mit dem Deutschen Kammerorchester Berlin unter Leitung von Simon Halsey und bei einigen Tracks sogar unterstützt vom Rundfunkchor Berlin in deutschem, italienischem, amerikanischem und russischem Repertoire nach wahren Pretiosen für sein Instrument. Viele Tracks stammen vom italienischen Filmmusikkomponisten Ludovico Einaudi. Dann werden Ausschnitte aus den berühmten, im John-Neumeier-Ballett „Preludes CV“ auch vertanzten 24 Präludien für Violine und Klavier der russisch-amerikanischen Komponistin Lera Auerbach mit Arrangements von barocken Bach-Präludien oder Genrestücken des Amerikaners Karl Jenkins kombiniert. Selbst Minimalistisches von Philipp Glass oder Michael Nyman findet sich in dieser aparten Sammlung von Violinwerken. Nicht vom großen Sergej, sondern vom jungen Gabriel Prokofjew stammt der Titel „Spheres“. Überhaupt stellen viele Werke ganz junger Komponisten auf Hopes jüngstem Album echte Überraschungen dar, so etwa das Stück „Biafra“ vom 1983 geborenen Alex Baranowski oder das Lento des 1973 geborenen Aleksey Igudesman. Eine Entdeckung ist auch der von John Rutter arrangierte „Cantique de Jean Racine“ op. 11 von Gabriel Fauré.
(Deutsche Grammophon/Universal Music)

(Helmut Peters)

 

Heaven and Hell
, 14.02.2013

Toms Schmankerl der Woche

Vom Sphärenklang zum Untergang mit Tom Asam.

 

Der britische Violinist Daniel Hope ist gefeierter Solist und Kammermusiker und darüber hinaus für seine Vielseitigkeit bekannt. Da gibt es schon mal ein Crossover-Projekt mit Sting. Oder wie zuletzt in der Recomposed Serie der Deutschen Grammophon (bei der er seit 2007 exklusiv veröffentlicht) frisches Blut für Vivaldi durch Max Richters gelungene Re-Interpretation der Vier Jahreszeiten. Nun erscheint Spheres, eine musikalische Auseinandersetzung mit dem Thema Sphärenklänge. Spätestens seit Pythagoras beschäftigen sich Philosophen, Mathematiker und Musiker mit der Vorstellung, dass die Bewegung der Planeten einen Klang erzeugt, dass Musik eine mathematische Grundlage hat, eine Art astronomische Harmonie, die in allem stecke. Hope nimmt sich dieser so romantischen wie faszinierenden Idee an und spannt dabei einen musikalischen Bogen von der Renaissance bis in die Gegenwart, von Westhoff (dessen Einfluss auf Bach er für unterschätzt hält) über Fauré und Glass bis Arvo Pärt, Einaudi und Nyman. Hinzu kommen Ersteinspielungen von Stücken der Komponisten Alex Baranowksi, Gabriel Prokofieff, Alexej Igudesmann und Karsten Gundermann. Eine bezaubernde Idee, die von Hope u.a. mit Jaques Ammon (Piano), dem Deutschen Kammerorchester Berlin und Mitgliedern des Rundfunkorchesters Berlin phantastisch umgesetzt wurde. Ideal, um öfter mal die Bildschirme ausgeschaltet zu lassen und zum Klang dieser Sphärenmusiken in den Nachthimmel zu glotzen. Mein persönlicher Favorit ist Arvo Pärts Fratres – ein Stück, bei dem die Ganzkörper-Gänsehaut in ihrer Heftigkeit im Wettstreit mit den Freudentränen liegt. Galaktisch.

Ist da draußen irgendetwas? Daniel Hope verzaubert mit seiner Geige: CD „Spheres“
The Epoch Times, 28.02.2013

“Komponisten und Werke aus verschiedenen Jahrhunderten zusammenbringen, die man normalerweise nicht in derselben Galaxie findet“, so umschrieb Daniel Hope das Konzept seines neuen Albums, das jüngst bei der Deutschen Grammophon erschienen ist. Der verbindende Gedanke hinter der Musik von „Spheres“ sei die Frage: „Ist da draußen irgendetwas?“

Astronomie fasziniert den britischen Geiger Daniel Hope seit Kindheitstagen und Sternenbeobachtung war neben der Musik seine große Leidenschaft. Da konnte es nicht ausbleiben, dass Hope ein „zeitgemäßes Statement“ zur Sphärenmusik abgeben wollte, jenem seit Urzeiten beschriebenen, selbsterzeugten Klang der Planeten.

Dass „Spheres“ als Konzeptalbum kein Marketing-Gag, sondern eine echte Entdeckungsreise ist, merkt der Hörer spätestens am filigranen Tonfall der CD und ihrer eigenwilligen Zusammenstellung. „Spheres“ vereint musikalische Organismen aus vier Jahrhunderten, ohne nach dem „E“ oder „U“ ihrer Herkunft zu fragen. Und „Spheres“ ist eine jener Sammlungen geworden, die man sehr oft hören kann, ohne dass sie ihren Glanz verliert. Das liegt vor allem an der Qualität der Stücke und ihrer Interpretation, fünf davon sind Weltersteinspielungen, andere speziell neu arrangiert. Sogar Filmmusiken wurden ihrem Entstehungskontext entführt und fanden auf dem Planeten „Kammermusik“ ein neues Zuhause; wegen der Hingabe aller Beteiligten ein künstlerisch glaubwürdiges zumal.

Zu Hopes superbem Geigenspiel gesellen sich Jacques Ammon am Klavier, das Deutsche Kammerorchester Berlin unter Simon Halsey mit kongenialen und ebenbürtigen Streichersolisten, sogar Mitglieder des Rundfunkchores Berlin. Das Klangspektrum, das Daniel Hope seiner Guaneri entlockt, ist faszinierend: Er haucht, singt, schwelgt, spricht mit den Anderen oder ist einsamer Sucher, täuscht Sordinoklänge an, um im nächsten Moment zu vollem Sound aufzublühen, ist Seele der Handlung ohne je selbstgefälliger Virtuose zu sein.

Die CD „Spheres“ hat eine intelligente Dramaturgie, die von einer Ausnahme abgesehen, nahtlos fließt. Sie beginnt mit Bach-Vorläufer Johann Paul von Westhoff („Imitazione delle campane“, ca.1690) in geheimnisvollem Arpeggio-Geflüster und schließt im Heute mit dem fragenden Monolog einer Geige vor dunkler Orchester-Wolkenwand (Karsten Gundermanns „Faust – Episode 2 – Nachspiel“). Zwischen die vielen kurzen Stücke fügt sich „Fratres“, ein rund zwölfminütiger und atemberaubender Arvo Pärt. Ludovico Enaudis „I giorni“ und „Passaggio“ entpuppen sich als wahre Perlen. Karl Jenkins „Benedictus“ wird zum rührenden Dialog von Geige und Chor, der in großem Pathos gipfelt, das hier jedoch zarter und zerbrechlicher als im Original erklingt. Das dreieinhalbminütige Herzstück „Spheres“ von Gabriel Prokofiev behandelt als atonalste Komposition das Thema der Planetenbewegung als sich mechanisch verschiebende Stimmen, zwischen denen Harmonie und Dissonanz entsteht.

Alles ist wunderbar stimmig, bis auf ein Kuschelklassik-Ei, das sich Hope laut Booklet mit voller Absicht selbst gelegt hat: Es ist der „Cantique de Jean Racine“ von Gabriel Fauré, den er während seiner Schulzeit öfter gesungen hat und ereilt den Hörer auf Track 4: Nachdem die Gehörgänge gerade mit minimalistischen Achtelbewegungen von Philip Glass massiert wurden und man langsam in die subtile Klangwelt der CD hineingeschwebt ist, wirkt das spätromantische Chorwerk mit seinen Schmelzklängen und weihnachtlichem Charakter süßlich triefend und wie Creme Bruleé auf nüchternen Magen – obwohl es beispielhaft gesungen ist! Zu allem Überfluss schweigt hier die erwartete Solovioline, mit deren ätherischen Flageoletts es danach weitergeht, als wäre nichts gewesen. Der einzige Ausreißer auf der sonst sehr schlüssigen CD „Spheres“.

„Spheres“ dürfte ein Verkaufserfolg werden, weil das Album Heiterkeit ausstrahlt, die sanft vitalisierend wirkt und sich für alle Lebenslagen eignet. Und auch besonders für Menschen, die nachts absichtlich wachbleiben um Sterne zu beobachten oder Musik zu hören.

Rosemarie Frühauf

Mit Daniel Hope in den Kosmos schweben
Salzburger Nachrichten, 02.03.2013

von Ernst Strobl

Im Fernsehprogramm wird er so angekündigt: „Einer der besten Geiger der Welt ist Daniel Hope. Bereits mit elf Jahren trat der britische Musiker mit Yehudi Menuhin auf, der ihn einmal als seinen musikalischen Enkel bezeichnete. Über 100 Konzerte gibt Daniel Hope jedes Jahr, immer mit dabei ist seine Guarneri-Geige von 1742 . . .“ Okay, er ist Geiger, aber das ist längst nicht al les. Daniel Hope ist wohl so etwas wie ein Tausendsassa. Neben der weltumspannenden Konzerttätigkeit ist er seit zehn Jahren Künstlerischer Leiter des Savannah Musical Festivals in Georgia, sein Amt als Künstlerischer Direktor des Festivals Mecklenburg-Vorpommern legt er heuer nach vielen Jahren nieder.

Und natürlich nimmt Hope CDs auf. Soeben ist eine der faszinierendsten Aufnahmen der jüngeren Zeit erschienen, mit denen Hope die Hörer wahrhaft in höhere Sphären entführt. Ihn an seinem neuen Wohnsitz Wien anzutreffen, ist nicht einfach. Vor ein paar Tagen passte es. Hope kam eben von Konzerten aus den USA zurück, wo er auch den 89-jährigen Pianisten Menahem Pressler besuchte, der ihn vor Jahren zum Beaux Arts Trio geholt hatte. Es folgte ein Abend mit Klaus Maria Brandauer in Zürich, Wien diente zum Umsteigen nach Göteborg, wo er am Donnerstag mit dem Britten-Violinkonzert bejubelt wurde. Heute, Samstag, ist Hope im SWR Fernsehen zu sehen.

„Spheres“ ist der Titel der CD, ist das was für Esoteriker? Ja, das habe er gern, sagt Hope. Es sei eine schöne Vorstellung, dass Planeten bei ihrer „Begegnung“ Sphärenklänge erzeugten. Hörbarer funktioniert das auf der Geige, wo Reibung Töne erzeugt. Und was für welche! Hope achtete auf die Dramaturgie bei der Auswahl der 18 Stücke. Begleitet vom Dirigenten Simon Hal sey, Kammerorchester, Chor oder Klavier zieht er fragile, innige oder glänzende Fäden über fast filmische Musik vom Barock über Phil Glass bis zu Arvo Pärt, Lera Auerbach und Ludovico Einaudi. Eine intensive, geglückte Entdeckungsreise – auch ohne Sternenhimmel zum Rauf- und Runterhören schön.

CD. Daniel Hope, „Spheres“, u. a. mit Jacques Ammon, Klavier, Deutsches Kammerorchester Berlin, Rundfunkchor Berlin. Deutsche Grammophon. TV. Daniel Hope zu Gast bei Frank Elstner. SWR, Samstag, 21.50 Uhr.

Wien ist ein Rückzugsort
Wiener Zeitung, 11.04.2013

Stargeiger und Entertainer Daniel Hope ist weltweit unterwegs und in Wien zu Hause

Von Daniel Wagner

Was dem Stargeiger und Wahlwiener Daniel Hope an seinem Wohnsitz gefällt.

Wien. Frühstück im Dritten. Kann eine Stadt inspirieren? Daniel Hope stimmt zu. Hier kann er alles aufsaugen, die Vergangenheit ist so gegenwärtig wie nirgendwo anders. Wobei die Besonderheit für den Stargeiger die Mischung macht. Wien sei eindeutig ein Schmelztiegel, mitten in Europa, die Nähe zum Balkan, die türkische Vergangenheit. Bei allen Unterschieden verwenden dennoch alle irgendwie die gleiche Sprache. “Abgesehen davon bin ich wahrscheinlich der weltgrößte Fan von Jugendstil”, sagt Hope und lacht.

Natürlich kann Wien für einen Musiker das Zentrum der Welt sein. Allein wenn er durch die City geht und Gedenktafeln von Mozart, Haydn, Beethoven bis zurück zu Vivaldi seinen Weg kreuzen, kann er nur staunen.

Journalistische Triebkräfte
Hat Wien für ihn nicht zu musealen Charakter? Der medial erfahrene Publikumsliebling schüttelt den Kopf. Durch das Wissen um die kulturelle Vergangenheit habe gerade hierzulande die Kultur einen besonderen Stellenwert inne. Denn in der gegenwärtigen Krise wird weltweit bekanntlich zuerst an der Kultur gespart. Zwei Ausnahmen fallen nach Hope hier auf: Deutschland und besonders Österreich, wo die Wertschätzung den Kunstschaffenden gegenüber vorbildlich sei.

Apropos Deutschland: Die Fernsehlandschaft der Nachbarn erkor ihn in den letzten Jahren gerne zum moderierenden Musiker. Klassik erklärt aus dem Mund des Praktikers. Wie wurde man auf seine Entertainer-Qualitäten aufmerksam? Dass er journalistische Triebkräfte hat, wurde ihm schon als Herausgeber der Schulzeitung im südafrikanischen Durban bewusst. Dann das eigentliche Geschäft: Yehudi Menuhin förderte ihn während und nach dem Studium am Londoner Royal College of Music. 2002 folgte er dem Ruf des immer umtriebigen Menahem Pressler (unlängst gab der 89-jährige Pianist sein Wiener Solodebüt). Hope wurde der letzte Geiger des legendären Beaux Arts Trios. Woran er bei dem Ensemblegründer denkt? “Wenn Pressler spielt, ist er einfach Musik. Dieses Gefühl kann nur er verbreiten.” Daneben die internationale Solokarriere. Zum Fernsehen kam er aus purem Zufall. Ein Regisseur bei Arte bat ihn während Dreharbeiten, nicht nur zu spielen, sondern auch zu moderieren. Und es hat Spaß gemacht.

Immer wieder Wien. Auch persönliche Gründe zogen ihn hierher, lebt doch die Mutter seit 20 Jahren mit ihrem zweiten Mann, dem Sänger Benno Schollum, in der Stadt. So schließt sich der Kreis zur komplexen Familienhistorie, Hope bezieht sich väterlicherseits auf katholisch-irische Vorfahren, mütterlicherseits führen die Wurzeln ganz deutlich nach Wien. Genauso wie nach Berlin. Die deutsch-jüdische Provenienz wurde der Familie zum Verhängnis. Ribbentrop persönlich enteignete einen Urgroßvater und machte dessen Berliner Villa zur Dechiffrierstation der Nazis. Der andere, seines Zeichens erfolgreicher Journalist, begrüßte den Machtwechsel. Bis er merkte, dass er “Volljude” war und Selbstmord beging. Der Urenkel feiert im heutigen Deutschland große Erfolge. Gibt es Schatten der Vergangenheit? “Ich liebe das Land, arbeite gerne dort, aber Wien gibt mir die nötige Distanz zur Familiengeschichte.”

“Ich habe das Gefühl, dass oft 300 verschiedene Projekte gleichzeitig durch meinen Kopf schwirren. Ich schnappe etwas auf, manches liegt Jahrzehnte, vieles wird verwirklicht.” Beispielsweise sein unlängst veröffentlichten Album “Spheres”: Schon als Kind liebt er sein Teleskop, über Yehudi Menuhin lernte er den US-Astronomen Carl Sagan kennen und erfuhr von Sphärenmusik, neulich hörte er eine Radiosendung darüber, und währenddessen entstand das Konzept für die Aufnahmen. Es ist Musik zum Ausspannen, fernab des tagtäglichen Wahnsinns. “Wo wir doch so klein in der Milchstraße sind, müssen wir uns die begründete Frage stellen, was es noch da draußen gibt.”

What’s Still Timeless About ‘Seasons’
The Wall Street Journal, 23.08.2013

By DANIEL HOPE – I first experienced Vivaldi as a toddler at Yehudi Menuhin’s festival in Gstaad, Switzerland, in 1975. One day I heard what I thought was birdsong coming from the stage. It was the opening solo of “La Primavera” from the “Four Seasons.” It had such an electrifying effect that I still call it my “Vivaldi Spring.” How was it possible to conjure up so vivid, so natural a sound, with just a violin?

Opinions of Vivaldi divide between those who adore and those who despise him. Ask the average person if he recognizes a classical melody, however poorly hummed, and he will probably nod enthusiastically at the second theme of “Spring” from the “Four Seasons.” On the other hand, Igor Stravinsky summed up the case for the other side when he quipped, “Vivaldi wrote one concerto, 400 times.”

Yes, Vivaldi was incredibly prolific. Nonetheless, his most famous work remains his “Four Seasons.” To understand this masterpiece, it helps to shed a little light on the rise and fall of one of the greatest violinists of the 18th century. Born in Venice in 1678 into a desperately poor family, Vivaldi chose the priesthood early on—it offered good chances of advancement. But his plans were scuppered when his severe asthma meant that he was unable to conduct long masses and because, gossip has it, he would nip out for a glass of something during the sermon.

What changed his life forever was an unusual job offer. In 1703 a Venetian orphanage, the Ospedale della Pietà, which provided musical training to the illegitimate and abandoned young daughters of wealthy noblemen, asked Vivaldi to direct its orchestra. Vivaldi understood immediately that he had a unique ensemble at his disposal. Many of his greatest works were written for these young ladies to perform. Very soon, all Europe was enthralled.

He remained there for 12 years and, after an itinerant period working in Vicenza and Mantua, returned to Venice in 1723. The 1720s were a difficult time. The bursting of the “South Sea Bubble” triggered a recession that spread across Europe. Vivaldi needed an income. So in 1723 he set about writing a series of works he boldly titled “Il Cimento dell’ Armonia e dell’invenzione” (“The trial of harmony and invention”), Opus 8. It consists of 12 concerti, seven of which—”Spring,” “Summer,” “Autumn” and “Winter” (which make up the “Four Seasons”), “Pleasure,” “The Hunt” and “Storm at Sea”—paint astonishingly vivid, vibrant scenes. In “Storm at Sea,” Vivaldi reached a new level of virtuosity, pushing technical mastery to the limit as the violinist’s fingers leap and shriek across the fingerboard, recalling troubled waters.

In the score, each of the four seasons are prefaced by four sonnets, possibly Vivaldi’s own, that establish each concerto as a musical image of that season. At the top of every movement, Vivaldi gives us a written description of what we are about to hear. These range from “the blazing sun’s relentless heat, men and flocks are sweltering” (“Summer”) to peasant celebrations (“Autumn”) in which “the cup of Bacchus flows freely, and many find their relief in deep slumber.” Images of warmth and wine are wonderfully intertwined. When the faithful hound “barks” in the slow movement of “Spring,” we experience it just as clearly as the patter of raindrops on the roof in the largo of “Winter.” No composer of the time got music to sing, speak and depict quite like this.

Vivaldi’s fame spread. He received commissions from King Louis XV of France and Rome’s Cardinal Pietro Ottoboni. When Prince Johann Ernst returned to his court at Weimar from an Italian tour, he brought with him a selection of Vivaldi’s earlier, 12-concerto “L’Estro Armonico” (“Harmonic Inspiration”) and presented it to the young organist Johann Sebastian Bach. Bach was so taken with the music that he rearranged several of the concertos for different instrumentation. A legend was born. Johann Friedrich Armand von Uffenbach exclaimed: “Vivaldi played a solo accompaniment—splendid—to which he appended a cadenza which really frightened me, for such playing has never been nor can be: he brought his fingers up to only a straw’s distance from the bridge, leaving no room for the bow—and that on all four strings with imitations and incredible speed.”

But Vivaldi’s fame was eventually to become his greatest enemy. People said that “Il Prete rosso” (“the red priest,” due to his flowing red locks) was surely in league with the devil—seducing those poor defenseless orphans, whose corsets he untied with a mere flick of his bow. The pope threatened him with excommunication. Suddenly, he was out of fashion. Once again he was broke. In May 1740, he headed to Vienna, where Emperor Charles VI had once offered him a position. He died there a year later, and was buried in a pauper’s grave.

Centuries passed. Dust gathered on the red priest’s music. A revival of sorts began when scholars in Dresden began to uncover Vivaldi manuscripts in the 1920s. But what really redeemed him was the record industry. Alfredo Campoli released a live recording of the “Four Seasons” in 1939. But, at least indirectly, the greatest revival of the “Seasons” occurred thanks to Hollywood. Louis Kaufman, an American violinist and concertmaster for more than 400 movie soundtracks, including “Gone With the Wind” and “Cleopatra,” recorded the “Four Seasons” for the Concert Hall Society. It won the 1950 Grand Prix du Disque.

Today the “Four Seasons,” with more than 1,000 available recordings, are not just rediscovered—they are being reimagined. Astor Piazzolla, Uri Caine, Philip Glass and others have all created their own versions. In Spring 2012, I received an enigmatic call from the British composer Max Richter, who said he wanted to “recompose” the “Four Seasons” for me. His problem, he explained, was not with the music, but how we have treated it. We are subjected to it in supermarkets, elevators or when a caller puts you on hold. Like many of us, he was deeply fond of the “Seasons” but felt a degree of irritation at the music’s ubiquity. He told me that because Vivaldi’s music is made up of regular patterns, it has affinities with the seriality of contemporary postminimalism, one style in which he composes. Therefore, he said, the moment seemed ideal to reimagine a new way of hearing it.

I had always shied away from recording Vivaldi’s original. There are simply too many other versions already out there. But Mr. Richter’s reworking meant listening again to what is constantly new in a piece we think we are hearing when, really, we just blank it out. The album, “Recomposed By Max Richter: Four Seasons,” was released late last year. With his old warhorse refitted for the 21st century, the inimitable red priest rides again.

article appeared August 23, 2013, on page C13 in the U.S. edition of The Wall Street Journal



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2014


Daniel Hope liebt die ganz besondere Schwingung
Westfälische Nachrichten, 21.02.2014

Steinfurt – Violinvirtuose Daniel Hope hat jetzt zweimal die Bearbeitung von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ von Max Richter in der Bagno-Konzertgalerie gespielt. Mit unserem Redaktionsmitglied Hans Lüttmann sprach er darüber.

Mr. Hope, Sie haben Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ einmal „eines der heiligsten Stücke der Musikgeschichte“ genannt. Was bedeutet das nun für einen Violinisten?
Daniel Hope: Dass er es wie kaum ein anderes Stück in- und auswendig kennt, ja, dass es sich sozusagen in sein Gehirn eingebrannt hat. Ich selber spiele es seit meinem achten Lebensjahr. Und eben hier im Bagno bei der Zugabe, wo wir das original Vivaldi-Presto aus dem Sommer gespielt haben, puh, da hatte ich echte Probleme, nicht wieder in die Richter-Komposition zu rutschen.

 

Als Max Richter Sie gefragt hat, ob Sie seine recomposed, also neu komponierte Fassung aufnehmen wollten, was bedeutete das?
Hope: Vor allem ganz viel üben. Was Richter da komponiert hat, ist zwar annähernd 90 Prozent Richter, aber oft liegt seine Komposition doch nur einen Hauch neben dem Original.
Eröffnet so ein Stück modern interpretierter Klassik eigentlich auch jungen Leuten den Zugang zu einer Musik, die sie oft als altbacken und verstaubt abtun?
Hope: Oh ja, wenn ich an eines unserer Konzerte neulich in London denke, da waren viele 25-, 30- und 35-Jährige, die diesen Vivaldi total toll fanden. Man muss dazu auch wissen, das Max Richter in England sehr populär ist.

Anders ist doch sicher auch dieser kleine Saal, der gerade mal 250 Zuhörern Platz bietet?
Hope: Aber das macht überhaupt keinen Unterschied; ich liebe diese kleinen Säle. Ich möchte natürlich die Carnegie Hall nicht missen, aber hier, wo ich schon zum ich glaube fünften Mal spiele, da spüre ich diese Vibes, ich weiß kein deutsches Wort dafür, diese ganz besondere Schwingung.
Etwas Besonderes klemmt da ja auch auf Ihrem Notenständer, ein Heft ist es nicht.
Hope: Nein, das ist ein iPad. Unten habe ich Fußpedale, mit denen ich die Noten weiterblättern kann. Eine wirklich tolle Sache, eine App für zweifünfzig, aber da stecken ganze Partituren drin.

Distant Drum
Classic Feel (en), 01.05.2014

While Daniel Hope was recently on a short visit to Cape Town, Lore Watterson caught up with this multifaceted artist and talked to him about the many different projects he is involved with, including A Distant Drum, which he is preparing together with his father (the South African author Christopher Hope). This portrays the musical history of a dark time for South Africa, but one lit by defiance, music, wit and style.

“I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way”

Lore Watterson: You are celebrated in the media as a British violinist, looking at your history, how do you see yourself?

Daniel Hope: That’s a very good question actually. I see myself as European. Of course I’m South African born, so my soul is here, it always has been. But I spend so little time here, you know we left when I was a baby, I grew up in England so I sound English and I went to school there, so my earliest influences and musical abilities are all associated with London. But I’ve lived out of the UK for so many years. When I was 18 or 19 I went to Lübeck to study, and then to Hamburg. Then I went to Amsterdam, and now I live in Vienna so I’ve always had this peripatetic existence, but Europe is where I really feel at home. I don’t tend to differentiate between where that is, I just love Europe. I love travelling, I love coming back here and I love travelling to other places but my old soul is Europe. And certainly German-speaking Europe because, on my mother’s side, there is such a strong German connection.

LW: You have published books in German about a Jewish family living in Germany. Is it about your mother’s family?

DH: Yes, it was a very strong Jewish family going back to the 15th century in Potsdam and Berlin, and they converted to Christianity in the 19th century, as many did, and were fiercely patriotic Germans until the Nuremburg Gazette where they were no longer Germans. As a result they lost everything and had to flee, so most of them came to South Africa, some to America, but my grandmother came here.

LW: How important is the ‘Jewishness’ in your family?

DH: For me personally, it is very important because it’s at least half of my identity. On the other hand I’m an extremely unusual mixture; my father is Roman Catholic, my mother is Protestant, although she has this very strong Jewish background. On the Jewish side, in particular my mother’s family, and the first book I’ve written is about the family and the house in Berlin, which is a fascinating house and the story of what happened to this house. It took me on a journey to discover more of my Jewish roots and they go back so far, back to the first rabbi of Potsdam. We were actually related, so there’s no escape from my Jewish roots. I don’t identify myself as Jewish although I have great empathy towards the Jewish religion and to that genetic makeup in me.

LW: There are lovely traditions that are part of celebrations…

DH: Absolutely, and the music of course: the violin is one of the ultimate instruments. The whole idea of children singing with their mothers, the accompanying violin is always present. It’s something very close to the Jewish soul and I identify greatly with that.

LW: Besides writing, I see you’ve done some very interesting projects with Klaus Maria Brandauer, for example, you performed Dietrich Bonhoeffer’s letters together.

DH: They’re amazing, they are the letters from Aus der Haft as he was in the prison in Tegel and awaiting his execution. They are the most extraordinary documents, because on the one hand, they are the letters home to his family where he maintains this angelic reverence; and then there are his diaries where he speaks his feelings and his mind, which are of course terrifying. The juxtaposition of course with Brandauer, who is such a great actor, is that we do performances together where he will read and I will play, and the emotions within the letters and the diaries, I try to match in the music that I play. We have music and text, and we try to bring these genres together. There are moments where I will improvise to his voice, as his voice has the most amazing colours, and then there are moments of pure music and pure text. He is one of my closest friends, we’ve worked together for the last 15 years, and for me he’s one of the greatest actors in the world. I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way.

LW: You did Goethe’s Faust as well? Of course Brandauer being such a famous Mephisto.

DH: Yes, we did, and the Soldier’s Tale of Stravinsky. We also did a wonderful evening called Böhmen liegt am Meer, which is a story of the Czech Republic from the middle ages up to present day, with texts by Czech poets and music by Dvořák and Janáček. We’ve also done a Don Juan evening together. We usually meet four or five times a year to do one or two projects. I admire him enormously and he was one of the first great actors I worked with, and the first one to try new forms of presentation and trying to find a hybrid. That’s actually why I’m here in Cape Town for this new project I’m doing with my father, which is also going to be a totally new form of music and visual presentation.

It’s a project for Carnegie Hall, they’re doing a big South African festival in October this year, which will be 18 or 19 days with an amazing collection of South African artists, musicians, dancers etc. They’re all being shipped over to Carnegie Hall. Carnegie came to me about a year ago and asked me to come up with something, whatever I wanted, as long as it was big. So the first person I called was my dad, and I told him it was time we did something together. I’ve always admired his writing and I’ve always wondered if there was a way for us to get together. He was thrilled at the idea, so I told him to come up with the story and then we’d piece it together from there. He came back and told me there was someone he wanted to write about, and that was Nat Nakaza. He was one of the great literary voices of the 60s. He was with Drum magazine, and was forced out of this country and went to New York, but he became disillusioned with America and killed himself. So my dad had always been fascinated by Nakaza’s story and wanted to find a way to tell the story. I was only too pleased and said I’d get the music together. I went to Carnegie Hall, they loved it. I told them I’d love to, in a sense, create a modern day South African soldier’s tale. You take the idea of a piece to be sung, danced, semi-staged, so it’s not music theatre, or an opera or a concert – it’s a tale that’s told and somehow illustrated with music. All of this based on Nat Nakaza. Carnegie took it like a shot, so I called Andrew Tracey and asked him to be a musical guide, as I needed help to get the sounds of that time. We decided we needed two actors, so we chose John Kani’s son, Atandwa Kani, who is very talented – he will play Nat Nakaza. The second actor is a fantastic young Afrikaans actor named Christiaan Schoombie and he will be the counterpart, almost like the devil quality. We have a wonderful theatre producer, Mannie Manim, and it will be played in Bloemfontein on the 13th and 14th of October this year, and the Carnegie Hall performance will be the 28th of October. After that I’d like it to go around the world as I think it has the potential to be something very special. I believe Nakaza is not as well known as he should be, perhaps even forgotten about, and yet his wit, energy, rhythm and take on life and apartheid was so singular. His humour and his restraint, was yet so biting. My father has written this beautiful, poignant, dramatic play, and it’s my job to bring these people together. I have some fantastic musicians as well, such as Jason Marsalis, brother of Wynton Marsalis, as well as a young French cellist, François Sarhan, who works a lot with Sting. So that’s the reason I’m here; My father turned 70 yesterday, and I’m meeting up with Mannie.

LW: Why did you choose Bloemfontein?

DH: We have an excellent director, Jerry Mofokeng, and one of his main gigs is at the theatre in Bloemfontein. Tom Morris, who also did War Horse, is very interested in taking it.

LW: I’ve interviewed a lot of musicians, and what I found very interesting about you is that you manage to do it with your music and you are breaking out doing other things as well. Is that something you feel, that you need different outlets other than playing the violin?

DH: Yes I do, and we were raised that way by my father, to always have an opinion. He encouraged us to write, and I started at the age of 14 or 15 (writing for school papers), and I quickly realised writing was an extension of music for me. When I made my first few CDs I interviewed the composers and wrote the booklet text, which at the time was very unusual. Early in my 20s I started the Theresienstadt Project (also known by its Czech name as Terezín), a garrison town 60 km north of Prague, the central collection point or ghetto for between 50 000 and 60 000 Czech Jews) and interviewing survivors. This all led to what I do now, I am now writing my fourth book, which is about composers who fled Europe and went to Hollywood. I’ve just completed a new album which is coming out at the end of the year, featuring those composers from the 1930s and 40s. I’m going to LA next month to interview some surviving composers from that time.

LW: When you were young, was it your desire to play an instrument, or your parents?

DH: Yes it was me. My parents didn’t know much about music other than that they loved it. We left South Africa because my father’s books were banned here, so we went to England. My father took teaching jobs to make ends meet, but we ran out of money. My mother had trained as a secretary in SA, and she went to an agency who had two job offers, one being the secretary to Yehudi Menuhin. It was meant to be just for six months but six months became 26 years, and so in a split second our lives changed. Had that not happened we’d be living in South Africa and things would be very different. So my mom would take me with her to work everyday, which was Yehudi’s house, and I would listen to the music all day, and not just Menuhin’s – it was the people who came there, like Ravi Shankar. At the age of four, it was probably not a great surprise when I said I’d like to be a violinist. My mom found a lady nearby who specialised in teaching young kids and I started with her and that’s what ignited that spark. Then when I was about 15, Menuhin took an interest as he realised I was actually serious about this. Then when I was 18, I realised I didn’t just want to be a violinist, I wanted to be a musician.

LW: …and so much more than ‘the British violinist Daniel Hope’. CF

So many strings to his bow…
www.stgeorgesbristol.co.uk/so-many-strings-to-his-bow/ (en), 18.08.2014

From bestselling albums and intoxicating live performances, to books, films and charitable projects, Daniel Hope is so much more than a violinist. His appearances at the Bristol Proms have left audiences breathless and charmed in equal measure, for Daniel’s exquisite skill with the violin is matched by his warm stage presence and ability to really connect with an audience. It is some twelve years since Daniel was last on stage at St George’s, so his return is long overdue; and it is in these interim years that the musician, writer, producer and activist has truly made his name.

In October St George’s becomes the focus of four nights of live broadcasts by BBC Radio 3 as the Brahms Experience unfolds. With concerts by Skampa Quartet, the BBC Singers and pianist Stephen Kovacevich, not to mention a sojourn to Colston Hall with the BBC National Orchestra of Wales, it’s a week-long celebration of one of classical music’s more misunderstood and underestimated composers. Brahms is so much more than a magnificent beard, or that lullaby…

Daniel’s contribution takes in one of Brahms’ closest friends and greatest muses, the violinist Joseph Joachim; with music by both, alongside works by Mendelssohn and Schumann.

We caught up with Daniel last month to discuss who Joseph Joachim was, why he’s so important to Brahms’ music and what audiences can expect from the concert in October.

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Daniel, we’re so looking forward to having you with us in October; when was the last time you performed at St George’s?

It was quite a while ago; it was with Paul Watkins and Philip Dukes, we did a Theresienstadt programme. This was probably twelve years ago… at least.

What can you tell us about this long awaited next visit?

It’s an homage to Joseph Joachim, who was the most instrumental and important violinist I think of the nineteenth century. He was somebody that, in so many ways, defined what the violin meant. Firstly he taught over five hundred students, he created the Royal Conservatory in Berlin; he famously introduced the young Brahms to the Schumann family and he was the one who rediscovered the Beethoven Violin Concerto. He made a very conscious decision, having studied Mendelssohn, when Mendelssohn died he moved in a sense to the other side, to Liszt – he became his concert master – and broke very famously with Liszt and crossed again to the other side and that was Schumann, Brahms and Dvořák, all of whom wrote violin concertos for him, including Max Bruch, and that’s why we have those concertos and we don’t have a violin concerto by Wagner, by Liszt. So he was really a forerunner in so many ways, his programming was exceptional; it was what we call ‘cutting edge’ nowadays, mixing genres, putting in symphonies next to chamber music, next to solo stuff, two hundred years before anybody else was doing it and he was a composer in his own right. So the concert looks at all these different influences; it looks at his composition, it looks at pieces that were written for him and it looks at his friends, so Mendelssohn, Brahms, Edvard Grieg…

But despite all of that, it’s a name that not many people would actually recognise? Is Joachim overlooked or forgotten?

I think, you know, at the end of the day it is composers whose names go down in history not interpreters, and that’s the way it is; and I think that’s the right thing because, you know, the composers write things that stay and we’re there to interpret them and share them. There was a time where everybody knew Joachim, but times have changed and his style of playing, his way of doing things I think fell out of fashion at the beginning of the twentieth century – even though he was the first violinist to actually record. There are rolls from 1904 of him, wax rolls, you can actually hear him, it’s amazing. So he was actually pretty advanced, but he belonged to the old guard and he was superseded by glittering violinists like Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, Mischa Elman… It became more about the personality and the brilliance and the perfection, and less about the communication and the feeling of the music. So I think it was just time that took its toll on his name really. And yet there are so many hundreds of pieces that we have because of him, thanks to him.

And this concert is of course part of a five night celebration of Brahms… Is he a composer you enjoy performing?

I absolutely adore Brahms, I just couldn’t live without Brahms… I mean, his chamber music is just incredible; the piano quartets, the piano trios, the piano quintets, the sextets… where do you start and where do you stop? I just can’t get enough of it and I play a lot of his music; I’m touring two piano quartets next year. It’s got something which is so personal and so emotional, and yet it’s controlled as well; that’s the thing about Brahms, he’s a master of control and there’s just nothing quite like it. And, you know, Joachim was – for the most part of his life – his closest musical friend and they broke, split, and then at the end of their lives got back together and the present he gave Joachim was the Double Concerto. I mean what a present! So Joachim really accompanied his whole life and when Brahms thought of the violin, he was thinking of Joachim.

Do you think that Brahms is underestimated as a composer?

I think maybe he’s not everybody’s cup of tea, although he never was, funnily enough. Menahem Pressler, of the Beaux Art Trio, the pianist, he told me he went to play for Darius Milhaud back in the early forties and Mihaud asked him what he’d like to play. He said ‘I have some Debussy’ and Milhaud said ‘Great’, and then he said ‘I have some Brahms…’ and Mihaud said ‘Brahms?! Ha, that Beerhouse composer?!’ I’d never heard Brahms referred to as a Beerhouse composer, but there were people who thought he was unsophisticated and I think some of his works are overlooked; and yet look at the symphonies, look at the violin concerto, look at the piano concertos, to name a few.. incredible. He was such a perfectionist; it was once said that he threw a number of his works into the fire, apparently another four of five violin sonatas, cello sonatas, all the rest of it… he was never happy. But for me, if I had to really choose a genre it’s the chamber music; the chamber music is so incredibly broad, from the sonatas – violin, piano, cello sonatas – the clarinet trio, the horn trio, piano quartets, piano quintets… it’s one piece after the next, every single one is a masterpiece, every one, and that’s amazing.

You’re doing this concert with Sebastian Knauer, with whom you’ve worked a lot – are those kinds of ongoing collaborations important to you?

Very. I’ve worked with Sebastian for twenty years now, we’re very close friends and we travel a lot around the world and he’s a phenomenal pianist and a great musician, great partner. We devise these programmes ourselves, we sit down and work out what we want to do and how we want to do it. Particularly for Brahms you need to have a fine pianist, because these sonatas really the emphasis is on the piano; Brahms was a master pianist himself and so the piano in a sense controls the pieces. So you need to have somebody who has weight and who has real knowledge and also an empathy to it. Brahms was born in Hamburg and Sebastian comes from Hamburg as well; it’s a particular place and he feels very close to him, so I wouldn’t want to do this programme with anyone else.

St George’s of course has a fantastic acoustic; how important is a venue to your performance? Can it inspire you?

Absolutely, I mean there’s nothing nicer than when it all connects; the venue, the audience, the programme and the connection between the audience and what you get back from them – it’s a two-way conversation that’s going on. I do remember the concert we did at St George’s and I remember this magnificent acoustic, and it being very flattering for string players; you have this resonance there, but not too much, so the instruments can really sing and I think for this programme it will be just ideal.

You’re well known for a kind of ‘Musical Activism’… what other issues are out there which would benefit from a bit of musical activisim?

A lot, I mean where do you start? One thing that I think is fascinating and which is extremely important is music therapy, and what music can actually do… That’s not activism, that’s just helping, in a sense; disabled people, autistic children, senile people, alzheimers. It’s incredible the effect that music can have. People who literally don’t know anything anymore – who they are, who their loved ones are – will suddenly recite a song for you with perfect lyrics. There’s something about the connection between the brain and music which I think is amazing; the same with Autistic children, it’s had an incredibly beneficial effect on their peace of mind and on their development. So I think that’s something which needs to be pushed, actually; we need more soloists to get in on it and help and use their names to do things like that. I would link that to music education, as the next biggest problem around the world because it’s just been cut from most curriculums. So that’s a major thing that I spend a lot of time on, working for other children’s charities at children’s concerts or a number of different organisations within Europe that give instruments to kids, or give them the chance to come into contact with music – and not just classical music, music in general, music, dance, singing. Those sorts of things I’m involved with and I do a lot for the music of the composers that were murdered by the Nazis; for example, I made a film about Theresienstadt that came out last year and just this week I did a concert in Munich – a benefit concert – fundraising for families of these composers, to support them. The list is long and there are a lot of very worthy causes and I think it doesn’t take all that much actually to give a bit of help here and there.

And away from that, what’s coming next for you?

I’m about to launch a big new album for Deutsche Gramophon, it’s called Escape to Paradise and it’s about the composers who fled Europe and went to Hollywood and created the ‘Hollywood Sound’. It starts in fact before they were forced out, so it starts with the eleven year old Korngold, with bits of his Pantomime and then it goes into his Violin Concerto and then it goes into the film music of the thirties and forties, so there’s things like Ben-Hur, there’s Suspicion the Hitchcock film, then it also looks at Hanns Eisler and Kurt Weill and Franz Waxman, and I have a couple of very special guests on the album. Sting is singing a song by Hans Eisler and there’s a German chanson singer called Max Raabe who is singing a Kurt Weill song. So it’s a very broad mosaic of, in a sense, a search for the Hollywood Sound – where did it come from, and this whole European tradition which was forced out and created something very special. So that comes out in September and there’s lots of projects linked to that, touring, recording, writing, producing, filming… all sorts.

We understand you also play the Saxophone… are we likely to see you at St George’s doing a Sax recital any time soon?

(laughs) I did at some point, when I was about thirteen or fourteen. You wouldn’t want to hear it, put it that way!

Exil „Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft.“
Süddeutsche Zeitung (de), 25.08.2014

DANIEL HOPE ÜBER
Exil „Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft.“ „Das Letzte, was ich wollte, war Champagner trinken. Aber es gab kein Entrinnen…“ „Ich habe mir eine Zeitmaschine verschafft, damit ich die Musik besser verstehe.“ Zur Person

Interview: Gabriela Herpell

SZ: Sie sind in Südafrika geboren, in London aufgewachsen, leben in Wien. Wo gehören Sie hin?

Daniel Hope: Wenn ich meine Zugehörigkeit wirklich definieren müsste, würde ich mich wohl als Europäer bezeichnen. Aber meine ersten 20 Jahre habe ich in London verbracht, habe also die klassische englische Erziehung genossen. Ich spreche wie ein Brite, ich verfolge die englischen Nachrichten, gucke BBC, obwohl ich lange schon nicht mehr in London lebe.

In der deutschen Sprache gibt es das Wort Heimat, das sich auf ein reales Zuhause genauso beziehen kann wie auf ein geistiges.

In diesem Sinn wäre eben Europa und nicht England meine Heimat. Ich fühle mich genauso wohl in Deutschland, England oder Österreich – wo ich jetzt wohne – wie in Spanien oder Frankreich. Obwohl man natürlich auf große Unterschiede zwischen den Ländern trifft. Gerade das finde ich schön. Das fehlt mir in Amerika, so gern ich auch dort bin.

Das klingt fast zu vernünftig. Spüren Sie keine Zugehörigkeit durch die frühen Prägungen? Sie haben dieselben Fernsehserien geschaut, die gleichen Kinderbücher gelesen wie andere Engländer, nicht wie die Franzosen.

Ich habe in vielen Ländern gelebt und die jeweiligen Eigenarten schnell adaptiert. Ich habe in Lübeck studiert, das Norddeutsche ist mir sehr vertraut. Durch das erste Buch, das ich geschrieben habe, „Familienstücke“, habe ich die Verbindung zu Deutschland erst richtig wahrgenommen.

In dem Buch beschreiben Sie die Suche nach Ihren Urgroßeltern in Berlin. Was ist passiert?

Mein Großvater wurde Anfang 1934 von der SS in Berlin zusammengeschlagen. Er arbeitete am Deutschen Theater als Lichtregieassistent bei Max Reinhardt. Er hat sofort gewusst, was los war, hat seinen Koffer gepackt und Deutschland verlassen. Max Reinhardt sagte noch zu ihm, kommen Sie nach Hollywood, ich werde einen schönen Film machen. Den „Sommernachtstraum“. Mein Großvater sagte, dass er sich geehrt fühlte, aber so weit wie möglich weg wollte von Hitler. Hollywood hat ihm nicht gereicht, darum ging er nach Südafrika.

Ging er allein?

Seine Eltern haben nicht geglaubt, dass es so schlimm kommen würde. Seine Mutter ist 1939 in letzter Minute aus Deutschland weg. Mein Urgroßvater konnte sich nicht vorstellen, Deutschland zu verlassen, und nahm sich lieber das Leben, als das aufzugeben. Das Buch ist vor sechs Jahren erschienen. Seitdem vergeht kaum ein Tag, an dem mein Leben nicht in irgendeiner Weise zu diesem Buch in Beziehung gesetzt wird.

Wie meinen Sie das?

Neulich, nach einem Konzert in Düsseldorf, stand mir ein Mann gegenüber, dessen Vater der Anwalt meiner Urgroßmutter war. Er ist im Buch erwähnt, aber ich kannte ihn nicht. Das stärkt natürlich meine deutschen Wurzeln sehr.

Haben Sie durch die Arbeit an dem Buch Heimat dazu gewonnen?

Eine seelische Heimat, genau. Ich kann die schmerzhaften Erfahrungen, die meine Familie gemacht hat, spüren. Seit 1930 sind in unserer Familie alle Exilanten. Ich verstehe jetzt, was das heißt. Und habe Frieden damit geschlossen. Ich freue mich, in Deutschland zu sein, in Deutschland zu spielen, in Deutschland Musik zu machen. Meine Urgroßeltern waren ja auch ungeheuer patriotisch.

Das macht die Geschichte besonders tragisch.

Beide Urgroßväter haben im Ersten Weltkrieg für Deutschland gekämpft, beide waren hochdekoriert und liebten die deutsche Musik, die Literatur. Sie haben sich mit dem Judentum gar nicht identifizieren können. Ihre Familien sind Mitte des 19.Jahrhunderts konvertiert. Allerdings geht unser Stammbaum zurück bis zum ersten Rabbiner von Potsdam. Dazu kommen irisch- römisch-katholische Vorfahren. Sie sehen, ich kann mich nur als Europäer fühlen.

Wenn man so viel unterwegs ist wie Sie, hat man nicht das Bedürfnis nach einem Platz, der so etwas wie eine Heimat ist?

Das ist im Prinzip Wien. Die Musikstadt. Ich liebe es, an den Häusern vorbeizugehen, in denen Mozart oder Dvořák oder sogar Vivaldi gelebt haben. Ständig an die Musik erinnert zu werden, die ich täglich spiele. Obwohl – seit wir ein Kind haben, seit acht Monaten also, ist meine Heimat bei ihm. Wir sind sehr viel zusammen gereist. Und er hat das sehr gut weggesteckt. Das wird nicht immer so bleiben.

Die Österreicher können auch ganz schön abweisend sein, oder erleben Sie das nicht?

Oh ja. Die Wiener sind speziell. Aber ich bin genauso direkt wie sie. Man darf sich nicht einschüchtern lassen.

Darf man in London auch nicht, oder?

Absolut nicht. Aber dort beruht die Distanz auf Zurückhaltung, nicht auf Konfrontation. In der U-Bahn in London sagt niemand etwas. Doch wenn man den Menschen näherkommt, stößt man auf eine sehr freundliche Welt. Die Engländer gehören zu den höflichsten Menschen überhaupt.

Glauben Sie eigentlich, dass man das Exilantentum in der DNA hat? Und dass Sie sich deshalb leicht anpassen können?

Ich glaube, dass der Krieg die Nachkommen derer, die geflohen sind, genauso nachhaltig geprägt hat und immer noch prägt wie die Nachkommen derer, die umgekommen sind oder die sich schuldig gemacht haben. Meine Mutter ist in Südafrika aufgewachsen, mit Englisch als Muttersprache. Deutsch wurde nie mehr gesprochen in der Familie. Über Deutschland wurde auch nicht mehr gesprochen. Dieser Teil der Vergangenheit existierte nicht.

In letzter Zeit haben Sie viele Konzerte mit Musik aus Theresienstadt gegeben.

Ich bin, zusammen mit den Sängern Anne Sofie von Otter und Christian Gerhaher, auch nach Theresienstadt gefahren, wir haben Zeitzeugen getroffen und einen Film dort gedreht. Wenn man sich nur vorstellt, was aus der Musik geworden wäre, wenn diese vielen jüdischen Musiker damals überlebt hätten… Es fehlt einfach eine ganze Musikrichtung im 20. Jahrhundert.

Sie selbst leben ja, weil Ihre Vorfahren geflohen sind und überlebt haben.

Genau. Nach den vielen Jahren, in denen ich die Musik der Menschen gespielt habe, denen die Flucht nicht geglückt ist, wollte ich mich mit der Kehrseite beschäftigen. Also fing ich an zu lesen, ich habe Klaus Manns Exilliteratur gelesen, besonders wichtig war natürlich „Escape to Life“. Ich habe Thomas Mann gelesen, Hanns Eisler, und ich flog nach Los Angeles, um mich mit der Schönberg-Familie zu treffen, die immer noch in Arnold Schönbergs Haus lebt. Ich habe sie besucht, es wurde Wiener Schnitzel serviert, Sachertorte und Kaffee mit Schlag. Da stand immer noch der Stuhl von Arnold Schönberg, auf dem er saß, wenn er unterrichtete. Ich hatte das Gefühl, im Los Angeles von 1940 zu sitzen. Und wieder spürte ich, was es heißt, sich im Exil zu befinden.

Wie lang recherchieren Sie für ein solches Album?

Zwei, drei Jahre. Es war eine sehr intensive Zeit. Ich habe mich durch die Archive der Paramount Studios gewühlt. Und mit Leuten aus der Zeit gesprochen, mit 95-Jährigen, die erzählt haben, was Los Angeles bedeutet hat damals.

Wer war dabei?

Walter Arlen. Er ist 94, Komponist, floh 1939 aus Wien nach Los Angeles und wurde dann Kritiker der Los Angeles Times. Er war in jedem Konzert, er kannte all die Komponisten, die auf dieser Platte sind, persönlich. Der Pianist Menahem Pressler wiederum kannte noch Franz Waxman, der 1934 aus Deutschland geflohen war und in Hollywood Filmmusiken komponierte. Ohne diese persönlichen Informationen hätte ich mich nicht getraut, die Musik aus der Zeit nachzuspielen. Ich habe mir eine Zeitmaschine verschafft, damit ich die Musik besser verstehe.

Was ist an der Musik schwer zu verstehen?

Es gibt so viele Vorurteile der Filmmusik gegenüber. Man hält sie für banal. Aber das könnte nicht weiter entfernt von der Wahrheit sein. Ich habe ja nicht „Fluch der Karibik“ oder „Transformers“ aufgenommen. Sondern wirklich die Musik aus jener Zeit. Und die Komponisten mussten diese Musik schreiben, um zu überleben. Dabei waren gerade sie damals musikalisch auf einem ganz anderen Weg.

Auf welchem Weg?

Weg von der großen Symphonie. Denken Sie nur an Schönberg. Oder Korngold. Sie empfanden sich als Vertreter der musikalischen Moderne. Aber die Studiobosse wollten die große Symphonie von ihnen, und so wurden sie festgehalten in ihrer Entwicklung. Der Tonfilm war neu. Man brauchte einen Soundtrack. Der Hollywoodklang der Dreißiger- und Vierzigerjahre kam im Grunde aus Europa, das finde ich so spannend. Korngold hat komponiert, um Geld zu verdienen, mit dem er seine Verwandten aus Europa nachholen konnte.

Waren die meisten der Filmkomponisten jüdische Emigranten aus Europa?

Nicht nur die. Die Instrumentalisten auch. Das vervollständigte natürlich den europäischen Klang. Die Studioorchester damals in Hollywood waren mit den besten Musikern besetzt, viele von ihnen europäische Juden. Wenn man ein Violinsolo von 1935, 36, 38 hört, ist das oft Toscha Seidel. Oder Louis Kaufman. Kaufman allerdings wurde in Amerika als Sohn rumänischer Juden geboren. Ein schlauer Hund. Er hat die „Vier Jahreszeiten“ wiederentdeckt und populär gemacht. Vivaldi war vollkommen in Vergessenheit geraten. Louis Kaufman spielte die „Vier Jahreszeiten“ mit dem Klavier ein und machte daraus einen Riesen-Schallplattenhit. Da ging das Vivaldi-Fieber los, in Hollywood.

Aber das ist eine andere Geschichte. Einer der bekannteren Komponisten auf Ihrem Album ist Erich Wolfgang Korngold, geboren in Wien. Er galt schon mit elf Jahren als Wunderkind.

Und er ist für mich die Schlüsselfigur hier. Ohne ihn sind viele Filmkomponisten gar nicht denkbar. Und sein Violinkonzert ist eine alte, große Liebe von mir, weil Jascha Heifetz das so unglaublich gespielt hat, für mich der größte Geiger. Auch er hat Hollywood ja sehr geprägt.

Perfektes Zusammenspiel, wie bei Glenn Gould und den Goldberg-Variationen?

So ähnlich, ja. Ich habe das Stück schon gespielt, weil ich es so liebte, aber nur für mich, privat. 25 Jahre lang. Jetzt bin ich älter geworden und etwas mutiger. Da dachte ich, ich fange mal an, es auf Konzerten zu spielen. Und habe gemerkt, wie genial dieses Stück ist. Wie es spiegelt, was in Korngolds Leben los war: die Zerrissenheit. Ihm war immer klar, dass er Musik für Filme genauso lang komponieren würde, wie Hitler an der Macht sein würde. Dann würde er anknüpfen an die Musik, die er vorher komponiert hatte. Das Violinkonzert sollte sein Comeback werden.

Sie spielen auf dem Album auch eine Filmmusik von Ennio Morricone, die Musik von „Schindlers Liste“ und die von „American Beauty“. Wie passt das zu Ihrem Konzept?

Mich hat interessiert, wie groß der Einfluss der emigrierten Musiker auf den Hollywood-Sound war. Da kam ich auf Alfred Newman, amerikanischer Jude aus Brooklyn, der als der Pate der Hollywoodmusik gilt. Er komponierte die Musik für „Der Glöckner von Notre Dame“ und „Sturmhöhen“. Von ihm war es nicht weit zu seinem Sohn, Thomas Newman, der die Musik für „American Beauty“ komponiert hat, für mich eine der besten Filmmusiken überhaupt. So ging ich weiter, zu Ennio Morricone. Er war auch nach Amerika gegangen, zwar nicht im Krieg, sondern später. Aber er kam als unbekannter Orchestermusiker aus allerärmsten Verhältnissen. Und hat den Hollywoodklang ganz neu definiert.

Haben Sie ihn auch kennengelernt?

Ja, aber in einem anderen Zusammenhang. Das war hier, im Palace Hotel, ganz zufällig. Ist schon ein paar Jahre her. Hier steigen ja traditionell viele Musiker ab. Ich kam todmüde hier an, sah nur, dass nebenan der Raum voll mit Champagner trinkenden Menschen war. Das Letzte, was ich wollte, war Champagner trinken. Da stand auch schon Mstislaw Rostropowitsch vor mir, der russische Cellist, und sagte: „Mein Freund, komm rüber.“ Da gab es kein Entrinnen.

Sie haben doch Champagner getrunken.

Klar! Und er hat mich seinem Freund Ennio Morricone vorgestellt. Ich dachte, mein Gott, so was kann nur hier im Palace Hotel in München passieren. Dann hielt Rostropowitsch eine Rede, wie nur er sie halten kann, mit tausendmal zuprosten und anstoßen. Und sagte, mein großer Freund Morricone, ich freue mich jetzt schon darauf, dass du mir ein Cello-Konzert schreibst. Alle applaudierten. Es war klar, dass es nur eine Frage der Zeit sein würde, bis er das bekam. Denn er hat immer alles bekommen, was er wollte. Daniel Hope wurde am 17. August 1973 in Durban, Südafrika, geboren. Bald schon zog seine Familie nach Paris, dann nach London. Dort arbeitete seine Mutter bei Yehudi Menuhin. Der vierjährige Sohn begann, Violine zu spielen, und wurde später von Yehudi Menuhin unterrichtet. Mit elf führte Hope zusammen mit Menuhin Bartók-Duos für das Deutsche Fernsehen auf. Heute arbeitet er mit den großen internationalen Orchestern und Dirigenten, dirigiert viele Ensembles von der Geige aus und ist berühmt für seine Vielseitigkeit. So verbindet er oft Text und Musik, wie bei den Konzerten mit Musik aus Theresienstadt. In seinem Buch „Familienstücke“ (2007) ergründete er die Geschichte seiner Urgroßeltern in Berlin. Am 29. August erscheint sein neues Album: „Escape to Paradise – The Hollywood Album“.

Musik hat überlebt
Augsburger Allgemeine Zeitung, 30.08.2014



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