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My tribute to Yehudi Menuhin

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Concert Reviews



2016


Menuhins musikalischer Enkel
Der Tagesspiegel, 23.04.2016

Hommage an einen großen Geiger

Daniel Hope und das Konzerthausorchester mit einer Hommage an Yehudi Menuhin, zum 100. Geburtstag des großen Geigers.

Kein anderes Werk hätte es sein können: Der 16-jährige Yehudi Menuhin spielte es noch mit dem Komponisten selbst ein, eine Aufnahme von hinreißender Intensität. Und auch kein anderer Interpret hätte es sein dürfen: Die Hommage an Yehudi Menuhin zum 100. Geburtstag im Konzerthaus wird durch das Violinkonzert von Edward Elgar eröffnet, gespielt von Daniel Hope, der sich als „musikalischen Enkel“ des großen Geigers bezeichnet. Mit Recht; rührt ihre menschlich-musikalische Beziehung doch von Hopes frühester Kindheit her. So umweht eine besondere Aura diese Interpretation.

Iván Fischer am Pult des Konzerthausorchesters stellt von den ersten Tönen an unmissverständlich klar: hier wird Erinnerungskultur betrieben mit einem Werk, das selbst nostalgisch Abschied von seiner Epoche nimmt. So liegt ein kostbarer Wehmutsschimmer selbst über dem scharf geschnittenen Anfangsthema, etwas „Tristanisches“ in zumeist abwärts geschwungener Melodik. Transparent bietet Fischer die opulent besetzte Einleitung; bedächtig nimmt Hope sein erstes Solo, lädt es durch starkes Vibrato sofort emotional auf. Doch wie sehr sich die Geige auch durch das auf- und abschäumende Geschehen klagt, fleht, schmeichelt: Hier geht es nicht um Überredung, um kitschverdächtige Herz-Schmerz-Effekte. Viel zu intelligent baut Hope seine Kantilenen dafür auf, steuert zielbewusst leidenschaftlich-virtuose Ausbrüche an, vollzieht klare Phrasierung innerhalb der großen Bögen des Dirigenten.

Daniel Hopes Kadenz: eine Insel der Meditation

Besonders berührt die Kadenz im thematisch weniger konsistenten Finalsatz: eine Insel der Meditation inmitten halsbrecherischer Läufe, in der Daniel Hope betörend süße Flageoletts aufflattern lässt, kleine Melodiefetzen, Vogelrufen gleich, bis nach rasanten Trillerketten die wilde Jagd wieder beginnt. Mit Maurice Ravels nachdenklichem „Kaddish“ beantwortet Hope den Publikumsjubel, „in memoriam Yehudi Menuhin“.

Kann das noch übertroffen werden? Bartóks „Konzert für Orchester“ zeigt sich anders auf der Höhe der Zeit. Schmerzlichen Erinnerungen trotzt der Komponist, der im USA-Exil elend zugrunde ging und zu dessen letzten Unterstützern noch Menuhin zählte, mit Ironie. Fischer stellt die Ausdrucksextreme mitsamt ihren Brechungen, immer von klarer Struktur getragen, virtuos heraus: Eindringlich die Flötenrufe mit anschließenden Streicherausbrüchen in der „Elegie“, köstlich das „Spiel der Paare“ mit Fagotten, Klarinetten, Trompeten. Schön auch, das Programm mit George Enescus „Prélude à l’unisson“ einer faszinierenden Unisono-Studie, die ahnen lässt, wie sich Menuhins Klangsinn unter diesem großen Lehrer entwickelte.

von Isabel Herzfeld

Daniel Hope et Béchara el-Khoury pour Yehudi Menuhin…
L'Orient - Le Jour, 24.03.2016

Au théâtre des Champs-Élysées, dans le cadre de sa tournée mondiale, le violoniste britannique a présenté avec émotion « Unfinished Journey » du compositeur libanais…

Dans sa tournée mondiale qui compte une centaine de dates et de lieux différents, le grand violoniste britannique Daniel Hope rend hommage à Yehudi Menuhin qui aurait eu cent ans en avril 2016. Le programme n’est pas forcément le même d’une ville à l’autre, mais systématiquement, invariablement et fidèlement, Daniel Hope joue Unfinished Journey de Béhara el-Khoury. Cette pièce avait été commandée en 2009, à l’occasion du dixième anniversaire de la disparition de Yehudi Menuhin. L’autre soir, au théâtre des Champs-Élysées à Paris, c’est la voix nouée par l’émotion que Daniel Hope annonçait la présence dans la salle de Béchara el-Khoury, «compositeur libanais vivant à Paris», et confiait au public, touché et amusé que cela «le rendait nerveux»!

Placée en première partie du concert, entre le bondissant Concerto pour deux violons et orchestre à cordes en la mineur d’Antonio Vivaldi et l’époustouflante Symphonie de chambre d’après le quatuor en ut mineur de Dimitri Chostakovitch, la pièce de Béchara el-Khoury est admirablement interprétée. L’archet de Daniel Hope vibre et frémit tandis que l’Orchestre de chambre de Paris, au meilleur de sa forme, offre au soliste un riche et opulent tapis de cordes. Quand la dernière note meurt, le public retient son souffle. Pas un bruit, un silence absolu se fait dans la salle comme si le temps avait suspendu son vol, avant que n’éclate une incroyable salve d’applaudissements qui porte Béchara el-Khoury sur scène afin de saluer. Pour l’interprète qui maintenant la connaît si bien, cette œuvre du compositeur libanais est «merveilleuse, chaleureuse, un vrai hommage au lyrisme de Menuhin, un voyage de l’Est vers l’Ouest». Quant au compositeur, il dit que «la musique décrit le temps passé à travers une méditation sur le souvenir, sur les images, sur la voix de Menuhin et sur le silence…».

Joyeusement baroque
La deuxième partie du concert s’ouvre avec le Concerto pour violon et orchestre à cordes en ré mineur de Félix Mendelssohn (composé alors qu’il n’avait que treize ans!), œuvre puissante et virtuose où Hope peut donner libre court à son extraordinaire vélocité. Puis c’est Nostalghia pour violon et orchestre à cordes de Toru Takemitsu, compositeur japonais du XXe siècle s’étant fait connaître du grand public par les musiques écrites pour les films d’Akira Korosawa. Le bouquet final consiste en une interprétation extraordinairement contrastée et rafraîchissante de l’Été, extrait des Quatre saisons d’Antonio Vivaldi. Ainsi se termine le concert sur la même note joyeuse et baroque qui en avait fait l’ouverture. Pas facile de diriger et d’être soliste en même temps. Pourtant Daniel Hope réussit à obtenir une homogénéité et une précision grâce à la qualité de communication qu’il entretient avec l’orchestre. Entouré de Deborah Nemtanu, remarquable violon solo qui lui donne la réplique notamment dans Vivaldi, et des membres de l’Orchestre de chambre de Paris, le défi est parfaitement relevé. Quant à Béchara el-Khoury, si apprécié et fêté à l’étranger, souhaitons qu’un jour le Liban lui rende hommage à la hauteur de son immense talent…

 

Zeina SALEH KAYALI

 

Telemann-Festtage – Virtuoser Dialog auf prächtigem Klangteppich
Volksstimme.de, 16.03.2016

Daniel Hope und die Berliner Barock Solisten zogen die Zuhörer bei den 23. Magdeburger Telemann-Festtagen in ihren Bann.
Von Renate Bojanowski
Magdeburg l Als Geburtsstadt von Georg Philipp Telemann ist Magdeburg ein Zentrum für zahlreiche Aktivitäten des großen Barock-Musikers. Die Telemann-Feststage ziehen seit vergangenem Freitag renommierte Künstler in die Stadt. So auch den seit 25 Jahren international gefragten Violinisten Daniel Hope und die Berliner Barock Solisten. Sie versetzten ihr Publikum am Sonntagabend in der ausverkauften Magdeburger Johanniskirche in zwei Stunden andauernden Freudentaumel.

Bereits der Einstieg mit Telemanns Concerto e-Moll für zwei Violinen, Streicher und Basso continuo ließ das Zuhörerherz höher schlagen. Daniel Hope und Bernhard Forck malten mit fein austariertem Ton lebendige Klangfiguren in das Kirchenschiff, plastisch, exzellent durchhörbar und klar.

Mit Vivaldis Concerto a-Moll zogen beide Solisten das Tempo an, begaben sich in einen virtuosen Dialog, während das Ensemble ihnen einen farbenprächtigen Klangteppich dazu webte.

In Telemanns Concerto a-Moll entfaltete Daniel Hope eine betörende Kantilene über die zauberhafte Begleitung. Die Melodie drängte sich zärtlich ins Ohr des Zuhörers und blühte mit der Begleitung auf.

Auch nach der Pause konnten sich die Zuschauer am majestätisch homogenen Streicherklang erfreuen: so, wie er in dem bekannten Doppelkonzert für zwei Violinen, Streicher und Basso continuo von Johann Sebastian Bach erstrahlte. Welche feinfühlige Interpretation, welches grazile Klangbild! Hope, Forck und die Berliner Barock Solisten zogen ihre Zuhörer in den Bann ihrer magischen Virtuosität und Ausdruckskraft. Auch die Farben des Sommers konnten einprägsamer nicht abgebildet werden. Die Berliner Barock Solisten sorgten während der Interpretation des „Sommers“ von Antonio Vivaldi für ein dichtes treibendes Klangfundament, auf dem Daniel Hope jede kleinste Schattierung abbilden konnte: flirrende Hitze, herannahendes Donnergrollen bis hin zum ausbrechenden Unwetter … Hier bündelten sich noch einmal Aussagekraft, Virtuosität und grandiose Spielfreude.

Die Zuschauer jubelten, es gab Bravo-Rufe und Standing Ovations. Dankbar waren sie für die beiden Zugaben, die Daniel Hope, Bernhard Forck und die Berliner Barock Solisten ihnen schenkten.

Music by Holocaust victims grips Linton audience
Cincinnati.com / US Today Net Work, 07.03.2016

They were composers who were murdered by the Nazis. But their music lives on, thanks to artists such as the Grammy-nominated violinist Daniel Hope, who is helping to bring it to life once more.

On Sunday afternoon, Hope and several musical colleagues presented a gripping and moving program of chamber music written by victims of the Holocaust for the Linton Music Series. The intimate concert was held in the First Unitarian Church, Avondale. It was an inspiring afternoon of discovery. Had these artists lived, one could only imagine what their contributions might have been.

This music “was conceived in circumstances that to us was completely unimaginable,” said Hope, a South African-born musician of German-Jewish descent who has championed the otherwise forgotten composers for 15 years.

His program, “Voices Remembered with Hope,” included music by Hans Krása and Gideon Klein, both interned at the infamous Terezin (Theresienstadt), a “model” camp where artists and musicians were sent before being shipped off to die at Auschwitz. There was also music by Erwin Schulhoff, a composer who died in a concentration camp in Bavaria in 1942, including his stunning Sextet for Strings.

The violinist brought together five exceptional artists who played in various groupings: violinist Sigurbjorn Bernhardsson, the Cincinnati Symphony’s former principal cellist Eric Kim, his brother Benny Kim (violin and viola), violist Philip Dukes and cellist Keith Robinson.

You could only marvel at the craftsmanship of a work such as Krása’s “Tanec” (Dance) for string trio, written a few days before his death, performed by violinist Hope, violist Dukes and cellist Eric Kim. Lyrical themes came and went over a driving rhythm, and the reading was both energized and intense. Even without knowing the circumstances, the music had a sad, unsettled undercurrent running through it.

This was also evident in Klein’s String Trio (with the same players). Its slow movement, a set of variations on a Moravian folk tune, was both sophisticated and somber, as if a memorial to the composer’s homeland. The concluding variation in the style of a mournful hymn, had a powerful impact.

Schulhoff’s music (which has also been championed by the May Festival’s James Conlon) formed the rest of the program.

Schulhoff’s Duo, performed by violinist Benny Kim and cellist Robinson, was a remarkable find, with folk-inflected themes and many passages that demanded immense technical virtuosity. The second movement, a “Zingaresca,” featured some Gypsy fiddling, left-hand pizzicatos and other feats. In the third, they traded a haunting melody seamlessly between instruments, to pizzicato accompaniment.

It’s too bad that U.S. Immigration denied pianist Simon Crawford-Phillips’ visa at the last minute. (He was traveling from Sweden.) As a consequence, Hope replaced two planned works for violin and piano with Schulhoff’s Sonata for solo violin. Hope’s performance of the work was mesmerizing, and he communicated with a big, muscular sound. The piece opened with a driving perpetual motion, followed by a soaring slow movement. Its rhapsodic theme unfolded in one long arc to a meditative close in the stratosphere of his instrument. The earthy finale, with a driving, heavy rhythm, was reminiscent of Bela Bartok.

The program concluded with Schulhoff’s Sextet of 1924, with all six string players. (Bernhardsson stepped in for the announced Timothy Lees, who is recovering from a hand injury.) An expansive, four-movement work, it was fascinating for its wide-ranging musical styles, from moments influenced by Debussy to post-romantic Vienna.

A highlight was the “Tranquillo,” which included a low theme in the cellos against fluttering high figures in violins and violas for a magical effect. The “Burlesca” was driving and bold. Its explosive ending, with bows flung high, was a surprise, coming just before the lush and somewhat mournful final movement.

Presented in collaboration with Cincinnati’s Center for Holocaust and Humanity Education, the concert was part of a mini-festival that included a documentary film that Hope helped to produce, as well as a lecture.

Daniel Hope and Chamber Music Society mark Menuhin centennial with thoughtful panache
New York Classical Review, 05.03.2016

Daniel Hope knows how to throw a party.

For the Chamber Music Society of Lincoln Center–and to mark what would have been Yehudi Menuhin’s 100th birthday next month–Hope assembled a slate of works by composers connected to the late artist, who died in 1999.

There’s a strong link between the two violinists: Menuhin taught Hope when he was just nine years old. The program had symmetry: each half began with a Baroque gem (Bach and Vivaldi) and ended with a classic (Mendelssohn and Bartók), with short works from the 20th century in between.

Though Bach’s Concerto in D minor for Two Violins is one of his most popular works, on this occasion it seemed to reach even more vivid heights than usual. With the ensemble standing (except for cellos, lute, and guitar), Hope and Alexander Sitkovetsky led the group in bright, primary colors, encouraging lightness, even though modern instruments were used. The two violinists’ tone in the second movement was a wonder, with finely shaded dynamic levels. The final Allegro—bold and bristling, with vigorous accents—was notable for its detail, enhancing the illusion of an echo between the two instruments.

The four contemporary works were originally dedicated to Menuhin. Arvo Pärt’s Darf ich… (“May I…,” 1995) is a beautiful miniature for violin solo, strings, and a lone bell, the latter played by Ian David Rosenbaum. Benny Kim masterfully handled the robust solo line, which ends with some whistling harmonics sailing over his colleagues’ ethereal tapestry.

Written the same year, Philip Glass’s Echorus for Two Violins and Strings is a loving example of the composer’s typical arpeggiated style. Soloists Jessica Lee and Danbi Um offered gentle, persuasive pulses, gracefully intertwined with the ensemble.

An arresting unison opens Mendelssohn’s Concerto in D minor for Violin and Strings, completed when the composer was just 13 years old. Unlike his later, celebrated fiddle concerto in E minor, this early work is virtually unknown, and it is a marvel. Hope tackled the challenging solo line, and the first movement’s cadenza with daunting bravura.  After the serene middle movement, the exhilarating gypsy dance that follows was arguably the night’s most viscerally exciting sequence, with Hope navigating a perilously fast tempo.

To mark another birthday—Vivaldi would have been 338 the day of the concert—Hope and Kim led an effervescent romp through the Concerto in A minor for Two Violins, RV 522. The ensemble’s sheer exuberance won the day, along with carefully considered phrasing. Daniel Swenberg on guitar (also on lute in the Bach) added both texture and delicate rhythmic trussing.

Also composed in 1995, Shulamit Ran’s Yearning is scored for violin and strings with cello obbligato (the latter masterfully done by Keith Robinson), in a 2015 arrangement made for these forces. Opening tremolos in the cellos and basses were soon picked up by the rest of the group, as the solo violin—here the superb Bella Hristova—began a haunting line that underlined the work’s title. At the conclusion, as Hristova waved the composer onstage, it was heartening to see the composer receive some of the night’s loudest ovations.

In 2009 Hope commissioned Bechara El-Khoury  to write Unfinished Journey, inspired by the title of Menuhin’s 1977 memoir. The Lebanese-French composer’s gorgeous result is a sequence of slow-moving chords for the massed strings, over which Hope spun a series of repeated mournful utterances. Its reflective, sober cast made a fine preface for the evening’s close, a dashing flight through Bartok’s Romanian Dances. One wishes most birthday parties could be this festive.

By Bruce Hodges



2015


Daniel Hope, invité de l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg
Bachtrack, 21.12.2015

Samuel Aznar

Pour ce concert en forme d’hommage à Walter Weller, le chef d’orchestre autrichien décédé cette année et qui devait initialement diriger l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg (OPS) vendredi soir, Marko Letonja, son chef permanent, a souhaité maintenir malgré tout le programme prévu et à en assurer lui-même la direction. Un choix judicieux qui allait donner lieu à un concert de grande qualité, notamment par la présence et le jeu littéralement captivants du soliste de la soirée : le violoniste Daniel Hope.

Le concert commence avec l’élégance et la légèreté souriante de la Symphonie n°66 en Sib Majeur de Joseph Haydn, véritable archétype de la symphonie classique en quatre mouvements (Allegro con brio – Adagio – Menuet – Finale), et qui donne dans son architecture sonore un rôle de tout premier plan aux cordes de l’orchestre. Une fois n’est pas coutume, celles de l’OPS n’en demandaient pas tant pour démontrer la beauté de leur son ainsi que leur parfaite synchronisation, comme si cet ensemble composé d’une quarantaine d’instrumentistes n’en comptait finalement qu’un seul. À voir les regards de complicité entre Charlotte Juillard et Philippe Lindecker, les premiers violons solos de l’orchestre, ainsi que la direction de Marko Letonja, toute en confiance et tranquillité, on se dit qu’il ne peut rien arriver à l’OPS et qu’il est chez Haydn comme s’il était chez lui, dans la douceur du foyer familial.

Puis Daniel Hope fait son entrée pour nous donner sa version du Concerto pour violon n°1 de Max Bruch. Dès le premier arpège de cette œuvre grandiose, on ne peut plus lyrique, le violoniste se distingue par son extrême concentration ainsi que par l’intense expressivité de son jeu : pas une note qui ne soit investie musicalement, pas un geste qui ne soit laissé au hasard, tout concoure à nous laisser captifs de ce musicien au talent exceptionnel. Doué d’une forte présence scénique, à la fois athlétique et généreuse, et d’une technique digitale irréprochable, Daniel Hope séduit aussi par la subtilité de ses nuances piano alors qu’on aurait pu craindre au début que son interprétation, à force d’intensité dramatique, n’en devienne paradoxalement trop démonstrative, trop brute de décoffrage. À ce titre la réexposition du thème principal de l’Allegro Moderato, que le violoniste entame pianissimo subito, comme sortie de nulle part, restera comme le moment de grâce du concert, sorte d’apogée expressive à la limite du silence. Directement enchaîné à l’Allegro suivra l’Adagio, avec sa touchante intériorité, sa beauté triste et consolante en même temps, puis enfin l’Allegro energico, finale détonant et festival de difficultés techniques que Daniel Hope n’aura aucun mal à surmonter, et ce de la plus brillante des manières.

Après la pause, les cordes de l’OPS sont une nouvelle fois mises à l’honneur dans la Méditation sur le choral de Saint Wenceslas du compositeur tchèque Joseph Suk, composée en 1914 sur la base d’un thème populaire datant du XIIème siècle. Une œuvre sublime, profonde, intemporelle, dont l’orchestre parvient sans fioritures à traduire l’émotion pure.

Pour ce qui est des célèbres Variations sur un thème de Haydn de Johannes Brahms, on reste en revanche sur notre faim ; peut-être est-ce la longueur redondante de l’œuvre, avec ses multiples reprises, ou bien les changements de tempi d’une variation à l’autre qui déstabilisent l’orchestre et lui font perdre en énergie comme en précision (particulièrement dans les variations II et V)… Une subite baisse de régime que Les Préludes de Franz Liszt en clôture de programme viendront contrebalancer d’une fraîcheur nouvelle, due à l’engagement sonore des cuivres de l’OPS mais surtout à la puissance évocatrice d’une œuvre en forme de « poème symphonique », à la fois plus libre et inventive qu’une symphonie traditionnelle.

Daniel Hope spielt Vivaldis „Jahreszeiten“ – inklusiver neuer Version
kreiszeitung.de, 13.12.2015

Bremen – Von Ute Schalz-Laurenze. Der 42-jährige britische Geiger Daniel Hope ist zu Recht weltberühmt: Mit grenzenloser Klangvariabilität kann er in emotionale Bereiche vorstoßen, die ihresgleichen suchen und die nicht vielen Geigern zugänglich sind. Gleichzeitig ist er unermüdlich tätig in der Vermittlung der Gleichwertigkeit unterschiedlicher Musikstile. Sechsmal der Echo-Klassik, der europäische Kulturpreis 2015 und die Nachfolge von Roger Norrington als Leiter des Zürcher Kammerorchesters sind nur einige der verdienten Folgen seiner Persönlichkeit. In seinem gut besuchten Konzert in der Bremer Glocke lieferte er nun einen erneuten Beweis seines beglückenden Könnens. Kaum zu glauben, dass es ihm gelang, Antonio Vivaldis oft abgenudelte Violinkonzerte „Die Jahreszeiten“ in einer Frische und Spontaneität zu spielen, als höre man das berühmte Werk zum ersten Mal. Die Bilder der dazugehörigen Sonette, die er vorher rezitierte, erstanden in fast greifbarer Realität: so die glühende Hitze des Sommers, das Ausrutschen auf dem Eis, die bellenden Hunde, das fliehende Wild und vieles mehr. Das kann man kaum besser machen, mit welcher tastenden Suche sich Hope auf den Weg in die Klangfarben aufmacht. Oder wie besessen er den erregten und wilden Zugriff spielt: die exlosive Freude des Frühlings oder die aggressiven Attacken der Jäger. Manchmal ist seine Intonation gefährdet, aber das klingt fast absichtlich, weil er es versteht, die Musik sozusagen im Spielen zu suchen.

Tango, Blues und Teufelstanz
Reutlinger Nachrichten, 31.10.2015

Schräg und wild, zart und richtig bluesig: Das Top-Solisten-Trio Sabine Meyer, Daniel Hope und Sebastian Knauer markiert vor 700 Besuchern einen Höhepunkt im Kammermusik-Zyklus. Riesenbeifall, zwei Zugaben.

von OTTO PAUL BURKHARDT

Kleiner Rückblick gefällig? Es war im November 2012, als Daniel Hope schon einmal hier konzertierte – damals noch in der Listhalle. Jetzt am Donnerstag beehrte der Ausnahme-Geiger wieder den Kammermusik-Zyklus, nun sogar mit der Weltklasse-Klarinettistin Sabine Meyer und erneut mit dem damaligen Pianisten Sebastian Knauer, allesamt mehrfach grammy- und echo-preisgekrönt. Eine Wiederbegegnung also: Kein Wunder, dass Daniel Hope nun den “wunderschönen Saal” der neuen Stadthalle ausdrücklich lobte.

Wer Hope & Meyer bucht, bekommt kein Allerwelts-Programm, sondern eine bedacht konzipierte Werkauswahl. So auch jetzt beim Konzert vor knapp 700 Besuchern. In wechselnden Besetzungen spielte das Trio Werke aus der Zeit von 1918 bis 1940. Kompositionen, die zumindest einen Impuls gemeinsam haben: weg von der üppig wabernden Spätromantik, weg vom sphärischen Impressionismus, weg von Wagner, weg von Debussy. Und zurück zu kleinen Besetzungen, zu klaren Konturen, zu einer musikantischen Wiederbelebung der überladenen Klassik durch Einflüsse aus Volksmusik und Jazz, Unterhaltungs-, Varieté- und Zirkusmusik.

So trug das Programm eher antiromantische Züge und enthielt statt dessen viel rhythmische Energie, tänzerische Heiterkeit und folkloristische Farbe. Strawinskys “L’Histoire du Soldat” (1918) passt da gut rein: Schon von der sparsamen Originalbesetzung her (sieben Musiker, vier Akteure) ist es ein Gegenpol zu exuberantem spätomantischen Orchestersound. Doch die “Geschichte vom Soldaten” ist auch Musiktheater und Jahrmarkts-Spiel. Und ganz ohne Text und Schauspiel (Hope & Meyer spielten eine reduzierte Trio-Fassung) büßt das Werk doch an Ausstrahlung ein – auch wenn sich Hope mit schroff gerockten Doppelgriffen und einer perkussiven Kadenz bemühte, um die konvulsivischen Zuckungen des Soldaten beim Teufelstanz zu illustrieren.

Ganz anders Ravels Sonate für Violine und Klavier G-Dur (1923/27): Hier zeigte Hope seine ganze Klasse, feinfühlig, wenn auch etwas pedallastig begleitet von Sebastian Knauer am Flügel.

Allein Hopes Intonationskunst ist ein Hörwunderland: delikat bis vital, zart bis herb, fragil bis kraftvoll. Und Hand aufs Herz: Im Vergleich zur oft pauschalen, auf dauerromantisch oder dauervirtuos getrimmten Attitüde mancher fernsehbekannter “Star”-Violinisten eröffnet Hopes Nuancenreichtum – edler, schlanker Ton, intelligente, expressive Phrasierung – ganz andere, weitere Horizonte. Wobei Hope auch mit geschlenzten blue notes loslegen kann, so, dass selbst Branchen-Profis wie Stéphane Grappelli schwer aufgehorcht hätten.

Schließlich Milhauds “Scaramouche” (1937), ein Paradebeispiel für schräges, polytonal geschärftes Latin-Kolorit. Großartig, wie hier das Trio mit swingendem Esprit und pointierter Ironie zur Sache ging. Hope in rhythmisch akzentuierter Spiellust, und Sabine Meyer mit hingehauchten Kantilenen, aber auch mit virtuoser, mitreißender Fulminanz – exzellent. Toll zudem, wie Sabine Meyer es versteht, Musik auch körperlich umzusetzen: Ihr Spiel ist immer auch ein bisschen Tanz, und immer wieder lässt sie, symbolisiert durch eine kleine Handbewegung, Klänge und Töne gleichsam in den Raum hinein fliegen. . .

Neben Saties “Gnossiennes” (meditativ: Sebastian Knauer) und Milhauds Suite (Hope als temperamentvoller Kaffeehaus-Stehgeiger) standen vor allem Bartóks “Kontraste” (1940), in Auftrag gegeben vom legendären Jazzklarinettisten Benny Goodman, im Zentrum des zweiten Konzertteils. Ein Werk “mit magyarisiert jazzoiden Elementen”, wie es der Musikwissenschaftler Heinrich Lindlar einmal beschrieben hat.

Beeindruckend, wie das Trio hier – in Distanz zum oft spröden, kantigen Bartók-Idiom – einen ganzen Kosmos an “weicheren” Tonfällen entdeckte: folkloristische Vitalität, klangsinnliche Raffinesse und jazzig aufgemischte Turbulenz. Hauchzart bis ungestüm, kurz: mitreißend. Riesenbeifall und zwei Zugaben – beide von Schostakowitsch.

Ein Abend, der hielt, was er versprach
Rheinische Post, 30.10.2015

Stadt Kempen

Stadt Kempen.  Sie waren schon häufiger in Kempen und kommen nach eigener Aussage auch immer gern wieder: Sabine Meyer (Klarinette), Daniel Hope (Violine), und Sebastian Knauer (Klavier). Aber als Trio traten sie in der Paterskirche erstmals gemeinsam auf. Da sie alle drei nicht nur hervorragende Solisten, sondern auch exzellente Kammermusiker sind, durfte man dem Abend mit Spannung entgegensehen. Und die Erwartungen wurden nicht enttäuscht: das ausverkaufte Konzert fand ein begeistertes Publikum. Von Gert Holtmeyer

Zuvor war ein großes Problem entstanden. Als Pianist hatte Alexandre Tharaud zugesagt, der dann leider ernsthaft erkrankte. Fast hätte die geplante Tournee abgesagt werden müssen. Aber Zufall, Freundschaft und guter Wille brachten eine Lösung: Sebastian Knauer, langjähriger Klavierpartner und Freund von Daniel Hope, opferte seinen Jahresurlaub und sprang ein.

Mit Strawinskys eigener Bearbeitung seiner “L’histoire du soldat” wurde schon zu Beginn klar, das der Abend hielt, was er versprach. Teils heiter, teils motorisch stampfend, teils Furcht erregend teuflisch im “Danse du diable” ließ das Trio immer neue Klangfacetten erklingen. Davon, dass “der Mann am Klavier” (O-Ton Hope) ausgetauscht worden war, war nichts zu spüren. Hier hörten drei erfahrene Kammermusiker aufeinander und wussten genau, wer wann in den Vorder- und wann in den Hintergrund zu treten hatte.

Alle drei blieben auch als Solisten ihrem guten Ruf nichts schuldig. Hope bot zusammen mit Knauer eine fein durchdachte Interpretation der G-Dur-Violinsonate von Maurice Ravel. Großartig, wie im Blues der Geigenton modifiziert wurde, wechselnd zwischen bewusst spröde und farbig intensiv. Das abschließende Perpetuum mobile wurde zu einem packenden Feuerwerk. Ein virtuoses, zugleich ein witzig-originelles Stück schuf Darius Milhaud mit “Scaramouche”. Der Titel bezieht sich auf einen Widerling in der venezianischen “Commedia dell’arte”, einen Angeber und Intriganten. Ursprünglich für zwei Klaviere geschrieben, klingt auch die Fassung für Klarinette und Klavier sehr reizvoll.

Wie Hope versteht sich auch Sabine Meyer darauf, die Ausdrucksskala ihres Instruments voll auszuloten. Zwischen sinnlich verführerischen Klängen über witzig skurrile Passagen bis zu bewusst abschreckend schrillen Höhen wurde keine Nuance ausgelassen. Ebenso fabelhaft gelang die Wiedergabe von Milhauds Suite op. 157 b. Dass Knauer als “Nur-Begleiter” unterfordert sei, wie Hope scherzhaft kommentierte, stimmte natürlich nicht. Aber auch seine solistischen Beiträge waren ausgesprochen beachtlich, er begeisterte das Publikum mit zwei sehr sensibel interpretierten schwermütigen “Gnossiennes” (Nr. 1 und 4) von Erik Satie. Nach der furiosen Wiedergabe von Béla Bartóks “Kontrasten” (Sz 111) war als Zugabe noch eine witzige Polka von Dmitrij Schostakowitsch zu hören.

Diese Frau hat mehr als drei Gesichter
Frankfurt Neue Presse , 31.07.2015

Beim Rheingau-Musik-Festival auf Schloss Johannisberg spielte der Geiger Daniel Hope Werke der  Komponistin Lera Auerbach. Sie selbst saß am Klavier.

Musik ist ein Spiegel, in dem wir uns selbst erkennen können, glaubt die Komponistin Lera Auerbach. Als “artist & composer in residence” wird der Künstlerin in diesem Jahr beim Rheingau-Musik-Festival doppelte Aufmerksamkeit geschenkt. Nun hat sie sich bei einem Konzert auf Schloss Johannisberg vorgestellt.
Die 41-Jährige ist ein künstlerischer Tausendsassa: Sie komponiert, ist ausgebildete Pianistin mit Abschluss in Hannover, hat sich als Literatin einen Namen gemacht, außerdem malt sie und formt Skulpturen. Was Lera Auerbach in Tönen auszudrücken versucht, davon bekam man bei diesem beeindruckenden Konzert eine gute Vorstellung. Sie hat als Pianistin nicht nur drei ihrer Werke gespielt, sondern auch in russisch gefärbtem Englisch ihre Musik auf sympathische Art erläutert.
Schon seit über 20 Jahren ist sie inzwischen in New York zu Hause, ihre Wurzeln im Ural kann sie trotzdem nicht verbergen. Mit dem britischen Geiger Daniel Hope und dem deutschen Cellisten Alban Gerhardt hatte Lera Auerbach zwei hervorragende Musiker an ihrer Seite. Und die braucht es auch, denn sie verlangt den Instrumentalisten einiges an Virtuosität und Ausdrucksvermögen ab. Längst vorbei sind die Zeiten, als Komponisten mit komplexen Operationen die Musik in Sphären geführt haben, wohin ihnen kaum noch ein Zuhörer folgen konnte. Auerbach gelingt es, ihr Publikum direkt anzusprechen und mitzureißen.
Zwar bricht sie die Tonalität mit einigen Dissonanzen auf, aber immer wieder packt sie die Hörer mit markanten Rhythmen und weit ausholenden Melodiebögen. Das ist ihr mit Alban Gerhardt bei der Sonate für Violoncello und Klavier op. 60 wie auch bei der 3. Violinsonate mit Daniel Hope gelungen. Besonders beeindruckend war das 2. Klaviertrio, ein Triptychon mit dem Titel “The Mirror With Three Faces”. In dieser Musik spiegelt sich eine faszinierende Künstlerin, die mehr als drei Gesichter hat.

mgr




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PRESS REVIEWS



2016


My mentor Yehudi Menuhin: ‘I can still hear his beautiful sound’
The Guardian, 29.03.2016

For the centenary of the great violinist’s birth, Daniel Hope, his protege from the age of two, remembers their life on the road – including the time his priceless violin, nicknamed Lord Wilton, went missing.

 

Yehudi Menuhin used to say that I fell into his lap as a baby. Life in 1970s South Africa had become intolerable for my parents, thanks to the apartheid regime. We lived in Durban, where my father co-founded the literary magazine Bolt, publishing poems by writers of many races. From that moment on, his phone was tapped and they were under permanent surveillance. They had no option but to leave the country. My father was only offered an exit permit. This meant you could leave but never return.

They settled in London, where very soon their money ran out. We had nowhere to go. My father, Christopher Hope, was a struggling author. He went on to win the Whitbread Prize, but back then anti-South African sentiment in the UK made it very hard for him to find work, even though he was fiercely anti-apartheid. My mother supported us with part-time secretarial jobs. At the 11th hour, facing calamity, we had some incredible luck. An employment agency offered her a compelling choice of jobs: secretary to either the Archbishop of Canterbury or the violinist Yehudi Menuhin. She had no musical training, but she loved music and admired Menuhin, whom she had heard perform in South Africa.

Coincidentally, my parents had also heard the then-Archbishop of Canterbury, Lord Coggan, preach in South Africa and had been shocked that he did not actively denounce apartheid – so she would never have taken the job with him. The interview with Menuhin lasted two minutes. He asked if she knew the difference between Beethoven and Bach. When she said yes, he asked: “When can you start?” My mother’s association with Menuhin lasted 24 years, right up until his death in 1999.

Our lives changed immediately and for ever. I was two and, for the next eight years, practically grew up in Menuhin’s house in Highgate, London, where my mother would take me to play while she worked. Although we had only just settled in London, Menuhin asked her to come to his summer festival in Gstaad for two months. Her concerns at leaving her family were swept aside. “I would never separate a mother from her family,” Menuhin said. “Bring everyone with you.” And that’s what she did.

I was a kid who could never sit still, so my mother was very surprised to see me silent on the hard pew of the church where rehearsals took place, intent on the music. I was surrounded by artists of all kinds, so in a way it was no surprise when I announced to my parents at the age of four that I wanted to become a Violinist.

The violin was a part of Menuhin. To this day, his sound remains in my ear, so unique and so fascinatingly beautiful. He’d leave his Guarneri del Gesù, a priceless violin made in 1742 and known as the “Lord Wilton”, in an open case on the table; he never put it away. He picked it up and played it almost as if he were drinking a glass of water. He once told me: “One has to play every day. One is like a bird, and can you imagine a bird saying, ‘I’m tired today – I don’t feel like flying’?”

How do I begin to summarise a career that spanned 75 years and made him one of the greatest musicians in history? Perhaps with his debut in 1924 in San Francisco at the age of seven, or maybe his performance in Berlin in 1929, which prompted Albert Einstein to exclaim: “Now I know there is a God in heaven!” Or his legendary recording of the Elgar concerto under the composer’s own baton in 1932. Then there’s his visit to the liberated concentration camp of Bergen-Belsen with Benjamin Britten in 1945; and his highly controversial decision to return to Germany in 1947, where he performed with Wilhelm Furtwängler and the Berlin Philharmonic, the first Jewish artist after the war to do so.

Only seven of Menuhin’s 82 years were not spent on the road. He adored playing and travelling. His wife almost always accompanied him, his children less so. Musically, I learned from him constantly, just happy to have the chance of observing him close up. But it was also testing – an education in the fierce, peripatetic life of the soloist and the kaleidoscopic world of hotels, stages, airports and orchestras they inhabit. The cities to which I was introduced delighted and alarmed in equal measure. Menuhin had been on the road since he was still in shorts, though, and was an expert.

Along with a gentleness that masked an iron will, Menuhin’s humour was inexhaustible. On one occasion, my father was entrusted with taking his Guarneri del Gesù on an Alitalia flight to Rome. Menuhin was at the front of the plane and went straight to the VIP room. When we got to passport control at Fiumicino airport, I asked my father where the violin was. My father looked at me with shock and came out with an expletive. He had left the violin in the baggage compartment on the plane. He ran like an Olympic sprinter back on to the runway and up the stairs of the aircraft – you could do that in those days. When Menuhin heard about the incident, he giggled like a little boy. Thanks to some kind carabinieri, he got his violin back after a tense half-hour – tense for my father, anyway.

I had a few lessons from him as a very young boy, but our real collaboration began when I was 16. By that stage, I had had my own teachers, in particular the great Russian pedagogue Zakhar Bron. Menuhin was curious to see what Bron had been able to achieve with the “boy next door”. His reaction was a mixture of shock and delight, and he suggested we perform together. Over the next 10 years, we played more than 60 concerts around the world: I played, he conducted. The works included Mendelssohn’s early D minor Concerto, which Menuhin famously discovered in 1951, and also many works for two violins, such as the A minor Double Concerto by Vivaldi.

On 7 March 1999, I played Alfred Schnittke’s Concerto in Düsseldorf, conducted by Menuhin. It was to be his final concert. After the Schnittke, Menuhin encouraged me to play an encore. I spontaneously chose Kaddish, Ravel’s musical version of the Jewish prayer for the dead. I had grown up on Menuhin’s interpretation of this work and wanted to dedicate it to him. Menuhin pushed me out on to the stage and sat among the orchestra listening to it. Five days later, he passed away.

Daniel Hope’s album My Tribute to Yehudi Menuhin is out now on Deutsche Grammophon. The Menuhin Competition takes place at venues across London from 7 to 17 April.

 

How European exile composers created the sounds of Hollywood
Deutsche Welle, 16.03.2016

World-renowned violinist Daniel Hope uncovered dusty letters and compositions scribbled on scraps of paper for “The Sounds of Hollywood,” a book and a CD on Jewish immigrant composers who fled to Hollywood in the 1930s.

 

Born in South Africa in 1973, Daniel Hope was raised in England. Yet the violinist has long been curious about his Jewish family, which traces its roots back to Berlin. Fifteen years ago, Hope began to dig more deeply into the biographies of Jewish musicians, especially composers of German and Austrian heritage who migrated to Hollywood. The list was long: Friedrich Hollaender, Erich Korngold, Franz Wachsmann, Max Steiner, Werner Richard Heymann.

His original aim was to uncover music pieces for a new CD recording but it quickly became clear that he’d hit upon an entirely new project. Much as a cultural archaeologist might do, Hope delved into the biographies, archives and personal estates of the artists. Curious, he followed the trail of the immigrants through Hollywood, interviewing their children, grandchildren and surviving relatives. Extensive archives at Paramount Studios in Hollywood turned up an unbelievable treasury filled with hand-written correspondence, scored notes, letters.

“I have read a lot about this period. But it’s quite different to go into these archives and open old, dusty boxes,” Hope said of his time spent with the composers’ history. “Suddenly, you’re sitting there with Erich Korngold’s notes scribbled on a napkin, composing a Viennese Waltz, crossing it out and then recomposing it. You get the feeling at that moment that you’ve really stepped back in time.”

In researching his latest book, “Sounds of Hollywood” (available in German only for now) and the CD of the same name, Hope took an important trip back in time. With the knowledge of each composer’s unique destiny in mind, Hope could make the emotional connection to the music, he told DW in an interview. “There’s quite a bit of melancholy in the music of these emigrants, and a lot of nostalgia.”

 

The talkie boom

There was a substantial need for film composers in Hollywood in the 1930s and 1940s, as the film industry was booming thanks to the advent of the talkie. Some film productions could be likened to an assembly line and studio heads traveled frequently to Europe to acquire the talents – the best of the best.

“They put out their antenna and found Kurt Weill, Hanns Eisler and all of the other great composers who already had an audience and had seen success in Europe,” said Hope.

“These emigrants brought with them the musical offerings by composers like Gustav Mahler and Richard Wagner. They delivered exactly what the studio bosses in Hollywood wanted them to bring: the great, the epic, the symphonic,” he said. The opulent orchestral sounds that we still hear in big Hollywood films today can be traced back to this time.

In his research, Daniel Hope has found parallels to the refugee crisis currently happening in Europe. “It’s not as if Hollywood was standing there with open arms, waiting to receive the migrants and refugees from Europe,” Hope said, alluding to the intense competition within the film industry. “Many of these very talented composers weren’t even named in the credits. They sat together as a group of eight or nine working on a film and delivered every so often a phrase.”

Only the rare immigrant had already made a name for himself that he could use to gain work in the booming film industry. Arnold Schönberg and Igor Stravinsky got generous offers from the West Coast. “But they both turned down the chance to work in the film industry or were themselves turned down because they had completely different ideas about music than the American film producers had,” according to Hope.

 

Hollywood’s information exchange

Schönberg, who developed dodecaphonic music, found the world of film soundtracks fascinating, highly appealing. But he had trouble with the American studio philosophy, which degraded composers as it positioned them as mere service providers, Hope uncovered. “Schönberg wasn’t ready to give up complete creative control, control over his music was used in the direction. As a result, he realized very quickly that it wasn’t something for him.”

The exchange between those who created culture and the European immigrants was lively. Meetings over a Wiener schnitzel or a round of Berlin-style meatballs wasn’t unheard of as the men tried to carry on the coffeehouse traditions of Vienna and Berlin in Hollywood. And in doing so, lots of information was exchanged, from mere gossip to important news about the immigration authorities and current job offers.

The infamous Villa Aurora, where novelist Lion Feuchtwanger and his wife Martha lived, became something of a meeting point, a reception center for those newly emigrated. “He considered himself as something like a godfather to these ‘artists in exile’,” said Hope. In addition to the immigrants, a number of famous actors and personalities, including Charlie Chaplin, came to the villa to meet.

 

A struggle to survive

The majority of the European immigrants who arrived in Hollywood never came into contact with the glamorous side of the film industry. Many struggled to even scrape by, and worried about a lack of money to even cover their basic needs like clothing, rent and food. Most of them had to leave Nazi Germany virtually overnight after Hitler came to power in 1933, leaving everything behind. Daniel Hope stumbled upon moving stories that took place behind Hollywood’s glitzy façade.

Success as a film composer in the US had other downsides as well and could completely destroy an ambitious composer with dreams of recognition. Erich Wolfgang Korngold, who was much celebrated in Europe as a musical wunderkind, never felt accepted or at home in the USA – despite his greatest successes. Korngold won two Oscars for his film soundtracks.

“He was no longer recognized as a serious composer in the classical world and was no longer accepted there,” says Hope. Korngold was accused of having sold his soul. Thomas Mann, himself an immigrant, spoke of so-called “Movie riff-raff.” Film music was considered second- or third-class.

“That’s a bitter pill to swallow,” says Daniel Hope. “These were men who had enormous talent and unbelievable composition skills, who had to struggle to find a way during an emergency situation. Yet they were persecuted for their work in film. That’s a real tragedy.”

Author Heike Mund



2015


Der Geiger Daniel Hope legt die europäischen Wurzeln des “Sound of Hollywood” bloß
Dresdner Neueste Nachrichten, 02.11.2015

Hölle oder Paradies
Der Geiger Daniel Hope legt die europäischen Wurzeln des “Sound of Hollywood” bloß
Von Frauke Kaberka

Was wären “Vom Winde verweht”, “Der weiße Hai” oder “Titanic” ohne ihren Sound? Filmmusik hat sich längst einen besonderen Status als eigenständige Kunstform erarbeitet. Insbesondere Melodien aus Hollywoodproduktionen werden gern in Konzerten gespielt und sind fester Bestandteil von Rundfunkunterhaltungsprogrammen. Nicht jedem aber ist bekannt, dass ihre Wurzeln in Europa liegen. Konkret waren es vor allem jüdische Künstler, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts nach Amerika zogen, um sich in der kalifornischen Traumfabrik eine neue Existenz aufzubauen. Daniel Hope, ein Weltstar unter den Geigern, hat sich auf Spurensuche begeben und mit dem Journalisten Wolfgang Knauer darüber ein informatives Buch verfasst, das eine hochaktuelle Botschaft hat. “Sounds of Hollywood” ist mehr als ein Blick auf die Filmmusikgeschichte aus Hollywood.

Es war im November 2013, als der 1974 in Südafrika geborene Musiker bei einem Sonderkonzert in Berlin auftrat –  zum Gedenken an Künstler, deren Karrieren und Leben vor 75 Jahren nicht nur bedroht, sondern oft auch zerstört  wurden. Mit der Reichspogromnacht begann in Deutschland und dann auch in weiten Teilen Europas die “Entjudung”. Das Konzert am Brandenburger Tor unter dem Motto “Tausend Stimmen für die Vielfalt” wurde untermalt mit großen Bildprojektionen von eben jenen Künstlern, die über Nacht ihre Heimat verlassen mussten. Hope hatte sich bereits vorher mit diesen Menschen und ihrem Schicksal befasst, denn es ist auch das Schicksal seiner Familie. Nun wollte er mehr wissen, ihren Weg nachvollziehen, den sie in der Fremde gingen. Und viele dieser Weg führten über den Atlantik nach Hollywood.

Die aufblühende Filmwirtschaft verhieß nicht nur emigrierten Musikern Sicherheit und Arbeit. Wissenschaftler, Schriftsteller und Dichter, Regisseure und Schauspieler strandeten ebenfalls zuhauf an den südkalifornischen Gestaden, darunter Bertolt Brecht, Lion Feuchtwanger, Franz Werfel, Max Reinhardt, Billy Wilder und viele andere. Doch weder für sie noch für viele Exil-Musiker war es ein leichter Neubeginn. Manche schafften es nie, denn Hollywood wurde mit Emigranten überschwemmt, und Arbeit gab es nicht genug. Zudem fanden einige überhaupt keinen Bezug zum Exil und zum Medium Film, wie Reinhardt, Brecht oder der Komponist Arnold Schönberg. Für Bert Brecht war Hollywood die “Hölle”, für Schönberg hingegen die “Vertreibung ins Paradies”. Einige der Komponisten, deren Spuren Hope folgte, konnten sich trotz großer Erfolge nie mit Hollywood anfreunden, so Erich Wolfgang Korngold, der lieber nur “ernsthafte” Musik geschrieben hätte. Andere wie Max Steiner, der “Vater der Filmmusik”, und auch der jüngere André Previn hingegen hatten ihr Metier gefunden.

Hope, der sich nicht nur durch die Literatur über die berühmten Musiker arbeitete, sondern auch mit ihnen (Previn), Angehörigen (Schönberg) oder Freunden und Kollegen sprach, trug so für sein Buch auch Anekdoten, Bonmots und zudem ein wenig Klatsch zusammen, was den Unterhaltungswert der flott und locker geschriebenen Lektüre sicherlich steigert.

Dass der Geiger den ernsten Hintergrund seiner Recherche dabei nicht aus den Augen lässt, macht das Buch angesichts eines wieder zunehmenden Antisemitismus und einer nicht zu ignorierenden aufkeimenden Fremdenfeindlichkeit besonders wichtig. “Als Angehöriger einer Familie, die in der Nazi-Zeit das Schicksal der Vertreibung erlitten hat, empfinde ich solche Anzeichen als alarmierend”, schreibt Hope. “Umso entschiedener engagiere ich mich für den Ruf nach Toleranz, der bei jenem Konzert am Brandenburger Tor zu vernehmen war, als die Musik derer gespielt wurde, die Opfer der Intoleranz wurden.” Doch er sehe in den Erfolgen jener Menschen im fernen Amerika, die Bahnbrechendes zuwege gebracht hätten, auch einen Funken Hoffnung, “der Mut auf eine bessere Zukunft macht”.
Daniel Hope und Wolfgang Knauer: Sounds of Hollywood. Wie Emigranten aus Europa die amerikanische Filmmusik erfanden, Rowohlt Verlag, 336 Seiten, 19,95 Euro

Überleben in Hollywood
Südwest Presse, 22.08.2015

“Robin Hood hat mir das Leben gerettet”, hat Erich Wolfgang Korngold einmal gesagt.

Der Komponist war für seinen schwarzen Humor berüchtigt, aber dies war kein lockerer Spruch: Nur sechs Wochen vor dem Einmarsch deutscher Truppen in Österreich 1938 folgte Korngold dem Ruf aus Kalifornien, den Soundtrack für den Errol-Flynn-Streifen “König der Vagabunden” zu schreiben. Korngold, der schon zuvor in Hollywood einige Filme vertont hatte, gewann dafür seinen zweiten Oscar – und blieb in den USA, was eben wohl sein Leben rettete.

Denn Korngold war Jude, und seine Geschichte ist eine von vielen, die Star-Geiger Daniel Hope (mit dem Journalisten Wolfgang Knauer) in dem Buch “Sounds of Hollywood” erzählt. “Wie europäische Emigranten die amerikanische Filmmusik erfanden”, lautet der Untertitel. 2014 hat Hope die CD “Escape to Paradise”, eine etwas heterogene, zuweilen sentimental klingende Reise in die Filmmusikwelt vorgelegt – das Buch hängt mit dem Album eng zusammen.

Hope erinnert an eine finstere Epoche: Wie von 1933 an eine kulturelle Blütezeit brutal beendet wurde, wie die Nazis auch im Kulturbetrieb Juden verfolgten. “Morgen muss ich fort von hier”, hieß die letzte Platte der Comedian Harmonists, die eben noch gefeiert wurden, nun Auftrittsverbot hatten.

Fort von hier: Für die Regisseure, Autoren, Musiker und andere Filmschaffende, denen es noch gelang, Deutschland zu verlassen, war Hollywood ein ersehntes Ziel, ein Versprechen. Für Komponisten war die fremde Sprache ein weniger gravierendes Problem wie für andere. Tatsächlich ist die Reihe derer, die – wie Hope belegt – “dank brillanter Einfälle, großem handwerklichen Können und professioneller Erfahrung” ihren Weg machten und auf Hollywood klingenden Einfluss nahmen, bemerkenswert lang. Hope erzählt von Korngold, der vom Wiener Wunderkind zum Hollywood-Meister wurde und dort doch nie ganz glücklich; von Max Steiner, dem “Vater der Filmmusik”; von Friedrich Holländer und Werner Richard Heymann, von Franz Wachsmann und Kurt Weill, der freilich erst am Broadway sein Glück fand.

Für viele ging der Traum einer neuen Karriere allerdings nicht in Erfüllung. Hope vergisst sie nicht, er erzählt von Hanns Eislers Scheitern, von Komponisten wie Erich Zeisl, die nur noch Fußnoten in der Musikgeschichte sind. In Hopes Buch erwacht dabei die Hollywood-Gesellschaft der Exilanten wieder zu Leben, man begegnet Arnold Schönberg und Alma Werfel-Mahler, Thomas Mann, Bertolt Brecht und Bruno Walter.

Recherchen und Reportagen, Gespräche und Anekdoten, Ausflüge auf Friedhöfe und in Archive: Hope schreibt mit Empathie, die Wurzeln des englisch-südafrikanischen Musikers (über die er in “Familienstücke” berichtet hat) liegen in Berlin, auch seine Familiengeschichte ist eine Emigrantengeschichte.

Und er ist ein Musik-Botschafter. Mit seinem Buch will er zeigen, wie viel einst verloren ging, als Künstler vertrieben wurden, weil sie Juden waren. Tröstlich bleibt nur, schreibt er, dass einigen ein neuer Anfang gelang und sie in der Fremde Anerkennung fanden – nicht zuletzt in Hollywood, dessen Klang sie prägten.

‘Träume in Musik’ – BUCH-TIPP
OSTTHÜRINGER ZEITUNG, 10.08.2015

Annerose Kirchner über “Sounds of Hollywood” , verfasst von Stargeiger Daniel Hope

“Die Filmfabrik von Hollywood war der große Traum für viele der zwischen 1933 und 1944 aus Nazideutschland und Österreich geflohenen Künstler. Doch nicht für jeden öffnete sich die Tür zu den Studios. Wer Vielseitigkeit bot wie der Komponist Friedrich Hollaender, der auch als Textdichter, Kabarettist, Revue-Produzent und Musiker seine Kreativität unter Beweis stellte, hatte es leichter.
Sein Schicksal ist nur eines von vielen, das der aus Durban/Südafrika stammende Stargeiger Daniel Hope in seinem Buch “Sounds of Hollywood. Wie Emigranten aus Europa die amerikanische Filmmusik erfanden” (Rowohlt Verlag) aufgreift. Er reiste nach Hollywood, besuchte Schauplätze und traf Zeitzeugen, wie den in Los Angeles geborenen Sohn des Komponisten Arnold Schönberg. Dessen Vater konnte sich nicht für das Filmgeschäft begeistern, vermittelte aber als Lehrer wichtige Impulse.
Komponisten wie Max Steiner ( King Kong ), Erich Wolfgang Korngold ( Captain Blood ) oder Miklós Rózsa ( Ben Hur ) begeisterten das Publikum mit opulenten Orchesterklängen und fulminanten Sounds. Das war neu in den USA und beeinflusste die Musikwelt bis heute. Daniel Hope erinnert auch an das Netzwerk der Exilanten um die Schriftsteller Thomas Mann und Lion Feuchtwanger. Seine Recherchen verbindet er mit der eigenen Familiengeschichte und den jüdischen Vorfahren, die in Berlin lebten.
Hope zeigt auf, was verloren ging in schrecklichen Zeiten und welche Kulturvielfalt in der Emigration neu entstehen konnte. Vor allem wirbt er für Toleranz und Mitmenschlichkeit.”

Daniel Hope wird neuer Leiter des ZKO
Tagesanzeiger, 29.04.2015

Der englische Geiger wird ab der Saison 2016/2017 die musikalische Leitung des Zürcher Kammerorchesters übernehmen.

Nun steht es fest: Daniel Hope wird neuer Musical Director des Zürcher Kammerorchesters (ZKO) und beerbt den 81-jährigen Roger Norrington, der in Zukunft aufgrund seines Alters kürzertritt. Musical Director? Die Bezeichnung ist für das ZKO ungewohnt, aber passend. Denn Daniel Hope ist von Haus aus kein Dirigent – er wird das Orchester als leitender Solist führen.

Mit Hope wird aber nicht nur ein bekannter Musiker unter Vertrag genommen, sondern es hält auch eine neue Generation Einzug. Schliesslich ist der Geiger mit 41 Jahren nahezu halb so alt wie Roger Norrington. Was den Charme des Grand Old Man Norrington betrifft, der gerne auch mal während einer Haydn-Sinfonie Faxen gegenüber dem Publikum machte, schliesst Hope nahtlos an dessen Kontaktfreude an. Sein Buch «Wann darf ich klatschen?» nimmt dem Publikum augenzwinkernd die Angst vor den geheimen Regeln eines elitären Betriebs und schlägt damit in dieselbe Kerbe wie das ZKO. Gespräche mit den Publikum nach, Conférencen während des Konzerts und ungewöhnliche Formate wie Konzert-Lesungen machen das Orchester zu einem flexiblen und publikumsnahen Klangkörper. Der Kommunikator Hope wird diesen Weg weiterdenken.

Geiger mit Weltformat
Bis dahin muss sich das Publikum aber noch eine Weile gedulden. Der britische Geiger mit Weltformat wird seinen Posten erst übernächste Saison antreten. Weshalb sich das ZKO unter der Obhut des Konzertmeisters Willi Zimmermann in der Saison 2015/2016 vorwiegend auf Gastdirigenten und leitende Solisten konzentrieren wird. Maurice Steger, Steven Isserlis oder Gidon Kremer kommen nach Zürich, und Roger Norrington bleibt dem ZKO mit zwei Konzerten verbunden. Aus der jüngeren Generation treten Jan Lisiecki, Vilde Frang oder Olga Scheps in den Ring. Und, wenn schon von Jugend die Rede ist: Die überaus erfolgreichen Nuggikonzerte werden weitergeführt. Ebenso die ZKO-Box, die Konzerte im Kunsthaus, selbst einen Artist-in-Residence wird es mit Fazil Say wieder geben.

Auch die Erfolgsbilanz des ZKO kann sich sehen lassen. Die Besucherzahlen haben um 50 Prozent zugenommen, die privaten Mittel konnten gesteigert werden, und die Geschäftsführung erwartet eine «schwarzen Null» – eine solide Basis für Daniel Hope. Dieser schliesst mit dem Zürcher Engagement übrigens einen Kreis. Als zweijähriger Knirps machte er seine ersten musikalischen Erfahrungen mit dem ZKO, weil seine Mutter ihn an mehrere Konzerte mitnahm – seither gilt er quasi als Erfinder der Nuggikonzerte avant la lettre.

Von Tom Hellat

Der Ausstrahlungsaktivist
Neue Zürcher Zeitung, 29.04.2015

Daniel Hope wird «Music Director» des Zürcher Kammerorchesters

Der Geiger Daniel Hope wird Nachfolger von Sir Roger Norrington beim Zürcher Kammerorchester. Hope soll die internationale Ausstrahlung des Orchesters erhöhen – zulasten der Präsenz in der Tonhalle.

Michael Bühler, der Direktor des Zürcher Kammerorchesters (ZKO), machte es spannend. Wie in einer Fernsehshow liess er die Saisonpressekonferenz seines Orchesters im Hotel «Eden au Lac» zielgerichtet auf den Höhepunkt zulaufen. Zunächst gab es ein Puzzle-Bild zum Raten, dann öffneten sich die Türen, und zum Einzug des Helden, der punktgenau leibhaftig im Saal erschien, hätte bloss noch eine tönende Untermalung im Stil von «We Are the Champions» gefehlt. Ganz schön viel Pomp für eine Personalie, die einige Zürcher Spatzen schon seit längerem von den Dächern pfiffen: Der Geiger Daniel Hope wird neuer «Music Director» des ZKO.

Hope wird seine neue Funktion, die man früher schlicht «Chefdirigent» oder «Künstlerischer Leiter» genannt hätte und in der offenbar genau diese zwei Aufgaben zusammenfliessen sollen, zur Saison 2016/17 antreten. Er schliesst damit die Lücke, die der Rücktritt von Sir Roger Norrington hinterlässt: Norrington will sein Amt als «Principal Guest Conductor» des ZKO zum Ende der laufenden Saison aus Altersgründen abgeben; er wird dem Orchester aber durch Gastauftritte eng verbunden bleiben. Daniel Hope soll dafür bereits jetzt aktiv in die künstlerischen Planungen einsteigen. In der Interimssaison bis zu seinem offiziellen Antritt wird Konzertmeister Willi Zimmermann verstärkt Leitungsaufgaben im Orchester übernehmen.

Für Daniel Hope schliesst sich, wie er nicht ohne Rührung erzählte, mit seiner Berufung ein Kreis in seinem Künstlerleben. Noch in der Ära des Orchestergründers Edmond de Stoutz habe er mit dem ZKO einige wichtige frühe Konzerterfahrungen sammeln dürfen: «Das erste Mozart-Konzert, den ersten Bach – das vergisst man nie», schwärmte Hope. Für die Zukunft hat er sich vorgenommen, zusammen mit dem Geigenkollegen Zimmermann und den weiteren Stimmführern eine «gemeinsame Vision» für das Orchester zu entwickeln. Wie diese konkret aussehen könnte, verriet Hope noch nicht.

Aus der Personalie Hope und einigen Bemerkungen Bühlers kann man aber erraten, wohin die Reise gehen soll. Man zielt offenkundig auf noch mehr überregionale und internationale Ausstrahlung – Hope, der seine vielfältigen Aktivitäten auf seiner persönlichen Website unter Rubriken wie «The Violinist», «The Broadcaster», «The Musical Activist», «The Producer» und «The Author» auflistet, dürfte nicht zuletzt die mediale Präsenz des Orchesters beträchtlich erhöhen.

Schon in der kommenden Saison 2015/16 will man beim ZKO einige Konsequenzen aus Erfahrungen der vergangenen Spielzeiten ziehen. Während die Besucherzahlen bei den Konzerten in der Tonhalle 2013/14 nur geringfügig auf rund 25 000 gestiegen seien, so Bühler, habe man die Gesamtzahl durch Tourneen und Gastspiele auf über 55 700 Konzertbesucher steigern und somit mehr als verdoppeln können.

Dieser Erfolgskurs soll nun durch eine Ausweitung der Aktivitäten in Stadt und Kanton, aber auch über Zürich hinaus fortgeführt werden. Im Gegenzug wird die Präsenz in der Tonhalle bei den Abo-Konzerten – ein unerwartet drastischer Schritt – um ein Drittel, von 15 auf 10 Veranstaltungen, reduziert. Artist in Residence 2015/16 wird der türkische Pianist und Komponist Fazil Say – auch er ein Garant für viel überregionale Aufmerksamkeit.

von Christian Wildhagen

Der coole Schritt ins 21. Jahrhundert
Limmattaler Zeitung, 29.04.2015

Stargeiger Daniel Hope wird Musikdirektor beim Zürcher Kammerorchester.

Endlich, nach dem offiziellen Teil der gestrigen Programmpräsentation liess Direktor Michael Bühler die Bombe platzen: Daniel Hope ist der neue Music Director des traditionsreichen Zürcher Kammerorchesters. Wussten wir das nicht schon, fragen Sie sich jetzt. Gewiss: In dieser Zeitung stand am 29. Januar: «Wird bald ein Geiger das Zürcher Kammerorchester leiten? Vielleicht gar Daniel Hope?» Und der «Tages-Anzeiger» plapperte die Neuigkeit einige Wochen später nach. Jetzt ist es offiziell: Der britische Stargeiger tritt übernächste Saison sein Amt an. Ein Glücksfall für ein um Profil kämpfendes Kammerorchester: Hope ist nicht einfach einer, der ab und zu vorne auf dem Podium stehen und halbdirigierend Violinkonzerte fiedeln wird, sondern er steht für eine Zukunft der Klassik: Neue Projekte, neue Orte, andere Formen, der Miteinbezug von Sprache – alles Dinge, die Hope längst weltweit ausprobiert hat. Und bestens verkauft.

Hope wird allerdings explizit nicht Chefdirigent des ZKO. Als Music Director wird er andere Dirigenten und dirigierende Solisten einladen. Wer deshalb befürchtet, dass dem ZKO nun der vom ehemaligen, 81-jährigen Chefdirigenten Roger Norrington entwickelte Charakter verloren geht, hat vielleicht nicht unrecht. Aber eben: mit einem fixen Dirigenten ist man auch wieder nur ein kleines Tonhalle-Orchester. Mit Hope wird man ein noch flexibleres, noch moderneres Ensemble. Mit Hope hat man zudem einen Kopf, der international Gold wert ist. Schon in der Saison 2015/2016 wird man die Abo-Konzerte um einen Drittel kürzen (neu 10), und vermehrt im Ausland auftreten.

Fazil Say ist dann Artiste in Residence – und Norrington dirigiert zum Glück weiterhin einige Abende. Die Auslastung ist gestiegen, die Eigenwirtschaftlichkeit ebenso. Auch die CD-Produktion läuft, eben ist eine frische Aufnahme von Haydn-Sinfonien erschienen. Kurz: Es sieht gut aus für das ZKO.

von Christian Berzins

Klavierquartette von Brahms, Schumann und Mahler
Aachener Nachrichten, 24.04.2015

„Klavierquartette von Brahms, Schumann und Mahler“ Deutsche Grammophon/Universal

Unter den zurzeit angesagten Geigern ist Daniel Hope sicher einer der respektabelsten. Vielleicht auch deshalb, weil die Seitensprünge des gebürtigen Südafrikaners vom Podium des mit den großen Orchestern der Welt konzertierenden Solisten von so außerordentlicher Qualität sind. Der 41-Jährige hat Alben mit Sting gemacht, mit Sophie van Otter, mit Max Raabe, spielt Jazz und Filmmusik. Er engagiert sich für Amnesty International, äußert sich politisch, gilt nach seiner Zeit beim Beaux Arts Trio als versierter Kammermusiker. Nun lässt er einen Konzert-Mittschnitt aus New  York mit Klavierquartetten vermarkten. Man darf hin- und hergerissen sein.
Der Kopfsatz aus einem unvollendeten Quartett des 16-jährigen Gustav Mahler zeugt von erstaunlicher Reife eines an Schumann und Brahms geschulten Studenten. Und das Ensemble, zu dem sich die PianistinWu Han, der Bratscher Paul Neubauer und David Finckel am Cello gesellen, harmoniert im selten gehörten Werk bestens. Mahlers romantische Seele blüht. Die CD jedoch legt man für Schumann und Brahms ins Laufwerk. Schumanns E-Dur-Quartett ist einfach wunderbare Musik. Hier schon zeigt sich die Krux eines Ensembles, das von einem Weltklasse-Geiger geführt wird. Wenn der Cellist das gesangliche Thema im Andante cantabile anstimmt, ist man gerührt, wenn es Hope wenige Takte später wiederholt, ist man begeistert. Und verärgert zugleich. Denn man hätte doch gern den Eindruck, dass da ähnlich talentierte Musiker zusammenspielten. Nun ist auch Brahms g-Moll-Quartett dank Hopes wunderbaren Impulsen und seiner großen Erfahrung nichts für die Schublade. Im Gegenteil. Irgendwie quillt große Vitalität aus den Boxen, der im Studio aufgehübschte Live-Mitschnitt versprüht unmittelbaren Charme. Immerhin.

Daniel Hope, aventurier des accords perdus
Le Figaro, 21.02.2015

Féru d’histoire, le violoniste livre “Escape to Paradise”, fascinant retour aux sources du “son hollywoodien”

Le Figaro



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toi toi toi

Was tut ein Pianist, wenn ihm mitten im Konzert vor ausverkauftem Haus plötzlich der Flügel wegrollt? Wie reagiert ein Geiger, dem während seines Auftritts eine Saite reißt? Wie soll ein Dirigent sich verhalten, wenn beim Konzert in der vordersten Reihe …

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Audio Interviews

Daniel Hope in interview at Deutschlandfunk


Daniel Hope – Escape to paradise


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2016


«Toll, kommen Sie nochmals!»
Neue Zürcher Zeitung , 14.04.2016

Daniel Hope spürt in Zürich geballte Energie – sie will er mit dem Kammerorchester nutzen

Ab Herbst wird das Zürcher Kammerorchester erstmals von einem Instrumentalsolisten geleitet. Der Stargeiger Daniel Hope will das Orchester international wieder etablieren.
Herr Hope, seit 25 Jahren touren Sie als gefeierter Violinvirtuose rund um die Welt. Warum kommen Sie nun ausgerechnet nach Zürich?
Ich habe eine sehr lange Verbindung zum Zürcher Kammerorchester. Ich bin quasi mit dem Klang dieses Orchesters gross geworden. 1975, noch als Kleinkind, habe ich das ZKO zum ersten Mal gehört. Meine Mutter, die Managerin von Yehudi Menuhin war, hat mich jeden Sommer nach Gstaad zu den Proben des Orchesters mitgenommen. Menuhin und das ZKO unter der Leitung des damaligen Chefdirigenten Edmond de Stoutz haben in Gstaad insgesamt fast hundert Konzerte gegeben, und etwa achtzig davon habe ich miterlebt.
Was bedeutet Ihnen das Zürcher Kammerorchester?
Es ist für mich eine Herzensangelegenheit. Ich habe mit dem ZKO unter Edmond de Stoutz, Howard Griffiths, Muhai Tang und Roger Norrington musiziert. Ich kenne also die ganze Geschichte dieses Orchesters mit den unterschiedlichen Persönlichkeiten seiner bisherigen Leiter. Es ist hochspannend, in dieser Situation nun meinen eigenen Input zu geben.
Wie beurteilen Sie die Qualität des ZKO?
Was mich immer überwältigt, ist sein Klang. Das ist für mich als Geiger das Wichtigste. Ich staune auch, wie sich der Klang im Lauf der Zeit gewandelt hat, angefangen beim satten, schönen Klang bei de Stoutz bis zum extrem reduzierten Klang bei Norrington. Nicht jedes Orchester ist so flexibel. Beim ZKO spielen extrem talentierte Vollblutmusiker, die das einfach können.
Wie kam es zum Vertrag?
Ich war hier 2014/15 Artist in Residence. Als Direktor Michael Bühler mich dann anfragte, als Nachfolger von Norrington die künstlerische Leitung zu übernehmen, habe ich keine Sekunde gezögert.
Roger Norrington war «Principal Conductor», Sie tragen nun den Titel «Music Director». Was ist der Unterschied?
Ich bin kein Dirigent und werde es auch nie sein. Ich bin Geiger und agiere von der Geige aus. Ich leite das Orchester vom ersten Pult aus, oder ich spiele als gewöhnlicher Geiger mit. Zudem laden wir natürlich auch Gastdirigenten ein. Was ich will, ist, Kammermusik im grossen Stil zu machen. Und das Orchester ist es gewohnt, ohne Dirigenten zu spielen.
Wie sieht die Rollenverteilung zwischen Ihnen und Konzertmeister Willi Zimmermann aus?
Willi Zimmermann ist ein sehr wichtiger Bestandteil dieses Ensembles. Es wird Programme geben, die ich als Solist leite, in denen aber Zimmermann als Konzertmeister beispielsweise eine ganze Sinfonie selber leiten wird. Es wird auch Programme geben, die Zimmermann in eigener Regie konzipiert. Wir sind ein tolles Gespann, und ich liebe es, mit ihm zusammen zu spielen. Dies gilt auch für die anderen Musiker, etwa den Cellisten Nicola Mosca oder den Cembalisten Naoki Kitaya, mit denen ich auch ausserhalb des Orchesters zusammen spiele.
Wie soll sich das Profil des Orchesters in den kommenden Jahren entwickeln?
Ich möchte, dass es sich internationalisiert. Das ist ein Teil meines Lebens; ich bin viel unterwegs. Meine Engagements bei Kammerorchestern werden künftig auf das ZKO gebündelt. Statt mit 20 oder 30 verschiedenen Kammerorchestern Konzerte zu machen, werde ich mit dem ZKO in Zürich und anderswo auftreten. Schon in diesem Sommer machen wir eine Residenz beim Schleswig-Holstein-Festival und spielen am Prague Festival, in Südkorea und in China. Ich möchte das Orchester auf der Weltbühne wieder neu etablieren, so wie dies zur Zeit von de Stoutz der Fall war.
Wie werden sich die Programme ändern?
Ich mische gern die verschiedenen Genres miteinander. Deshalb habe ich für die Saison 2016/17 Klaus Maria Brandauer als Artist in Residence angefragt. Auch das neue Format «Director’s Cut» folgt dieser Idee. Zudem ist das ein Gefäss, in dem ich ganz kurzfristig etwas programmieren kann. Da werden Gäste auftreten, die über Zürich etwas sagen können. Ich spüre, dass in dieser Stadt eine geballte Energie vorhanden ist, die ich nutzbar machen möchte.
Wie wollen Sie das ZKO neben den beiden grossen Orchestern – Tonhalle und Philharmonia – positionieren?
Wir sind in einer eigenen Nische. Wir konkurrieren nicht mit diesen Orchestern; das können wir schon vom Repertoire her gar nicht. Wir machen etwas ganz anderes. Ich möchte mit Freunden musizieren. Und ich möchte den Zürchern zeigen, dass die Kammermusik eine Musikform der Zukunft ist.
Glauben Sie, dass Sie neue, jüngere Publikumsschichten gewinnen können?
Daran arbeite ich von morgens bis abends. Dazu habe ich mehrere Bücher geschrieben. Ich produziere jede Woche eine Radiosendung für den WDR, in der ich über Musik spreche. Nach jedem Konzert kommen Menschen zu mir, die mir anvertrauen, dass sie zum ersten Mal in einem klassischen Konzert waren. Sie kamen, weil sie ein Buch von mir gelesen oder etwas von mir gehört haben. Dann sage ich immer: «Toll, kommen Sie nochmals!» Beim ZKO gibt es ein breit gestreutes Angebot an Formaten. Damit können wir ganz unterschiedliche Menschen erreichen.
Interview: Thomas Schacher

Kein Geiger der Welt kann ihn erreichen
Hannoversche Allgemeine Zeitung, 30.03.2016

Daniel Hope über seinen Mentor Yehudi Menuhin, der vor 100 Jahren geboren wurde
Herr Hope, Yehudi Menuhin gilt als einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts. Was unterscheidet ihn denn eigentlich von anderen guten Geigern?
Natürlich gibt es ähnliche Musikerkarrieren, selbst wenn man bedenkt, dass Menuhin ein unglaubliches Wunderkind war. Aber was er nach dem Zweiten Weltkrieg gemacht hat, ist einmalig: Auf der humanitären und sozialen Ebene hat er ungeheuer viel bewegt. Von vielen Dingen, die er angeregt hat, profitieren wir als Menschen und Musiker bis heute. Sein Vermächtnis ist gigantisch, selbst wenn man seine vielen tollen Aufnahmen gar nicht berücksichtigt. Er hat Musik für seine Ideale eingesetzt – und das Jahrzehnte, bevor andere das gewagt haben.

Sehen Sie heute, wo die Konfliktlinien ganz anders verlaufen als nach dem Krieg, Nachfolger von Menuhin, die noch in diesem Sinn arbeiten?
Ich finde, es fehlt drastisch an klassischen Musikern, die bereit sind, sich zu engagieren. Daniel Barenboim ist sicher jemand, der viel bewegt hat, auch wenn er einen ganz anderen Charakter hat als Menuhin. Er kämpft unermüdlich für die Versöhnung – in diesem Fall zwischen Israelis und Arabern. Das entspricht stark Menuhins Gedanken. Der ist 1945 nach Deutschland gekommen und hat für die Überlebenden von Bergen-Belsen gespielt. Andererseits hat er die damals heftig umstrittenen Konzerte mit Wilhelm Furtwängler gegeben, um den Deutschen die Hand zu reichen. Das war vom Grundgedanken seiner Zeit sehr weit voraus.

Glauben Sie denn, dass man mit klassischer Musik überhaupt noch eine Symbolkraft entfalten kann, die wirklich etwas bewegt?
Daran glaube ich fest. Wir haben die Möglichkeit, Menschen zu erreichen. Natürlich kann Musik nicht die Welt verändern. Aber sie kann Menschen dazu bringen, zuzuhören und einen Dialog eröffnen. Gerade die klassische Musik zwingt die Zuhörer, über längere Zeit innezuhalten und über etwas nachzudenken. Deshalb darf man die Macht dieser Musik keinesfalls unterschätzen.

Sie waren schon als Kind im engen persönlichen Kontakt mit Menuhin. Wie kam es dazu?
In Südafrika war mein Vater, der Schriftsteller ist, ein entschiedener Apartheid-Gegner. Darum wurden wir auf eine schwarze List gesetzt. Meine Eltern haben sich damals entschlossen, das Angebot des Regimes anzunehmen, das Land innerhalb von 24 Stunden zu verlassen. Wir sind dann über Umwege nach Paris und letztendlich nach London gekommen. Dort haben meine Eltern irgendeine Arbeit gesucht. Schließlich ist meine Mutter jemandem begegnet, der jemanden kannte, der jemand kannte. Und der leitete eine ziemlich exklusive Arbeitsvermittlung. So konnte sie sich plötzlich zwei Teilzeitjobs aussuchen: Sekretärin des Erzbischofs von Canterbury oder von Yehudi Menuhin. Sie hat sich für Menuhin entschieden. Der Job sollte sechs Monate dauern. Er dauerte dann 24 Jahre.

Was hat das für Sie bedeutet?
Die ersten sieben, acht Jahre bin ich eigentlich in seinem Haus aufgewachsen. Dort war das Büro meiner Mutter, und sie hat mich jeden Tag mitgenommen. So hat sich unsere familiäre Beziehung entwickelt. Das Professionelle kam erst später, nachdem ich bereits begonnen hatte, bei Zakhar Bron Geige zu studieren. Menuhin wollte wissen, was Bronbewirken konnte und war positiv überrascht, dass ich die Geige so ernst genommen habe. Seither hat er mich unterrichtet – und zwar auf Tourneen: Er hat in mehr als 60 Konzerten auf der ganzen Welt dirigiert, und ich habe gespielt. Während dieser Zeit war ich auch in der Lage, etwas mehr von diesem Menschen zu verstehen. Er war eine Schlüsselfigur in meinem Leben, weil er sich politisch positioniert und mich immer ermutigt hat, eine Haltung zu haben.

Bei welchen Gelegenheiten haben Sie das zu spüren bekommen?
In den Neunzigerjahren haben wir zum Beispiel ein Konzert in Wunsiedel gespielt, wo damals das Grab von Rudolf Heß war. Um diese Zeit gab es dort gerade eine Versammlung von Neonazis. Bei unserer Ankunft sagte uns der Bürgermeister, es habe Drohungen gegeben und er rate uns, das Konzert abzusagen, weil er nicht für unsere Sicherheit garantieren könne. Ich werde nie vergessen, wie Menuhin darauf reagiert hat. Man hat ihn sehr selten wütend erlebt. Aber in dem Moment ist er regelrecht explodiert. Er hat gesagt, er werde niemals ein Konzert wegen so etwas absagen. Dann hat er sich zu mir umgedreht und gesagt, ich könne mich frei entscheiden. Natürlich habe ich dann auch gespielt. Das war ein Moment, in dem man ihn in seinem Element erleben konnte.

Die menschliche Größe von Menuhin ist kaum umstritten. Bei seinen geigerischen Fähigkeiten sieht das ganz anders
aus. Wie lautet Ihre Bestandsaufnahme?
Es gibt eine ganze Reihe von Aufnahmen, die bezeugen, dass wir es hier mit einem der besten Geiger der ganzen  Musikgeschichte zu tun haben: Das Elgar-Konzert unter Leitung des Komponisten, sein Schumann-Konzert mit John Barbirolli, sein Paganini-Konzert mit Pierre Monteux: Kein Geiger der Welt kann das nur ansatzweise erreichen. Es gab aber eine große Krise in Menuhins Leben. Danach musste er die Geige ganz neu lernen. Viele sagen, er ist dabei nicht auf das gleiche Niveau zurückgekommen. Ich sehe das nicht ganz so schwarz-weiß. Ich finde, es gibt auch fantastische Aufnahmen aus dieser Zeit, und ich habe ihn vor allem sehr oft live gehört: Das war fast bis zu seinem Tod unglaublich schön.

Sie sind kein großer Freund von Gedenkjahren. Was hat Sie jetzt bewegt, mit vielen Konzerten und einer CD an
Menuhin zu erinnern, der in diesem Jahr 100 Jahre alt geworden wäre?
Ich finde tatsächlich, man braucht keinen Anlass, um an große Musiker zu erinnern. Aber in diesem Fall sind 100 Jahre Menuhin auch 25 Jahre von mir. Da musste ich etwas machen. Die CD enthält meine persönlichen Erinnerungen an Menuhin. Ich versuche auch, die Arbeit seiner Initiative Live Music Now weiter zu unterstützen, die Musik zu Menschen bringt, die sonst keine Gelegenheit haben, so etwas zu hören. Ich habe während meines Studiums in Krankenhäusern und für schwerstbehinderte Kinder gespielt. Das sind Erinnerungen, die ich nie vergessen werde: Da sieht man, was man mit Musik bewirken kann.
Interview: Stefan Arndt

Daniel Hope ist 1973 in Südafrika geboren. Seine Eltern sind der Schriftsteller Christopher Hope und die Musikmanagerin Eleanor Hope-Klein. Er begann mit vier Jahren, Geige zu spielen. Seine Lehrer waren unter anderem Zakhar Bron und Yehudi Menuhin, der am 22. April 100 Jahre alt geworden wäre. Hope war von 2002 bis  2008 Mitglied des Beaux Arts Trios. Seine jüngste CD ” My Tribute to Yehudi Menuhin” ist bei Deutsche  Grammophon erschienen. Damit tritt Daniel Hope unter anderem am 14. April in Zürich, am 12. Mai in Tuttlingen, am  14. Mai in Dresden, am 16. Mai in Basel und am 17. Mai in Baden-Baden auf.



2015


«Yehudi Menuhin rettete meine Familie»
SonntagsBlick, 08.11.2015

Dem legendären Violin­virtuosen verdankt Daniel Hope alles, auch seine Karriere. Jetzt führt sie ihn nach Zürich.

Zeitungsinterview

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Tutti-magazine
Tutti-Magazine, 24.06.2015

Nous rencontrons le violoniste Daniel Hope lors de son bref passage à Paris le mois dernier. Tout juste arrivé de Suisse où il interprétait à la fois la version originale des Quatre saisons de Vivaldi et celle recomposée par Max Richter, il se préparait à jouer dès le lendemain, à Paris, le Concerto d’Elgar avec l’Orchestre Symphonique de la Garde républicaine. Un concert qui fera date pour les spectateurs rassemblés en la cathédrale Saint-Louis des Invalides le 25 juin, tant l’interprétation de Daniel Hope se hissait à des sommets de musicalité et d’engagement rarement atteints. Son “ex-Lipinski” faisant fi de la réverbération, portait de façon magique la moindre nuance avec une poésie et une maîtrise de chaque phrase. Un tel dialogue avec l’orchestre et le public est si intense et si rare qu’on se demande pourquoi la France n’accueille pas plus souvent cet interprète unique auquel la Fondation Européenne de la Culture “Pro Europa” vient tout juste de décerner le Prix Culturel Européen pour la Musique…

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Le Son d’Hollywood
The Good Life, 05.06.2015

Le Son d’Hollywood – LINK

Das Vitamin zum Leben
Schleswig-Holstein am Sonntag, 31.05.2015

Welchen Stellenwert hat die Kammermusik für Sie? LINK



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My tribute to Yehudi Menuhin

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My tribute to Yehudi Menuhin

Concert reviews

2016


Daniel Hope and Chamber Music Society mark Menuhin centennial with thoughtful panache
New York Classical Review, 05.03.2016

Daniel Hope knows how to throw a party.

For the Chamber Music Society of Lincoln Center–and to mark what would have been Yehudi Menuhin’s 100th birthday next month–Hope assembled a slate of works by composers connected to the late artist, who died in 1999.

There’s a strong link between the two violinists: Menuhin taught Hope when he was just nine years old. The program had symmetry: each half began with a Baroque gem (Bach and Vivaldi) and ended with a classic (Mendelssohn and Bartók), with short works from the 20th century in between.

Though Bach’s Concerto in D minor for Two Violins is one of his most popular works, on this occasion it seemed to reach even more vivid heights than usual. With the ensemble standing (except for cellos, lute, and guitar), Hope and Alexander Sitkovetsky led the group in bright, primary colors, encouraging lightness, even though modern instruments were used. The two violinists’ tone in the second movement was a wonder, with finely shaded dynamic levels. The final Allegro—bold and bristling, with vigorous accents—was notable for its detail, enhancing the illusion of an echo between the two instruments.

The four contemporary works were originally dedicated to Menuhin. Arvo Pärt’s Darf ich… (“May I…,” 1995) is a beautiful miniature for violin solo, strings, and a lone bell, the latter played by Ian David Rosenbaum. Benny Kim masterfully handled the robust solo line, which ends with some whistling harmonics sailing over his colleagues’ ethereal tapestry.

Written the same year, Philip Glass’s Echorus for Two Violins and Strings is a loving example of the composer’s typical arpeggiated style. Soloists Jessica Lee and Danbi Um offered gentle, persuasive pulses, gracefully intertwined with the ensemble.

An arresting unison opens Mendelssohn’s Concerto in D minor for Violin and Strings, completed when the composer was just 13 years old. Unlike his later, celebrated fiddle concerto in E minor, this early work is virtually unknown, and it is a marvel. Hope tackled the challenging solo line, and the first movement’s cadenza with daunting bravura.  After the serene middle movement, the exhilarating gypsy dance that follows was arguably the night’s most viscerally exciting sequence, with Hope navigating a perilously fast tempo.

To mark another birthday—Vivaldi would have been 338 the day of the concert—Hope and Kim led an effervescent romp through the Concerto in A minor for Two Violins, RV 522. The ensemble’s sheer exuberance won the day, along with carefully considered phrasing. Daniel Swenberg on guitar (also on lute in the Bach) added both texture and delicate rhythmic trussing.

Also composed in 1995, Shulamit Ran’s Yearning is scored for violin and strings with cello obbligato (the latter masterfully done by Keith Robinson), in a 2015 arrangement made for these forces. Opening tremolos in the cellos and basses were soon picked up by the rest of the group, as the solo violin—here the superb Bella Hristova—began a haunting line that underlined the work’s title. At the conclusion, as Hristova waved the composer onstage, it was heartening to see the composer receive some of the night’s loudest ovations.

In 2009 Hope commissioned Bechara El-Khoury  to write Unfinished Journey, inspired by the title of Menuhin’s 1977 memoir. The Lebanese-French composer’s gorgeous result is a sequence of slow-moving chords for the massed strings, over which Hope spun a series of repeated mournful utterances. Its reflective, sober cast made a fine preface for the evening’s close, a dashing flight through Bartok’s Romanian Dances. One wishes most birthday parties could be this festive.

By Bruce Hodges

Music by Holocaust victims grips Linton audience
Cincinnati.com / US Today Net Work, 07.03.2016

They were composers who were murdered by the Nazis. But their music lives on, thanks to artists such as the Grammy-nominated violinist Daniel Hope, who is helping to bring it to life once more.

On Sunday afternoon, Hope and several musical colleagues presented a gripping and moving program of chamber music written by victims of the Holocaust for the Linton Music Series. The intimate concert was held in the First Unitarian Church, Avondale. It was an inspiring afternoon of discovery. Had these artists lived, one could only imagine what their contributions might have been.

This music “was conceived in circumstances that to us was completely unimaginable,” said Hope, a South African-born musician of German-Jewish descent who has championed the otherwise forgotten composers for 15 years.

His program, “Voices Remembered with Hope,” included music by Hans Krása and Gideon Klein, both interned at the infamous Terezin (Theresienstadt), a “model” camp where artists and musicians were sent before being shipped off to die at Auschwitz. There was also music by Erwin Schulhoff, a composer who died in a concentration camp in Bavaria in 1942, including his stunning Sextet for Strings.

The violinist brought together five exceptional artists who played in various groupings: violinist Sigurbjorn Bernhardsson, the Cincinnati Symphony’s former principal cellist Eric Kim, his brother Benny Kim (violin and viola), violist Philip Dukes and cellist Keith Robinson.

You could only marvel at the craftsmanship of a work such as Krása’s “Tanec” (Dance) for string trio, written a few days before his death, performed by violinist Hope, violist Dukes and cellist Eric Kim. Lyrical themes came and went over a driving rhythm, and the reading was both energized and intense. Even without knowing the circumstances, the music had a sad, unsettled undercurrent running through it.

This was also evident in Klein’s String Trio (with the same players). Its slow movement, a set of variations on a Moravian folk tune, was both sophisticated and somber, as if a memorial to the composer’s homeland. The concluding variation in the style of a mournful hymn, had a powerful impact.

Schulhoff’s music (which has also been championed by the May Festival’s James Conlon) formed the rest of the program.

Schulhoff’s Duo, performed by violinist Benny Kim and cellist Robinson, was a remarkable find, with folk-inflected themes and many passages that demanded immense technical virtuosity. The second movement, a “Zingaresca,” featured some Gypsy fiddling, left-hand pizzicatos and other feats. In the third, they traded a haunting melody seamlessly between instruments, to pizzicato accompaniment.

It’s too bad that U.S. Immigration denied pianist Simon Crawford-Phillips’ visa at the last minute. (He was traveling from Sweden.) As a consequence, Hope replaced two planned works for violin and piano with Schulhoff’s Sonata for solo violin. Hope’s performance of the work was mesmerizing, and he communicated with a big, muscular sound. The piece opened with a driving perpetual motion, followed by a soaring slow movement. Its rhapsodic theme unfolded in one long arc to a meditative close in the stratosphere of his instrument. The earthy finale, with a driving, heavy rhythm, was reminiscent of Bela Bartok.

The program concluded with Schulhoff’s Sextet of 1924, with all six string players. (Bernhardsson stepped in for the announced Timothy Lees, who is recovering from a hand injury.) An expansive, four-movement work, it was fascinating for its wide-ranging musical styles, from moments influenced by Debussy to post-romantic Vienna.

A highlight was the “Tranquillo,” which included a low theme in the cellos against fluttering high figures in violins and violas for a magical effect. The “Burlesca” was driving and bold. Its explosive ending, with bows flung high, was a surprise, coming just before the lush and somewhat mournful final movement.

Presented in collaboration with Cincinnati’s Center for Holocaust and Humanity Education, the concert was part of a mini-festival that included a documentary film that Hope helped to produce, as well as a lecture.

Telemann-Festtage – Virtuoser Dialog auf prächtigem Klangteppich
Volksstimme.de, 16.03.2016

Daniel Hope und die Berliner Barock Solisten zogen die Zuhörer bei den 23. Magdeburger Telemann-Festtagen in ihren Bann.
Von Renate Bojanowski
Magdeburg l Als Geburtsstadt von Georg Philipp Telemann ist Magdeburg ein Zentrum für zahlreiche Aktivitäten des großen Barock-Musikers. Die Telemann-Feststage ziehen seit vergangenem Freitag renommierte Künstler in die Stadt. So auch den seit 25 Jahren international gefragten Violinisten Daniel Hope und die Berliner Barock Solisten. Sie versetzten ihr Publikum am Sonntagabend in der ausverkauften Magdeburger Johanniskirche in zwei Stunden andauernden Freudentaumel.

Bereits der Einstieg mit Telemanns Concerto e-Moll für zwei Violinen, Streicher und Basso continuo ließ das Zuhörerherz höher schlagen. Daniel Hope und Bernhard Forck malten mit fein austariertem Ton lebendige Klangfiguren in das Kirchenschiff, plastisch, exzellent durchhörbar und klar.

Mit Vivaldis Concerto a-Moll zogen beide Solisten das Tempo an, begaben sich in einen virtuosen Dialog, während das Ensemble ihnen einen farbenprächtigen Klangteppich dazu webte.

In Telemanns Concerto a-Moll entfaltete Daniel Hope eine betörende Kantilene über die zauberhafte Begleitung. Die Melodie drängte sich zärtlich ins Ohr des Zuhörers und blühte mit der Begleitung auf.

Auch nach der Pause konnten sich die Zuschauer am majestätisch homogenen Streicherklang erfreuen: so, wie er in dem bekannten Doppelkonzert für zwei Violinen, Streicher und Basso continuo von Johann Sebastian Bach erstrahlte. Welche feinfühlige Interpretation, welches grazile Klangbild! Hope, Forck und die Berliner Barock Solisten zogen ihre Zuhörer in den Bann ihrer magischen Virtuosität und Ausdruckskraft. Auch die Farben des Sommers konnten einprägsamer nicht abgebildet werden. Die Berliner Barock Solisten sorgten während der Interpretation des „Sommers“ von Antonio Vivaldi für ein dichtes treibendes Klangfundament, auf dem Daniel Hope jede kleinste Schattierung abbilden konnte: flirrende Hitze, herannahendes Donnergrollen bis hin zum ausbrechenden Unwetter … Hier bündelten sich noch einmal Aussagekraft, Virtuosität und grandiose Spielfreude.

Die Zuschauer jubelten, es gab Bravo-Rufe und Standing Ovations. Dankbar waren sie für die beiden Zugaben, die Daniel Hope, Bernhard Forck und die Berliner Barock Solisten ihnen schenkten.

Daniel Hope et Béchara el-Khoury pour Yehudi Menuhin…
L'Orient - Le Jour, 24.03.2016

Au théâtre des Champs-Élysées, dans le cadre de sa tournée mondiale, le violoniste britannique a présenté avec émotion « Unfinished Journey » du compositeur libanais…

Dans sa tournée mondiale qui compte une centaine de dates et de lieux différents, le grand violoniste britannique Daniel Hope rend hommage à Yehudi Menuhin qui aurait eu cent ans en avril 2016. Le programme n’est pas forcément le même d’une ville à l’autre, mais systématiquement, invariablement et fidèlement, Daniel Hope joue Unfinished Journey de Béhara el-Khoury. Cette pièce avait été commandée en 2009, à l’occasion du dixième anniversaire de la disparition de Yehudi Menuhin. L’autre soir, au théâtre des Champs-Élysées à Paris, c’est la voix nouée par l’émotion que Daniel Hope annonçait la présence dans la salle de Béchara el-Khoury, «compositeur libanais vivant à Paris», et confiait au public, touché et amusé que cela «le rendait nerveux»!

Placée en première partie du concert, entre le bondissant Concerto pour deux violons et orchestre à cordes en la mineur d’Antonio Vivaldi et l’époustouflante Symphonie de chambre d’après le quatuor en ut mineur de Dimitri Chostakovitch, la pièce de Béchara el-Khoury est admirablement interprétée. L’archet de Daniel Hope vibre et frémit tandis que l’Orchestre de chambre de Paris, au meilleur de sa forme, offre au soliste un riche et opulent tapis de cordes. Quand la dernière note meurt, le public retient son souffle. Pas un bruit, un silence absolu se fait dans la salle comme si le temps avait suspendu son vol, avant que n’éclate une incroyable salve d’applaudissements qui porte Béchara el-Khoury sur scène afin de saluer. Pour l’interprète qui maintenant la connaît si bien, cette œuvre du compositeur libanais est «merveilleuse, chaleureuse, un vrai hommage au lyrisme de Menuhin, un voyage de l’Est vers l’Ouest». Quant au compositeur, il dit que «la musique décrit le temps passé à travers une méditation sur le souvenir, sur les images, sur la voix de Menuhin et sur le silence…».

Joyeusement baroque
La deuxième partie du concert s’ouvre avec le Concerto pour violon et orchestre à cordes en ré mineur de Félix Mendelssohn (composé alors qu’il n’avait que treize ans!), œuvre puissante et virtuose où Hope peut donner libre court à son extraordinaire vélocité. Puis c’est Nostalghia pour violon et orchestre à cordes de Toru Takemitsu, compositeur japonais du XXe siècle s’étant fait connaître du grand public par les musiques écrites pour les films d’Akira Korosawa. Le bouquet final consiste en une interprétation extraordinairement contrastée et rafraîchissante de l’Été, extrait des Quatre saisons d’Antonio Vivaldi. Ainsi se termine le concert sur la même note joyeuse et baroque qui en avait fait l’ouverture. Pas facile de diriger et d’être soliste en même temps. Pourtant Daniel Hope réussit à obtenir une homogénéité et une précision grâce à la qualité de communication qu’il entretient avec l’orchestre. Entouré de Deborah Nemtanu, remarquable violon solo qui lui donne la réplique notamment dans Vivaldi, et des membres de l’Orchestre de chambre de Paris, le défi est parfaitement relevé. Quant à Béchara el-Khoury, si apprécié et fêté à l’étranger, souhaitons qu’un jour le Liban lui rende hommage à la hauteur de son immense talent…

 

Zeina SALEH KAYALI

 

Menuhins musikalischer Enkel
Der Tagesspiegel, 23.04.2016

Hommage an einen großen Geiger

Daniel Hope und das Konzerthausorchester mit einer Hommage an Yehudi Menuhin, zum 100. Geburtstag des großen Geigers.

Kein anderes Werk hätte es sein können: Der 16-jährige Yehudi Menuhin spielte es noch mit dem Komponisten selbst ein, eine Aufnahme von hinreißender Intensität. Und auch kein anderer Interpret hätte es sein dürfen: Die Hommage an Yehudi Menuhin zum 100. Geburtstag im Konzerthaus wird durch das Violinkonzert von Edward Elgar eröffnet, gespielt von Daniel Hope, der sich als „musikalischen Enkel“ des großen Geigers bezeichnet. Mit Recht; rührt ihre menschlich-musikalische Beziehung doch von Hopes frühester Kindheit her. So umweht eine besondere Aura diese Interpretation.

Iván Fischer am Pult des Konzerthausorchesters stellt von den ersten Tönen an unmissverständlich klar: hier wird Erinnerungskultur betrieben mit einem Werk, das selbst nostalgisch Abschied von seiner Epoche nimmt. So liegt ein kostbarer Wehmutsschimmer selbst über dem scharf geschnittenen Anfangsthema, etwas „Tristanisches“ in zumeist abwärts geschwungener Melodik. Transparent bietet Fischer die opulent besetzte Einleitung; bedächtig nimmt Hope sein erstes Solo, lädt es durch starkes Vibrato sofort emotional auf. Doch wie sehr sich die Geige auch durch das auf- und abschäumende Geschehen klagt, fleht, schmeichelt: Hier geht es nicht um Überredung, um kitschverdächtige Herz-Schmerz-Effekte. Viel zu intelligent baut Hope seine Kantilenen dafür auf, steuert zielbewusst leidenschaftlich-virtuose Ausbrüche an, vollzieht klare Phrasierung innerhalb der großen Bögen des Dirigenten.

Daniel Hopes Kadenz: eine Insel der Meditation

Besonders berührt die Kadenz im thematisch weniger konsistenten Finalsatz: eine Insel der Meditation inmitten halsbrecherischer Läufe, in der Daniel Hope betörend süße Flageoletts aufflattern lässt, kleine Melodiefetzen, Vogelrufen gleich, bis nach rasanten Trillerketten die wilde Jagd wieder beginnt. Mit Maurice Ravels nachdenklichem „Kaddish“ beantwortet Hope den Publikumsjubel, „in memoriam Yehudi Menuhin“.

Kann das noch übertroffen werden? Bartóks „Konzert für Orchester“ zeigt sich anders auf der Höhe der Zeit. Schmerzlichen Erinnerungen trotzt der Komponist, der im USA-Exil elend zugrunde ging und zu dessen letzten Unterstützern noch Menuhin zählte, mit Ironie. Fischer stellt die Ausdrucksextreme mitsamt ihren Brechungen, immer von klarer Struktur getragen, virtuos heraus: Eindringlich die Flötenrufe mit anschließenden Streicherausbrüchen in der „Elegie“, köstlich das „Spiel der Paare“ mit Fagotten, Klarinetten, Trompeten. Schön auch, das Programm mit George Enescus „Prélude à l’unisson“ einer faszinierenden Unisono-Studie, die ahnen lässt, wie sich Menuhins Klangsinn unter diesem großen Lehrer entwickelte.

von Isabel Herzfeld



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Press Reviews

2016


My mentor Yehudi Menuhin: ‘I can still hear his beautiful sound’
The Guardian, 29.03.2016

For the centenary of the great violinist’s birth, Daniel Hope, his protege from the age of two, remembers their life on the road – including the time his priceless violin, nicknamed Lord Wilton, went missing.

 

Yehudi Menuhin used to say that I fell into his lap as a baby. Life in 1970s South Africa had become intolerable for my parents, thanks to the apartheid regime. We lived in Durban, where my father co-founded the literary magazine Bolt, publishing poems by writers of many races. From that moment on, his phone was tapped and they were under permanent surveillance. They had no option but to leave the country. My father was only offered an exit permit. This meant you could leave but never return.

They settled in London, where very soon their money ran out. We had nowhere to go. My father, Christopher Hope, was a struggling author. He went on to win the Whitbread Prize, but back then anti-South African sentiment in the UK made it very hard for him to find work, even though he was fiercely anti-apartheid. My mother supported us with part-time secretarial jobs. At the 11th hour, facing calamity, we had some incredible luck. An employment agency offered her a compelling choice of jobs: secretary to either the Archbishop of Canterbury or the violinist Yehudi Menuhin. She had no musical training, but she loved music and admired Menuhin, whom she had heard perform in South Africa.

Coincidentally, my parents had also heard the then-Archbishop of Canterbury, Lord Coggan, preach in South Africa and had been shocked that he did not actively denounce apartheid – so she would never have taken the job with him. The interview with Menuhin lasted two minutes. He asked if she knew the difference between Beethoven and Bach. When she said yes, he asked: “When can you start?” My mother’s association with Menuhin lasted 24 years, right up until his death in 1999.

Our lives changed immediately and for ever. I was two and, for the next eight years, practically grew up in Menuhin’s house in Highgate, London, where my mother would take me to play while she worked. Although we had only just settled in London, Menuhin asked her to come to his summer festival in Gstaad for two months. Her concerns at leaving her family were swept aside. “I would never separate a mother from her family,” Menuhin said. “Bring everyone with you.” And that’s what she did.

I was a kid who could never sit still, so my mother was very surprised to see me silent on the hard pew of the church where rehearsals took place, intent on the music. I was surrounded by artists of all kinds, so in a way it was no surprise when I announced to my parents at the age of four that I wanted to become a Violinist.

The violin was a part of Menuhin. To this day, his sound remains in my ear, so unique and so fascinatingly beautiful. He’d leave his Guarneri del Gesù, a priceless violin made in 1742 and known as the “Lord Wilton”, in an open case on the table; he never put it away. He picked it up and played it almost as if he were drinking a glass of water. He once told me: “One has to play every day. One is like a bird, and can you imagine a bird saying, ‘I’m tired today – I don’t feel like flying’?”

How do I begin to summarise a career that spanned 75 years and made him one of the greatest musicians in history? Perhaps with his debut in 1924 in San Francisco at the age of seven, or maybe his performance in Berlin in 1929, which prompted Albert Einstein to exclaim: “Now I know there is a God in heaven!” Or his legendary recording of the Elgar concerto under the composer’s own baton in 1932. Then there’s his visit to the liberated concentration camp of Bergen-Belsen with Benjamin Britten in 1945; and his highly controversial decision to return to Germany in 1947, where he performed with Wilhelm Furtwängler and the Berlin Philharmonic, the first Jewish artist after the war to do so.

Only seven of Menuhin’s 82 years were not spent on the road. He adored playing and travelling. His wife almost always accompanied him, his children less so. Musically, I learned from him constantly, just happy to have the chance of observing him close up. But it was also testing – an education in the fierce, peripatetic life of the soloist and the kaleidoscopic world of hotels, stages, airports and orchestras they inhabit. The cities to which I was introduced delighted and alarmed in equal measure. Menuhin had been on the road since he was still in shorts, though, and was an expert.

Along with a gentleness that masked an iron will, Menuhin’s humour was inexhaustible. On one occasion, my father was entrusted with taking his Guarneri del Gesù on an Alitalia flight to Rome. Menuhin was at the front of the plane and went straight to the VIP room. When we got to passport control at Fiumicino airport, I asked my father where the violin was. My father looked at me with shock and came out with an expletive. He had left the violin in the baggage compartment on the plane. He ran like an Olympic sprinter back on to the runway and up the stairs of the aircraft – you could do that in those days. When Menuhin heard about the incident, he giggled like a little boy. Thanks to some kind carabinieri, he got his violin back after a tense half-hour – tense for my father, anyway.

I had a few lessons from him as a very young boy, but our real collaboration began when I was 16. By that stage, I had had my own teachers, in particular the great Russian pedagogue Zakhar Bron. Menuhin was curious to see what Bron had been able to achieve with the “boy next door”. His reaction was a mixture of shock and delight, and he suggested we perform together. Over the next 10 years, we played more than 60 concerts around the world: I played, he conducted. The works included Mendelssohn’s early D minor Concerto, which Menuhin famously discovered in 1951, and also many works for two violins, such as the A minor Double Concerto by Vivaldi.

On 7 March 1999, I played Alfred Schnittke’s Concerto in Düsseldorf, conducted by Menuhin. It was to be his final concert. After the Schnittke, Menuhin encouraged me to play an encore. I spontaneously chose Kaddish, Ravel’s musical version of the Jewish prayer for the dead. I had grown up on Menuhin’s interpretation of this work and wanted to dedicate it to him. Menuhin pushed me out on to the stage and sat among the orchestra listening to it. Five days later, he passed away.

Daniel Hope’s album My Tribute to Yehudi Menuhin is out now on Deutsche Grammophon. The Menuhin Competition takes place at venues across London from 7 to 17 April.

 

How European exile composers created the sounds of Hollywood
Deutsche Welle, 16.03.2016

World-renowned violinist Daniel Hope uncovered dusty letters and compositions scribbled on scraps of paper for “The Sounds of Hollywood,” a book and a CD on Jewish immigrant composers who fled to Hollywood in the 1930s.

 

Born in South Africa in 1973, Daniel Hope was raised in England. Yet the violinist has long been curious about his Jewish family, which traces its roots back to Berlin. Fifteen years ago, Hope began to dig more deeply into the biographies of Jewish musicians, especially composers of German and Austrian heritage who migrated to Hollywood. The list was long: Friedrich Hollaender, Erich Korngold, Franz Wachsmann, Max Steiner, Werner Richard Heymann.

His original aim was to uncover music pieces for a new CD recording but it quickly became clear that he’d hit upon an entirely new project. Much as a cultural archaeologist might do, Hope delved into the biographies, archives and personal estates of the artists. Curious, he followed the trail of the immigrants through Hollywood, interviewing their children, grandchildren and surviving relatives. Extensive archives at Paramount Studios in Hollywood turned up an unbelievable treasury filled with hand-written correspondence, scored notes, letters.

“I have read a lot about this period. But it’s quite different to go into these archives and open old, dusty boxes,” Hope said of his time spent with the composers’ history. “Suddenly, you’re sitting there with Erich Korngold’s notes scribbled on a napkin, composing a Viennese Waltz, crossing it out and then recomposing it. You get the feeling at that moment that you’ve really stepped back in time.”

In researching his latest book, “Sounds of Hollywood” (available in German only for now) and the CD of the same name, Hope took an important trip back in time. With the knowledge of each composer’s unique destiny in mind, Hope could make the emotional connection to the music, he told DW in an interview. “There’s quite a bit of melancholy in the music of these emigrants, and a lot of nostalgia.”

 

The talkie boom

There was a substantial need for film composers in Hollywood in the 1930s and 1940s, as the film industry was booming thanks to the advent of the talkie. Some film productions could be likened to an assembly line and studio heads traveled frequently to Europe to acquire the talents – the best of the best.

“They put out their antenna and found Kurt Weill, Hanns Eisler and all of the other great composers who already had an audience and had seen success in Europe,” said Hope.

“These emigrants brought with them the musical offerings by composers like Gustav Mahler and Richard Wagner. They delivered exactly what the studio bosses in Hollywood wanted them to bring: the great, the epic, the symphonic,” he said. The opulent orchestral sounds that we still hear in big Hollywood films today can be traced back to this time.

In his research, Daniel Hope has found parallels to the refugee crisis currently happening in Europe. “It’s not as if Hollywood was standing there with open arms, waiting to receive the migrants and refugees from Europe,” Hope said, alluding to the intense competition within the film industry. “Many of these very talented composers weren’t even named in the credits. They sat together as a group of eight or nine working on a film and delivered every so often a phrase.”

Only the rare immigrant had already made a name for himself that he could use to gain work in the booming film industry. Arnold Schönberg and Igor Stravinsky got generous offers from the West Coast. “But they both turned down the chance to work in the film industry or were themselves turned down because they had completely different ideas about music than the American film producers had,” according to Hope.

 

Hollywood’s information exchange

Schönberg, who developed dodecaphonic music, found the world of film soundtracks fascinating, highly appealing. But he had trouble with the American studio philosophy, which degraded composers as it positioned them as mere service providers, Hope uncovered. “Schönberg wasn’t ready to give up complete creative control, control over his music was used in the direction. As a result, he realized very quickly that it wasn’t something for him.”

The exchange between those who created culture and the European immigrants was lively. Meetings over a Wiener schnitzel or a round of Berlin-style meatballs wasn’t unheard of as the men tried to carry on the coffeehouse traditions of Vienna and Berlin in Hollywood. And in doing so, lots of information was exchanged, from mere gossip to important news about the immigration authorities and current job offers.

The infamous Villa Aurora, where novelist Lion Feuchtwanger and his wife Martha lived, became something of a meeting point, a reception center for those newly emigrated. “He considered himself as something like a godfather to these ‘artists in exile’,” said Hope. In addition to the immigrants, a number of famous actors and personalities, including Charlie Chaplin, came to the villa to meet.

 

A struggle to survive

The majority of the European immigrants who arrived in Hollywood never came into contact with the glamorous side of the film industry. Many struggled to even scrape by, and worried about a lack of money to even cover their basic needs like clothing, rent and food. Most of them had to leave Nazi Germany virtually overnight after Hitler came to power in 1933, leaving everything behind. Daniel Hope stumbled upon moving stories that took place behind Hollywood’s glitzy façade.

Success as a film composer in the US had other downsides as well and could completely destroy an ambitious composer with dreams of recognition. Erich Wolfgang Korngold, who was much celebrated in Europe as a musical wunderkind, never felt accepted or at home in the USA – despite his greatest successes. Korngold won two Oscars for his film soundtracks.

“He was no longer recognized as a serious composer in the classical world and was no longer accepted there,” says Hope. Korngold was accused of having sold his soul. Thomas Mann, himself an immigrant, spoke of so-called “Movie riff-raff.” Film music was considered second- or third-class.

“That’s a bitter pill to swallow,” says Daniel Hope. “These were men who had enormous talent and unbelievable composition skills, who had to struggle to find a way during an emergency situation. Yet they were persecuted for their work in film. That’s a real tragedy.”

Author Heike Mund



2015


Der Geiger Daniel Hope legt die europäischen Wurzeln des “Sound of Hollywood” bloß
Dresdner Neueste Nachrichten, 02.11.2015

Hölle oder Paradies
Der Geiger Daniel Hope legt die europäischen Wurzeln des “Sound of Hollywood” bloß
Von Frauke Kaberka

Was wären “Vom Winde verweht”, “Der weiße Hai” oder “Titanic” ohne ihren Sound? Filmmusik hat sich längst einen besonderen Status als eigenständige Kunstform erarbeitet. Insbesondere Melodien aus Hollywoodproduktionen werden gern in Konzerten gespielt und sind fester Bestandteil von Rundfunkunterhaltungsprogrammen. Nicht jedem aber ist bekannt, dass ihre Wurzeln in Europa liegen. Konkret waren es vor allem jüdische Künstler, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts nach Amerika zogen, um sich in der kalifornischen Traumfabrik eine neue Existenz aufzubauen. Daniel Hope, ein Weltstar unter den Geigern, hat sich auf Spurensuche begeben und mit dem Journalisten Wolfgang Knauer darüber ein informatives Buch verfasst, das eine hochaktuelle Botschaft hat. “Sounds of Hollywood” ist mehr als ein Blick auf die Filmmusikgeschichte aus Hollywood.

Es war im November 2013, als der 1974 in Südafrika geborene Musiker bei einem Sonderkonzert in Berlin auftrat –  zum Gedenken an Künstler, deren Karrieren und Leben vor 75 Jahren nicht nur bedroht, sondern oft auch zerstört  wurden. Mit der Reichspogromnacht begann in Deutschland und dann auch in weiten Teilen Europas die “Entjudung”. Das Konzert am Brandenburger Tor unter dem Motto “Tausend Stimmen für die Vielfalt” wurde untermalt mit großen Bildprojektionen von eben jenen Künstlern, die über Nacht ihre Heimat verlassen mussten. Hope hatte sich bereits vorher mit diesen Menschen und ihrem Schicksal befasst, denn es ist auch das Schicksal seiner Familie. Nun wollte er mehr wissen, ihren Weg nachvollziehen, den sie in der Fremde gingen. Und viele dieser Weg führten über den Atlantik nach Hollywood.

Die aufblühende Filmwirtschaft verhieß nicht nur emigrierten Musikern Sicherheit und Arbeit. Wissenschaftler, Schriftsteller und Dichter, Regisseure und Schauspieler strandeten ebenfalls zuhauf an den südkalifornischen Gestaden, darunter Bertolt Brecht, Lion Feuchtwanger, Franz Werfel, Max Reinhardt, Billy Wilder und viele andere. Doch weder für sie noch für viele Exil-Musiker war es ein leichter Neubeginn. Manche schafften es nie, denn Hollywood wurde mit Emigranten überschwemmt, und Arbeit gab es nicht genug. Zudem fanden einige überhaupt keinen Bezug zum Exil und zum Medium Film, wie Reinhardt, Brecht oder der Komponist Arnold Schönberg. Für Bert Brecht war Hollywood die “Hölle”, für Schönberg hingegen die “Vertreibung ins Paradies”. Einige der Komponisten, deren Spuren Hope folgte, konnten sich trotz großer Erfolge nie mit Hollywood anfreunden, so Erich Wolfgang Korngold, der lieber nur “ernsthafte” Musik geschrieben hätte. Andere wie Max Steiner, der “Vater der Filmmusik”, und auch der jüngere André Previn hingegen hatten ihr Metier gefunden.

Hope, der sich nicht nur durch die Literatur über die berühmten Musiker arbeitete, sondern auch mit ihnen (Previn), Angehörigen (Schönberg) oder Freunden und Kollegen sprach, trug so für sein Buch auch Anekdoten, Bonmots und zudem ein wenig Klatsch zusammen, was den Unterhaltungswert der flott und locker geschriebenen Lektüre sicherlich steigert.

Dass der Geiger den ernsten Hintergrund seiner Recherche dabei nicht aus den Augen lässt, macht das Buch angesichts eines wieder zunehmenden Antisemitismus und einer nicht zu ignorierenden aufkeimenden Fremdenfeindlichkeit besonders wichtig. “Als Angehöriger einer Familie, die in der Nazi-Zeit das Schicksal der Vertreibung erlitten hat, empfinde ich solche Anzeichen als alarmierend”, schreibt Hope. “Umso entschiedener engagiere ich mich für den Ruf nach Toleranz, der bei jenem Konzert am Brandenburger Tor zu vernehmen war, als die Musik derer gespielt wurde, die Opfer der Intoleranz wurden.” Doch er sehe in den Erfolgen jener Menschen im fernen Amerika, die Bahnbrechendes zuwege gebracht hätten, auch einen Funken Hoffnung, “der Mut auf eine bessere Zukunft macht”.
Daniel Hope und Wolfgang Knauer: Sounds of Hollywood. Wie Emigranten aus Europa die amerikanische Filmmusik erfanden, Rowohlt Verlag, 336 Seiten, 19,95 Euro

Überleben in Hollywood
Südwest Presse, 22.08.2015

“Robin Hood hat mir das Leben gerettet”, hat Erich Wolfgang Korngold einmal gesagt.

Der Komponist war für seinen schwarzen Humor berüchtigt, aber dies war kein lockerer Spruch: Nur sechs Wochen vor dem Einmarsch deutscher Truppen in Österreich 1938 folgte Korngold dem Ruf aus Kalifornien, den Soundtrack für den Errol-Flynn-Streifen “König der Vagabunden” zu schreiben. Korngold, der schon zuvor in Hollywood einige Filme vertont hatte, gewann dafür seinen zweiten Oscar – und blieb in den USA, was eben wohl sein Leben rettete.

Denn Korngold war Jude, und seine Geschichte ist eine von vielen, die Star-Geiger Daniel Hope (mit dem Journalisten Wolfgang Knauer) in dem Buch “Sounds of Hollywood” erzählt. “Wie europäische Emigranten die amerikanische Filmmusik erfanden”, lautet der Untertitel. 2014 hat Hope die CD “Escape to Paradise”, eine etwas heterogene, zuweilen sentimental klingende Reise in die Filmmusikwelt vorgelegt – das Buch hängt mit dem Album eng zusammen.

Hope erinnert an eine finstere Epoche: Wie von 1933 an eine kulturelle Blütezeit brutal beendet wurde, wie die Nazis auch im Kulturbetrieb Juden verfolgten. “Morgen muss ich fort von hier”, hieß die letzte Platte der Comedian Harmonists, die eben noch gefeiert wurden, nun Auftrittsverbot hatten.

Fort von hier: Für die Regisseure, Autoren, Musiker und andere Filmschaffende, denen es noch gelang, Deutschland zu verlassen, war Hollywood ein ersehntes Ziel, ein Versprechen. Für Komponisten war die fremde Sprache ein weniger gravierendes Problem wie für andere. Tatsächlich ist die Reihe derer, die – wie Hope belegt – “dank brillanter Einfälle, großem handwerklichen Können und professioneller Erfahrung” ihren Weg machten und auf Hollywood klingenden Einfluss nahmen, bemerkenswert lang. Hope erzählt von Korngold, der vom Wiener Wunderkind zum Hollywood-Meister wurde und dort doch nie ganz glücklich; von Max Steiner, dem “Vater der Filmmusik”; von Friedrich Holländer und Werner Richard Heymann, von Franz Wachsmann und Kurt Weill, der freilich erst am Broadway sein Glück fand.

Für viele ging der Traum einer neuen Karriere allerdings nicht in Erfüllung. Hope vergisst sie nicht, er erzählt von Hanns Eislers Scheitern, von Komponisten wie Erich Zeisl, die nur noch Fußnoten in der Musikgeschichte sind. In Hopes Buch erwacht dabei die Hollywood-Gesellschaft der Exilanten wieder zu Leben, man begegnet Arnold Schönberg und Alma Werfel-Mahler, Thomas Mann, Bertolt Brecht und Bruno Walter.

Recherchen und Reportagen, Gespräche und Anekdoten, Ausflüge auf Friedhöfe und in Archive: Hope schreibt mit Empathie, die Wurzeln des englisch-südafrikanischen Musikers (über die er in “Familienstücke” berichtet hat) liegen in Berlin, auch seine Familiengeschichte ist eine Emigrantengeschichte.

Und er ist ein Musik-Botschafter. Mit seinem Buch will er zeigen, wie viel einst verloren ging, als Künstler vertrieben wurden, weil sie Juden waren. Tröstlich bleibt nur, schreibt er, dass einigen ein neuer Anfang gelang und sie in der Fremde Anerkennung fanden – nicht zuletzt in Hollywood, dessen Klang sie prägten.

‘Träume in Musik’ – BUCH-TIPP
OSTTHÜRINGER ZEITUNG, 10.08.2015

Annerose Kirchner über “Sounds of Hollywood” , verfasst von Stargeiger Daniel Hope

“Die Filmfabrik von Hollywood war der große Traum für viele der zwischen 1933 und 1944 aus Nazideutschland und Österreich geflohenen Künstler. Doch nicht für jeden öffnete sich die Tür zu den Studios. Wer Vielseitigkeit bot wie der Komponist Friedrich Hollaender, der auch als Textdichter, Kabarettist, Revue-Produzent und Musiker seine Kreativität unter Beweis stellte, hatte es leichter.
Sein Schicksal ist nur eines von vielen, das der aus Durban/Südafrika stammende Stargeiger Daniel Hope in seinem Buch “Sounds of Hollywood. Wie Emigranten aus Europa die amerikanische Filmmusik erfanden” (Rowohlt Verlag) aufgreift. Er reiste nach Hollywood, besuchte Schauplätze und traf Zeitzeugen, wie den in Los Angeles geborenen Sohn des Komponisten Arnold Schönberg. Dessen Vater konnte sich nicht für das Filmgeschäft begeistern, vermittelte aber als Lehrer wichtige Impulse.
Komponisten wie Max Steiner ( King Kong ), Erich Wolfgang Korngold ( Captain Blood ) oder Miklós Rózsa ( Ben Hur ) begeisterten das Publikum mit opulenten Orchesterklängen und fulminanten Sounds. Das war neu in den USA und beeinflusste die Musikwelt bis heute. Daniel Hope erinnert auch an das Netzwerk der Exilanten um die Schriftsteller Thomas Mann und Lion Feuchtwanger. Seine Recherchen verbindet er mit der eigenen Familiengeschichte und den jüdischen Vorfahren, die in Berlin lebten.
Hope zeigt auf, was verloren ging in schrecklichen Zeiten und welche Kulturvielfalt in der Emigration neu entstehen konnte. Vor allem wirbt er für Toleranz und Mitmenschlichkeit.”

Daniel Hope wird neuer Leiter des ZKO
Tagesanzeiger, 29.04.2015

Der englische Geiger wird ab der Saison 2016/2017 die musikalische Leitung des Zürcher Kammerorchesters übernehmen.

Nun steht es fest: Daniel Hope wird neuer Musical Director des Zürcher Kammerorchesters (ZKO) und beerbt den 81-jährigen Roger Norrington, der in Zukunft aufgrund seines Alters kürzertritt. Musical Director? Die Bezeichnung ist für das ZKO ungewohnt, aber passend. Denn Daniel Hope ist von Haus aus kein Dirigent – er wird das Orchester als leitender Solist führen.

Mit Hope wird aber nicht nur ein bekannter Musiker unter Vertrag genommen, sondern es hält auch eine neue Generation Einzug. Schliesslich ist der Geiger mit 41 Jahren nahezu halb so alt wie Roger Norrington. Was den Charme des Grand Old Man Norrington betrifft, der gerne auch mal während einer Haydn-Sinfonie Faxen gegenüber dem Publikum machte, schliesst Hope nahtlos an dessen Kontaktfreude an. Sein Buch «Wann darf ich klatschen?» nimmt dem Publikum augenzwinkernd die Angst vor den geheimen Regeln eines elitären Betriebs und schlägt damit in dieselbe Kerbe wie das ZKO. Gespräche mit den Publikum nach, Conférencen während des Konzerts und ungewöhnliche Formate wie Konzert-Lesungen machen das Orchester zu einem flexiblen und publikumsnahen Klangkörper. Der Kommunikator Hope wird diesen Weg weiterdenken.

Geiger mit Weltformat
Bis dahin muss sich das Publikum aber noch eine Weile gedulden. Der britische Geiger mit Weltformat wird seinen Posten erst übernächste Saison antreten. Weshalb sich das ZKO unter der Obhut des Konzertmeisters Willi Zimmermann in der Saison 2015/2016 vorwiegend auf Gastdirigenten und leitende Solisten konzentrieren wird. Maurice Steger, Steven Isserlis oder Gidon Kremer kommen nach Zürich, und Roger Norrington bleibt dem ZKO mit zwei Konzerten verbunden. Aus der jüngeren Generation treten Jan Lisiecki, Vilde Frang oder Olga Scheps in den Ring. Und, wenn schon von Jugend die Rede ist: Die überaus erfolgreichen Nuggikonzerte werden weitergeführt. Ebenso die ZKO-Box, die Konzerte im Kunsthaus, selbst einen Artist-in-Residence wird es mit Fazil Say wieder geben.

Auch die Erfolgsbilanz des ZKO kann sich sehen lassen. Die Besucherzahlen haben um 50 Prozent zugenommen, die privaten Mittel konnten gesteigert werden, und die Geschäftsführung erwartet eine «schwarzen Null» – eine solide Basis für Daniel Hope. Dieser schliesst mit dem Zürcher Engagement übrigens einen Kreis. Als zweijähriger Knirps machte er seine ersten musikalischen Erfahrungen mit dem ZKO, weil seine Mutter ihn an mehrere Konzerte mitnahm – seither gilt er quasi als Erfinder der Nuggikonzerte avant la lettre.

Von Tom Hellat

Der Ausstrahlungsaktivist
Neue Zürcher Zeitung, 29.04.2015

Daniel Hope wird «Music Director» des Zürcher Kammerorchesters

Der Geiger Daniel Hope wird Nachfolger von Sir Roger Norrington beim Zürcher Kammerorchester. Hope soll die internationale Ausstrahlung des Orchesters erhöhen – zulasten der Präsenz in der Tonhalle.

Michael Bühler, der Direktor des Zürcher Kammerorchesters (ZKO), machte es spannend. Wie in einer Fernsehshow liess er die Saisonpressekonferenz seines Orchesters im Hotel «Eden au Lac» zielgerichtet auf den Höhepunkt zulaufen. Zunächst gab es ein Puzzle-Bild zum Raten, dann öffneten sich die Türen, und zum Einzug des Helden, der punktgenau leibhaftig im Saal erschien, hätte bloss noch eine tönende Untermalung im Stil von «We Are the Champions» gefehlt. Ganz schön viel Pomp für eine Personalie, die einige Zürcher Spatzen schon seit längerem von den Dächern pfiffen: Der Geiger Daniel Hope wird neuer «Music Director» des ZKO.

Hope wird seine neue Funktion, die man früher schlicht «Chefdirigent» oder «Künstlerischer Leiter» genannt hätte und in der offenbar genau diese zwei Aufgaben zusammenfliessen sollen, zur Saison 2016/17 antreten. Er schliesst damit die Lücke, die der Rücktritt von Sir Roger Norrington hinterlässt: Norrington will sein Amt als «Principal Guest Conductor» des ZKO zum Ende der laufenden Saison aus Altersgründen abgeben; er wird dem Orchester aber durch Gastauftritte eng verbunden bleiben. Daniel Hope soll dafür bereits jetzt aktiv in die künstlerischen Planungen einsteigen. In der Interimssaison bis zu seinem offiziellen Antritt wird Konzertmeister Willi Zimmermann verstärkt Leitungsaufgaben im Orchester übernehmen.

Für Daniel Hope schliesst sich, wie er nicht ohne Rührung erzählte, mit seiner Berufung ein Kreis in seinem Künstlerleben. Noch in der Ära des Orchestergründers Edmond de Stoutz habe er mit dem ZKO einige wichtige frühe Konzerterfahrungen sammeln dürfen: «Das erste Mozart-Konzert, den ersten Bach – das vergisst man nie», schwärmte Hope. Für die Zukunft hat er sich vorgenommen, zusammen mit dem Geigenkollegen Zimmermann und den weiteren Stimmführern eine «gemeinsame Vision» für das Orchester zu entwickeln. Wie diese konkret aussehen könnte, verriet Hope noch nicht.

Aus der Personalie Hope und einigen Bemerkungen Bühlers kann man aber erraten, wohin die Reise gehen soll. Man zielt offenkundig auf noch mehr überregionale und internationale Ausstrahlung – Hope, der seine vielfältigen Aktivitäten auf seiner persönlichen Website unter Rubriken wie «The Violinist», «The Broadcaster», «The Musical Activist», «The Producer» und «The Author» auflistet, dürfte nicht zuletzt die mediale Präsenz des Orchesters beträchtlich erhöhen.

Schon in der kommenden Saison 2015/16 will man beim ZKO einige Konsequenzen aus Erfahrungen der vergangenen Spielzeiten ziehen. Während die Besucherzahlen bei den Konzerten in der Tonhalle 2013/14 nur geringfügig auf rund 25 000 gestiegen seien, so Bühler, habe man die Gesamtzahl durch Tourneen und Gastspiele auf über 55 700 Konzertbesucher steigern und somit mehr als verdoppeln können.

Dieser Erfolgskurs soll nun durch eine Ausweitung der Aktivitäten in Stadt und Kanton, aber auch über Zürich hinaus fortgeführt werden. Im Gegenzug wird die Präsenz in der Tonhalle bei den Abo-Konzerten – ein unerwartet drastischer Schritt – um ein Drittel, von 15 auf 10 Veranstaltungen, reduziert. Artist in Residence 2015/16 wird der türkische Pianist und Komponist Fazil Say – auch er ein Garant für viel überregionale Aufmerksamkeit.

von Christian Wildhagen

Der coole Schritt ins 21. Jahrhundert
Limmattaler Zeitung, 29.04.2015

Stargeiger Daniel Hope wird Musikdirektor beim Zürcher Kammerorchester.

Endlich, nach dem offiziellen Teil der gestrigen Programmpräsentation liess Direktor Michael Bühler die Bombe platzen: Daniel Hope ist der neue Music Director des traditionsreichen Zürcher Kammerorchesters. Wussten wir das nicht schon, fragen Sie sich jetzt. Gewiss: In dieser Zeitung stand am 29. Januar: «Wird bald ein Geiger das Zürcher Kammerorchester leiten? Vielleicht gar Daniel Hope?» Und der «Tages-Anzeiger» plapperte die Neuigkeit einige Wochen später nach. Jetzt ist es offiziell: Der britische Stargeiger tritt übernächste Saison sein Amt an. Ein Glücksfall für ein um Profil kämpfendes Kammerorchester: Hope ist nicht einfach einer, der ab und zu vorne auf dem Podium stehen und halbdirigierend Violinkonzerte fiedeln wird, sondern er steht für eine Zukunft der Klassik: Neue Projekte, neue Orte, andere Formen, der Miteinbezug von Sprache – alles Dinge, die Hope längst weltweit ausprobiert hat. Und bestens verkauft.

Hope wird allerdings explizit nicht Chefdirigent des ZKO. Als Music Director wird er andere Dirigenten und dirigierende Solisten einladen. Wer deshalb befürchtet, dass dem ZKO nun der vom ehemaligen, 81-jährigen Chefdirigenten Roger Norrington entwickelte Charakter verloren geht, hat vielleicht nicht unrecht. Aber eben: mit einem fixen Dirigenten ist man auch wieder nur ein kleines Tonhalle-Orchester. Mit Hope wird man ein noch flexibleres, noch moderneres Ensemble. Mit Hope hat man zudem einen Kopf, der international Gold wert ist. Schon in der Saison 2015/2016 wird man die Abo-Konzerte um einen Drittel kürzen (neu 10), und vermehrt im Ausland auftreten.

Fazil Say ist dann Artiste in Residence – und Norrington dirigiert zum Glück weiterhin einige Abende. Die Auslastung ist gestiegen, die Eigenwirtschaftlichkeit ebenso. Auch die CD-Produktion läuft, eben ist eine frische Aufnahme von Haydn-Sinfonien erschienen. Kurz: Es sieht gut aus für das ZKO.

von Christian Berzins

Klavierquartette von Brahms, Schumann und Mahler
Aachener Nachrichten, 24.04.2015

„Klavierquartette von Brahms, Schumann und Mahler“ Deutsche Grammophon/Universal

Unter den zurzeit angesagten Geigern ist Daniel Hope sicher einer der respektabelsten. Vielleicht auch deshalb, weil die Seitensprünge des gebürtigen Südafrikaners vom Podium des mit den großen Orchestern der Welt konzertierenden Solisten von so außerordentlicher Qualität sind. Der 41-Jährige hat Alben mit Sting gemacht, mit Sophie van Otter, mit Max Raabe, spielt Jazz und Filmmusik. Er engagiert sich für Amnesty International, äußert sich politisch, gilt nach seiner Zeit beim Beaux Arts Trio als versierter Kammermusiker. Nun lässt er einen Konzert-Mittschnitt aus New  York mit Klavierquartetten vermarkten. Man darf hin- und hergerissen sein.
Der Kopfsatz aus einem unvollendeten Quartett des 16-jährigen Gustav Mahler zeugt von erstaunlicher Reife eines an Schumann und Brahms geschulten Studenten. Und das Ensemble, zu dem sich die PianistinWu Han, der Bratscher Paul Neubauer und David Finckel am Cello gesellen, harmoniert im selten gehörten Werk bestens. Mahlers romantische Seele blüht. Die CD jedoch legt man für Schumann und Brahms ins Laufwerk. Schumanns E-Dur-Quartett ist einfach wunderbare Musik. Hier schon zeigt sich die Krux eines Ensembles, das von einem Weltklasse-Geiger geführt wird. Wenn der Cellist das gesangliche Thema im Andante cantabile anstimmt, ist man gerührt, wenn es Hope wenige Takte später wiederholt, ist man begeistert. Und verärgert zugleich. Denn man hätte doch gern den Eindruck, dass da ähnlich talentierte Musiker zusammenspielten. Nun ist auch Brahms g-Moll-Quartett dank Hopes wunderbaren Impulsen und seiner großen Erfahrung nichts für die Schublade. Im Gegenteil. Irgendwie quillt große Vitalität aus den Boxen, der im Studio aufgehübschte Live-Mitschnitt versprüht unmittelbaren Charme. Immerhin.

Daniel Hope, aventurier des accords perdus
Le Figaro, 21.02.2015

Féru d’histoire, le violoniste livre “Escape to Paradise”, fascinant retour aux sources du “son hollywoodien”

Le Figaro



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2016


Kein Geiger der Welt kann ihn erreichen
Hannoversche Allgemeine Zeitung, 30.03.2016

Daniel Hope über seinen Mentor Yehudi Menuhin, der vor 100 Jahren geboren wurde
Herr Hope, Yehudi Menuhin gilt als einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts. Was unterscheidet ihn denn eigentlich von anderen guten Geigern?
Natürlich gibt es ähnliche Musikerkarrieren, selbst wenn man bedenkt, dass Menuhin ein unglaubliches Wunderkind war. Aber was er nach dem Zweiten Weltkrieg gemacht hat, ist einmalig: Auf der humanitären und sozialen Ebene hat er ungeheuer viel bewegt. Von vielen Dingen, die er angeregt hat, profitieren wir als Menschen und Musiker bis heute. Sein Vermächtnis ist gigantisch, selbst wenn man seine vielen tollen Aufnahmen gar nicht berücksichtigt. Er hat Musik für seine Ideale eingesetzt – und das Jahrzehnte, bevor andere das gewagt haben.

Sehen Sie heute, wo die Konfliktlinien ganz anders verlaufen als nach dem Krieg, Nachfolger von Menuhin, die noch in diesem Sinn arbeiten?
Ich finde, es fehlt drastisch an klassischen Musikern, die bereit sind, sich zu engagieren. Daniel Barenboim ist sicher jemand, der viel bewegt hat, auch wenn er einen ganz anderen Charakter hat als Menuhin. Er kämpft unermüdlich für die Versöhnung – in diesem Fall zwischen Israelis und Arabern. Das entspricht stark Menuhins Gedanken. Der ist 1945 nach Deutschland gekommen und hat für die Überlebenden von Bergen-Belsen gespielt. Andererseits hat er die damals heftig umstrittenen Konzerte mit Wilhelm Furtwängler gegeben, um den Deutschen die Hand zu reichen. Das war vom Grundgedanken seiner Zeit sehr weit voraus.

Glauben Sie denn, dass man mit klassischer Musik überhaupt noch eine Symbolkraft entfalten kann, die wirklich etwas bewegt?
Daran glaube ich fest. Wir haben die Möglichkeit, Menschen zu erreichen. Natürlich kann Musik nicht die Welt verändern. Aber sie kann Menschen dazu bringen, zuzuhören und einen Dialog eröffnen. Gerade die klassische Musik zwingt die Zuhörer, über längere Zeit innezuhalten und über etwas nachzudenken. Deshalb darf man die Macht dieser Musik keinesfalls unterschätzen.

Sie waren schon als Kind im engen persönlichen Kontakt mit Menuhin. Wie kam es dazu?
In Südafrika war mein Vater, der Schriftsteller ist, ein entschiedener Apartheid-Gegner. Darum wurden wir auf eine schwarze List gesetzt. Meine Eltern haben sich damals entschlossen, das Angebot des Regimes anzunehmen, das Land innerhalb von 24 Stunden zu verlassen. Wir sind dann über Umwege nach Paris und letztendlich nach London gekommen. Dort haben meine Eltern irgendeine Arbeit gesucht. Schließlich ist meine Mutter jemandem begegnet, der jemanden kannte, der jemand kannte. Und der leitete eine ziemlich exklusive Arbeitsvermittlung. So konnte sie sich plötzlich zwei Teilzeitjobs aussuchen: Sekretärin des Erzbischofs von Canterbury oder von Yehudi Menuhin. Sie hat sich für Menuhin entschieden. Der Job sollte sechs Monate dauern. Er dauerte dann 24 Jahre.

Was hat das für Sie bedeutet?
Die ersten sieben, acht Jahre bin ich eigentlich in seinem Haus aufgewachsen. Dort war das Büro meiner Mutter, und sie hat mich jeden Tag mitgenommen. So hat sich unsere familiäre Beziehung entwickelt. Das Professionelle kam erst später, nachdem ich bereits begonnen hatte, bei Zakhar Bron Geige zu studieren. Menuhin wollte wissen, was Bronbewirken konnte und war positiv überrascht, dass ich die Geige so ernst genommen habe. Seither hat er mich unterrichtet – und zwar auf Tourneen: Er hat in mehr als 60 Konzerten auf der ganzen Welt dirigiert, und ich habe gespielt. Während dieser Zeit war ich auch in der Lage, etwas mehr von diesem Menschen zu verstehen. Er war eine Schlüsselfigur in meinem Leben, weil er sich politisch positioniert und mich immer ermutigt hat, eine Haltung zu haben.

Bei welchen Gelegenheiten haben Sie das zu spüren bekommen?
In den Neunzigerjahren haben wir zum Beispiel ein Konzert in Wunsiedel gespielt, wo damals das Grab von Rudolf Heß war. Um diese Zeit gab es dort gerade eine Versammlung von Neonazis. Bei unserer Ankunft sagte uns der Bürgermeister, es habe Drohungen gegeben und er rate uns, das Konzert abzusagen, weil er nicht für unsere Sicherheit garantieren könne. Ich werde nie vergessen, wie Menuhin darauf reagiert hat. Man hat ihn sehr selten wütend erlebt. Aber in dem Moment ist er regelrecht explodiert. Er hat gesagt, er werde niemals ein Konzert wegen so etwas absagen. Dann hat er sich zu mir umgedreht und gesagt, ich könne mich frei entscheiden. Natürlich habe ich dann auch gespielt. Das war ein Moment, in dem man ihn in seinem Element erleben konnte.

Die menschliche Größe von Menuhin ist kaum umstritten. Bei seinen geigerischen Fähigkeiten sieht das ganz anders
aus. Wie lautet Ihre Bestandsaufnahme?
Es gibt eine ganze Reihe von Aufnahmen, die bezeugen, dass wir es hier mit einem der besten Geiger der ganzen  Musikgeschichte zu tun haben: Das Elgar-Konzert unter Leitung des Komponisten, sein Schumann-Konzert mit John Barbirolli, sein Paganini-Konzert mit Pierre Monteux: Kein Geiger der Welt kann das nur ansatzweise erreichen. Es gab aber eine große Krise in Menuhins Leben. Danach musste er die Geige ganz neu lernen. Viele sagen, er ist dabei nicht auf das gleiche Niveau zurückgekommen. Ich sehe das nicht ganz so schwarz-weiß. Ich finde, es gibt auch fantastische Aufnahmen aus dieser Zeit, und ich habe ihn vor allem sehr oft live gehört: Das war fast bis zu seinem Tod unglaublich schön.

Sie sind kein großer Freund von Gedenkjahren. Was hat Sie jetzt bewegt, mit vielen Konzerten und einer CD an
Menuhin zu erinnern, der in diesem Jahr 100 Jahre alt geworden wäre?
Ich finde tatsächlich, man braucht keinen Anlass, um an große Musiker zu erinnern. Aber in diesem Fall sind 100 Jahre Menuhin auch 25 Jahre von mir. Da musste ich etwas machen. Die CD enthält meine persönlichen Erinnerungen an Menuhin. Ich versuche auch, die Arbeit seiner Initiative Live Music Now weiter zu unterstützen, die Musik zu Menschen bringt, die sonst keine Gelegenheit haben, so etwas zu hören. Ich habe während meines Studiums in Krankenhäusern und für schwerstbehinderte Kinder gespielt. Das sind Erinnerungen, die ich nie vergessen werde: Da sieht man, was man mit Musik bewirken kann.
Interview: Stefan Arndt

Daniel Hope ist 1973 in Südafrika geboren. Seine Eltern sind der Schriftsteller Christopher Hope und die Musikmanagerin Eleanor Hope-Klein. Er begann mit vier Jahren, Geige zu spielen. Seine Lehrer waren unter anderem Zakhar Bron und Yehudi Menuhin, der am 22. April 100 Jahre alt geworden wäre. Hope war von 2002 bis  2008 Mitglied des Beaux Arts Trios. Seine jüngste CD ” My Tribute to Yehudi Menuhin” ist bei Deutsche  Grammophon erschienen. Damit tritt Daniel Hope unter anderem am 14. April in Zürich, am 12. Mai in Tuttlingen, am  14. Mai in Dresden, am 16. Mai in Basel und am 17. Mai in Baden-Baden auf.

«Toll, kommen Sie nochmals!»
Neue Zürcher Zeitung , 14.04.2016

Daniel Hope spürt in Zürich geballte Energie – sie will er mit dem Kammerorchester nutzen

Ab Herbst wird das Zürcher Kammerorchester erstmals von einem Instrumentalsolisten geleitet. Der Stargeiger Daniel Hope will das Orchester international wieder etablieren.
Herr Hope, seit 25 Jahren touren Sie als gefeierter Violinvirtuose rund um die Welt. Warum kommen Sie nun ausgerechnet nach Zürich?
Ich habe eine sehr lange Verbindung zum Zürcher Kammerorchester. Ich bin quasi mit dem Klang dieses Orchesters gross geworden. 1975, noch als Kleinkind, habe ich das ZKO zum ersten Mal gehört. Meine Mutter, die Managerin von Yehudi Menuhin war, hat mich jeden Sommer nach Gstaad zu den Proben des Orchesters mitgenommen. Menuhin und das ZKO unter der Leitung des damaligen Chefdirigenten Edmond de Stoutz haben in Gstaad insgesamt fast hundert Konzerte gegeben, und etwa achtzig davon habe ich miterlebt.
Was bedeutet Ihnen das Zürcher Kammerorchester?
Es ist für mich eine Herzensangelegenheit. Ich habe mit dem ZKO unter Edmond de Stoutz, Howard Griffiths, Muhai Tang und Roger Norrington musiziert. Ich kenne also die ganze Geschichte dieses Orchesters mit den unterschiedlichen Persönlichkeiten seiner bisherigen Leiter. Es ist hochspannend, in dieser Situation nun meinen eigenen Input zu geben.
Wie beurteilen Sie die Qualität des ZKO?
Was mich immer überwältigt, ist sein Klang. Das ist für mich als Geiger das Wichtigste. Ich staune auch, wie sich der Klang im Lauf der Zeit gewandelt hat, angefangen beim satten, schönen Klang bei de Stoutz bis zum extrem reduzierten Klang bei Norrington. Nicht jedes Orchester ist so flexibel. Beim ZKO spielen extrem talentierte Vollblutmusiker, die das einfach können.
Wie kam es zum Vertrag?
Ich war hier 2014/15 Artist in Residence. Als Direktor Michael Bühler mich dann anfragte, als Nachfolger von Norrington die künstlerische Leitung zu übernehmen, habe ich keine Sekunde gezögert.
Roger Norrington war «Principal Conductor», Sie tragen nun den Titel «Music Director». Was ist der Unterschied?
Ich bin kein Dirigent und werde es auch nie sein. Ich bin Geiger und agiere von der Geige aus. Ich leite das Orchester vom ersten Pult aus, oder ich spiele als gewöhnlicher Geiger mit. Zudem laden wir natürlich auch Gastdirigenten ein. Was ich will, ist, Kammermusik im grossen Stil zu machen. Und das Orchester ist es gewohnt, ohne Dirigenten zu spielen.
Wie sieht die Rollenverteilung zwischen Ihnen und Konzertmeister Willi Zimmermann aus?
Willi Zimmermann ist ein sehr wichtiger Bestandteil dieses Ensembles. Es wird Programme geben, die ich als Solist leite, in denen aber Zimmermann als Konzertmeister beispielsweise eine ganze Sinfonie selber leiten wird. Es wird auch Programme geben, die Zimmermann in eigener Regie konzipiert. Wir sind ein tolles Gespann, und ich liebe es, mit ihm zusammen zu spielen. Dies gilt auch für die anderen Musiker, etwa den Cellisten Nicola Mosca oder den Cembalisten Naoki Kitaya, mit denen ich auch ausserhalb des Orchesters zusammen spiele.
Wie soll sich das Profil des Orchesters in den kommenden Jahren entwickeln?
Ich möchte, dass es sich internationalisiert. Das ist ein Teil meines Lebens; ich bin viel unterwegs. Meine Engagements bei Kammerorchestern werden künftig auf das ZKO gebündelt. Statt mit 20 oder 30 verschiedenen Kammerorchestern Konzerte zu machen, werde ich mit dem ZKO in Zürich und anderswo auftreten. Schon in diesem Sommer machen wir eine Residenz beim Schleswig-Holstein-Festival und spielen am Prague Festival, in Südkorea und in China. Ich möchte das Orchester auf der Weltbühne wieder neu etablieren, so wie dies zur Zeit von de Stoutz der Fall war.
Wie werden sich die Programme ändern?
Ich mische gern die verschiedenen Genres miteinander. Deshalb habe ich für die Saison 2016/17 Klaus Maria Brandauer als Artist in Residence angefragt. Auch das neue Format «Director’s Cut» folgt dieser Idee. Zudem ist das ein Gefäss, in dem ich ganz kurzfristig etwas programmieren kann. Da werden Gäste auftreten, die über Zürich etwas sagen können. Ich spüre, dass in dieser Stadt eine geballte Energie vorhanden ist, die ich nutzbar machen möchte.
Wie wollen Sie das ZKO neben den beiden grossen Orchestern – Tonhalle und Philharmonia – positionieren?
Wir sind in einer eigenen Nische. Wir konkurrieren nicht mit diesen Orchestern; das können wir schon vom Repertoire her gar nicht. Wir machen etwas ganz anderes. Ich möchte mit Freunden musizieren. Und ich möchte den Zürchern zeigen, dass die Kammermusik eine Musikform der Zukunft ist.
Glauben Sie, dass Sie neue, jüngere Publikumsschichten gewinnen können?
Daran arbeite ich von morgens bis abends. Dazu habe ich mehrere Bücher geschrieben. Ich produziere jede Woche eine Radiosendung für den WDR, in der ich über Musik spreche. Nach jedem Konzert kommen Menschen zu mir, die mir anvertrauen, dass sie zum ersten Mal in einem klassischen Konzert waren. Sie kamen, weil sie ein Buch von mir gelesen oder etwas von mir gehört haben. Dann sage ich immer: «Toll, kommen Sie nochmals!» Beim ZKO gibt es ein breit gestreutes Angebot an Formaten. Damit können wir ganz unterschiedliche Menschen erreichen.
Interview: Thomas Schacher



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