Als ich klein war, gab es nur eines, das mich so stark in den Bann ziehen konnte wie die Musik, und das war der Nachthimmel. Im Alter von acht Jahren kaufte ich mir mein erstes Teleskop und betrachtete stundenlang den Mond und die Sterne. Und ich stellte mir vor, wie es wohl gewesen sein mag, als die Menschheit erkannte, wie winzig sie im Angesicht des großen Ganzen ist.
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audio interviews

Musiker und Autor - Daniel Hope im Intervew mit O. Tischewski "wdr3"
(de), March 2011

Latest album Air
Classic FM Arts Daily (en), September 2009

How do we know that the music we are listening to is being played according to the composers wishes? Fine if the composer is there in person and can direct or correct what he's hearing. But go back to the Baroque and surely it becomes guesswork. Violinist Daniel Hope's latest album Air is a biography of the baroque through the strings of a violin. He outlines the project, and talks also about his parallel writing career.

Ein „europäischer" Geiger (de), September 2009

Daniel Hope - ein "europäischer" Geiger. Die biographischen Wurzeln des Briten reichen von Deutschland über Irland bis Südafrika. Schon als Kind wurde er von Yehudi Menuhin gefördert. Ihm zu Ehren spielt Hope heute Abend mit dem Chamber Orchestra of Europe bei den Ingolstädter Sommerkonzerten....


Distant Drum
Classic Feel (en), May 2014

While Daniel Hope was recently on a short visit to Cape Town, Lore Watterson caught up with this multifaceted artist and talked to him about the many different projects he is involved with, including A Distant Drum, which he is preparing together with his father (the South African author Christopher Hope). This portrays the musical history of a dark time for South Africa, but one lit by defiance, music, wit and style.

“I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way”

Lore Watterson: You are celebrated in the media as a British violinist, looking at your history, how do you see yourself?

Daniel Hope: That’s a very good question actually. I see myself as European. Of course I’m South African born, so my soul is here, it always has been. But I spend so little time here, you know we left when I was a baby, I grew up in England so I sound English and I went to school there, so my earliest influences and musical abilities are all associated with London. But I’ve lived out of the UK for so many years. When I was 18 or 19 I went to Lübeck to study, and then to Hamburg. Then I went to Amsterdam, and now I live in Vienna so I’ve always had this peripatetic existence, but Europe is where I really feel at home. I don’t tend to differentiate between where that is, I just love Europe. I love travelling, I love coming back here and I love travelling to other places but my old soul is Europe. And certainly German-speaking Europe because, on my mother's side, there is such a strong German connection.

LW: You have published books in German about a Jewish family living in Germany. Is it about your mother’s family?

DH: Yes, it was a very strong Jewish family going back to the 15th century in Potsdam and Berlin, and they converted to Christianity in the 19th century, as many did, and were fiercely patriotic Germans until the Nuremburg Gazette where they were no longer Germans. As a result they lost everything and had to flee, so most of them came to South Africa, some to America, but my grandmother came here.

LW: How important is the 'Jewishness' in your family?

DH: For me personally, it is very important because it’s at least half of my identity. On the other hand I’m an extremely unusual mixture; my father is Roman Catholic, my mother is Protestant, although she has this very strong Jewish background. On the Jewish side, in particular my mother’s family, and the first book I’ve written is about the family and the house in Berlin, which is a fascinating house and the story of what happened to this house. It took me on a journey to discover more of my Jewish roots and they go back so far, back to the first rabbi of Potsdam. We were actually related, so there’s no escape from my Jewish roots. I don’t identify myself as Jewish although I have great empathy towards the Jewish religion and to that genetic makeup in me.

LW: There are lovely traditions that are part of celebrations...

DH: Absolutely, and the music of course: the violin is one of the ultimate instruments. The whole idea of children singing with their mothers, the accompanying violin is always present. It’s something very close to the Jewish soul and I identify greatly with that.

LW: Besides writing, I see you’ve done some very interesting projects with Klaus Maria Brandauer, for example, you performed Dietrich Bonhoeffer’s letters together.

DH: They’re amazing, they are the letters from Aus der Haft as he was in the prison in Tegel and awaiting his execution. They are the most extraordinary documents, because on the one hand, they are the letters home to his family where he maintains this angelic reverence; and then there are his diaries where he speaks his feelings and his mind, which are of course terrifying. The juxtaposition of course with Brandauer, who is such a great actor, is that we do performances together where he will read and I will play, and the emotions within the letters and the diaries, I try to match in the music that I play. We have music and text, and we try to bring these genres together. There are moments where I will improvise to his voice, as his voice has the most amazing colours, and then there are moments of pure music and pure text. He is one of my closest friends, we’ve worked together for the last 15 years, and for me he’s one of the greatest actors in the world. I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way.

LW: You did Goethe’s Faust as well? Of course Brandauer being such a famous Mephisto.

DH: Yes, we did, and the Soldier's Tale of Stravinsky. We also did a wonderful evening called Böhmen liegt am Meer, which is a story of the Czech Republic from the middle ages up to present day, with texts by Czech poets and music by Dvořák and Janáček. We’ve also done a Don Juan evening together. We usually meet four or five times a year to do one or two projects. I admire him enormously and he was one of the first great actors I worked with, and the first one to try new forms of presentation and trying to find a hybrid. That’s actually why I’m here in Cape Town for this new project I’m doing with my father, which is also going to be a totally new form of music and visual presentation.

It’s a project for Carnegie Hall, they’re doing a big South African festival in October this year, which will be 18 or 19 days with an amazing collection of South African artists, musicians, dancers etc. They’re all being shipped over to Carnegie Hall. Carnegie came to me about a year ago and asked me to come up with something, whatever I wanted, as long as it was big. So the first person I called was my dad, and I told him it was time we did something together. I’ve always admired his writing and I’ve always wondered if there was a way for us to get together. He was thrilled at the idea, so I told him to come up with the story and then we’d piece it together from there. He came back and told me there was someone he wanted to write about, and that was Nat Nakaza. He was one of the great literary voices of the 60s. He was with Drum magazine, and was forced out of this country and went to New York, but he became disillusioned with America and killed himself. So my dad had always been fascinated by Nakaza’s story and wanted to find a way to tell the story. I was only too pleased and said I’d get the music together. I went to Carnegie Hall, they loved it. I told them I’d love to, in a sense, create a modern day South African soldier’s tale. You take the idea of a piece to be sung, danced, semi-staged, so it’s not music theatre, or an opera or a concert – it’s a tale that’s told and somehow illustrated with music. All of this based on Nat Nakaza. Carnegie took it like a shot, so I called Andrew Tracey and asked him to be a musical guide, as I needed help to get the sounds of that time. We decided we needed two actors, so we chose John Kani’s son, Atandwa Kani, who is very talented - he will play Nat Nakaza. The second actor is a fantastic young Afrikaans actor named Christiaan Schoombie and he will be the counterpart, almost like the devil quality. We have a wonderful theatre producer, Mannie Manim, and it will be played in Bloemfontein on the 13th and 14th of October this year, and the Carnegie Hall performance will be the 28th of October. After that I’d like it to go around the world as I think it has the potential to be something very special. I believe Nakaza is not as well known as he should be, perhaps even forgotten about, and yet his wit, energy, rhythm and take on life and apartheid was so singular. His humour and his restraint, was yet so biting. My father has written this beautiful, poignant, dramatic play, and it’s my job to bring these people together. I have some fantastic musicians as well, such as Jason Marsalis, brother of Wynton Marsalis, as well as a young French cellist, François Sarhan, who works a lot with Sting. So that’s the reason I’m here; My father turned 70 yesterday, and I’m meeting up with Mannie.

LW: Why did you choose Bloemfontein?

DH: We have an excellent director, Jerry Mofokeng, and one of his main gigs is at the theatre in Bloemfontein. Tom Morris, who also did War Horse, is very interested in taking it.

LW: I’ve interviewed a lot of musicians, and what I found very interesting about you is that you manage to do it with your music and you are breaking out doing other things as well. Is that something you feel, that you need different outlets other than playing the violin?

DH: Yes I do, and we were raised that way by my father, to always have an opinion. He encouraged us to write, and I started at the age of 14 or 15 (writing for school papers), and I quickly realised writing was an extension of music for me. When I made my first few CDs I interviewed the composers and wrote the booklet text, which at the time was very unusual. Early in my 20s I started the Theresienstadt Project (also known by its Czech name as Terezín), a garrison town 60 km north of Prague, the central collection point or ghetto for between 50 000 and 60 000 Czech Jews) and interviewing survivors. This all led to what I do now, I am now writing my fourth book, which is about composers who fled Europe and went to Hollywood. I’ve just completed a new album which is coming out at the end of the year, featuring those composers from the 1930s and 40s. I’m going to LA next month to interview some surviving composers from that time.

LW: When you were young, was it your desire to play an instrument, or your parents?

DH: Yes it was me. My parents didn’t know much about music other than that they loved it. We left South Africa because my father’s books were banned here, so we went to England. My father took teaching jobs to make ends meet, but we ran out of money. My mother had trained as a secretary in SA, and she went to an agency who had two job offers, one being the secretary to Yehudi Menuhin. It was meant to be just for six months but six months became 26 years, and so in a split second our lives changed. Had that not happened we’d be living in South Africa and things would be very different. So my mom would take me with her to work everyday, which was Yehudi’s house, and I would listen to the music all day, and not just Menuhin’s – it was the people who came there, like Ravi Shankar. At the age of four, it was probably not a great surprise when I said I’d like to be a violinist. My mom found a lady nearby who specialised in teaching young kids and I started with her and that’s what ignited that spark. Then when I was about 15, Menuhin took an interest as he realised I was actually serious about this. Then when I was 18, I realised I didn’t just want to be a violinist, I wanted to be a musician.

LW: …and so much more than ‘the British violinist Daniel Hope’. CF

Daniel Hope liebt die ganz besondere Schwingung
Westfälische Nachrichten (de), February 2014

Steinfurt - Violinvirtuose Daniel Hope hat jetzt zweimal die Bearbeitung von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ von Max Richter in der Bagno-Konzertgalerie gespielt. Mit unserem Redaktionsmitglied Hans Lüttmann sprach er darüber.

Mr. Hope, Sie haben Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ einmal „eines der heiligsten Stücke der Musikgeschichte“ genannt. Was bedeutet das nun für einen Violinisten?
Daniel Hope: Dass er es wie kaum ein anderes Stück in- und auswendig kennt, ja, dass es sich sozusagen in sein Gehirn eingebrannt hat. Ich selber spiele es seit meinem achten Lebensjahr. Und eben hier im Bagno bei der Zugabe, wo wir das original Vivaldi-Presto aus dem Sommer gespielt haben, puh, da hatte ich echte Probleme, nicht wieder in die Richter-Komposition zu rutschen.


Als Max Richter Sie gefragt hat, ob Sie seine recomposed, also neu komponierte Fassung aufnehmen wollten, was bedeutete das?
Hope: Vor allem ganz viel üben. Was Richter da komponiert hat, ist zwar annähernd 90 Prozent Richter, aber oft liegt seine Komposition doch nur einen Hauch neben dem Original.

Eröffnet so ein Stück modern interpretierter Klassik eigentlich auch jungen Leuten den Zugang zu einer Musik, die sie oft als altbacken und verstaubt abtun?
Hope: Oh ja, wenn ich an eines unserer Konzerte neulich in London denke, da waren viele 25-, 30- und 35-Jährige, die diesen Vivaldi total toll fanden. Man muss dazu auch wissen, das Max Richter in England sehr populär ist.

Anders ist doch sicher auch dieser kleine Saal, der gerade mal 250 Zuhörern Platz bietet?
Hope: Aber das macht überhaupt keinen Unterschied; ich liebe diese kleinen Säle. Ich möchte natürlich die Carnegie Hall nicht missen, aber hier, wo ich schon zum ich glaube fünften Mal spiele, da spüre ich diese Vibes, ich weiß kein deutsches Wort dafür, diese ganz besondere Schwingung.

Etwas Besonderes klemmt da ja auch auf Ihrem Notenständer, ein Heft ist es nicht.
Hope: Nein, das ist ein iPad. Unten habe ich Fußpedale, mit denen ich die Noten weiterblättern kann. Eine wirklich tolle Sache, eine App für zweifünfzig, aber da stecken ganze Partituren drin.

Das Publikum wird oft unterschätzt
Süddeutsche (de), October 2013

Der Geiger Daniel Hope gehört zu den interessantesten Künstlern seiner Generation. Ein Gespräch über Fleiß, Kommunikation und guten Rotwein

Von Florian J. Haamann

Daniel Hope gehört zu den wichtigen Namen der klassischen Musik. Nicht nur, weil er ein hervorragender Geiger ist, sondern auch, weil er ein charismatischer Botschafter seines Genres ist. Denn die Kommunikation mit den Hörern ist für ihn ein ganz wichtiger Teil seiner Arbeit. Egal ob im Internet, in Interviews oder während seiner Konzerte. In seinem aktuellen Album "Spheres" beschäftigt er sich mit der Idee der Sphärenmusik. Der antiken Vorstellung also, dass Himmelskörper bei ihren Bewegungen Töne produzieren, die einen für den Menschen unhörbaren harmonischen Gleichklang bilden. Am Wochenende gastiert er mit dem Münchner Orchester am Jakobsplatz in der Stadthalle Germering und präsentiert Ausschnitte aus seinem Album sowie eine von Max Richter bearbeitete Version von Vivaldis Vier Jahreszeiten.

Herr Hope, Sie haben einmal die klassische Musik mit einem Glas guten Rotweins verglichen. Was haben Sie denn damit gemeint?
Daniel Hope: Ich wurde damals gefragt, was der Unterschied zwischen Pop- und klassischer Musik ist. Und da habe ich, vielleicht etwas voreilig, die beiden mit Champagner und Rotwein verglichen. Für mich ist es so, dass der Champagner eben sofort wirkt, man bekommt einen leichten Rausch und nach ein paar Tagen oder schon am nächsten Morgen, weiß man nicht mehr genau wie er geschmeckt hat.

Und der Rotwein?
Bei einem tollen Rotwein ist es so, dass es manchmal sehr viel Zeit braucht, bis er schmeckt, bis man versteht, wie komplex er ist. Und wenn man einen wirklich ausgezeichneten Tropfen zu sich nimmt, dann kann es sein, dass man sich noch Jahre später genau an den Geschmack erinnert.

Was ist Ihnen eigentlich lieber? Ein gutes klassisches Konzert oder eine gute Flasche Rotwein zusammen mit Freunden?
Das ist wirklich schwierig. Natürlich ist die Musik für mich das Wichtigste. Aber Musik ohne Freundschaft und ohne eine gewisse Liebe ist auch unvorstellbar für mich. Und ich genieße die Gesellschaft von guten Freunden sehr. Dazu gehört es für mich auch, einen tollen Tropfen Wein zu verkosten. Aber selbst der beste Wein der Welt wäre nichts ohne Musik. Von daher ist für mich immer Musik an erster Stelle.

Setzen Sie sich auch mal zu Hause hin und hören eine CD, oder gehen Sie vor allem in klassische Konzerte?
Das mache ich wirklich wahnsinnig gerne. Nicht so oft, weil ich kaum zu Hause bin. Wenn ich aber tatsächlich mal den Luxus habe, daheim zu sein, dann gibt es für mich nichts Schöneres, als diese alten Aufnahmen. Insbesondere die ganz alten Geiger vom Anfang des 20. Jahrhunderts - und dabei einen wunderbaren Tropfen. Mehr geht nicht.

Erinnern Sie sich an die letzte CD, die Sie gehört haben?
Ich muss sagen ich bin etwas faul und auf MP3 umgestiegen, weil es so einfacher ist, meine gesamte Plattensammlung abzurufen, die Tausende CDs und Platten beinhaltet. Aber ich höre immer sehr gerne die großen Meister wie Fritz Kreisler, Adolf Busch, Mischa Elman und Jascha Heifetz. Also das sind für mich die Sternstunden.

Und auf Ihrem MP3-Player ist nur Klassik, oder auch etwas anderes?
Auf meinem Player ist einfach alles zu finden. Von Popmusik über indische Musik, Jazz, bis hin zu Neuerem, Experimentellem. Und natürlich auch Oldies. Wirklich bunt gemischt eben.

Gibt es auch aktuelle Popmusik, die Ihnen gefällt?
Das ist problematisch. Also es gibt einen sehr interessanten Künstler, den ich relativ oft höre: Devendra Banhart. Der macht eine Art von Popmusik, die ich interessant finde. Das bedeutet, er hat etwas zu sagen. Es ist nicht dieser massenproduzierte Pop, sondern bei ihm sind wirklich sehr viele Gedanken dahinter. Die Texte sind witzig, spritzig und er malt in musikalischen Farben, die mein Ohr aufhorchen lassen. Aus diesem Grund muss ich sagen, dass ich mehr Affinität zu den älteren Popmusikern habe, wie zum Beispiel Prince oder teilweise auch Sting, das ist die Art von Melodien, von Musikaufbau, der mir mehr zusagt als etwas, bei dem es einfach nur um Rhythmus und Klang geht.

Warum gibt es das in den jungen Generationen nicht mehr?
Ich weiß es nicht genau. Also beispielsweise ein Bob Dylan, der seiner Zeit einfach aus der Seele gesprochen hat, der fehlt heute. Manchmal, bei Künstlern wie Lady Gaga zum Beispiel, entdecke ich noch Seiten, die ich tatsächlich sehr spannend finde. Aber das meiste ist einfach im Studio so glattgebügelt, von der Stimme bis hin zur Instrumentierung, dass es mein Gehirn sozusagen völlig kalt lässt, und bei dieser Musik muss ich einfach sofort wegschalten, das kann ich nicht ertragen...

...dann hören Sie wahrscheinlich auch selten Radio?
Manchmal hört man vielleicht ein schönes Lied, aber dann geht's gleich wieder daneben. Und damit ich dann nicht direkt einen Unfall baue, wechsle ich doch lieber den Sender.

Sie sprechen viel von Ihrer Liebe zur Musik. Wie definieren Sie eigentlich ihre Rolle als Musiker?
Es geht mir darum , die Musik dieser gigantischen Komponisten weiterzugeben, ihre Gedanken für das Publikum zu übersetzen. Und dabei einfach zu wissen, dass wir als Interpreten ganz klein gegen einen Mozart oder einen Beethoven sind. Lächerlich klein sozusagen. Aus diesem Grund ist es extrem gefährlich, sich als Interpret zu ernst zu nehmen. Wir haben eine Rolle und wir haben eine eigene Persönlichkeit, das muss natürlich rüber kommen. Aber das ist nicht das Ziel. Das Ziel ist, diese Musik lebendig zu machen.

Ist das klassische Konzert, bei dem ein Musiker im Mittelpunkt steht, dann überhaupt die richtige Form, um Musik zu vermitteln?
Ich denke schon. Man muss die Leute erst einmal in den Saal locken und dort muss man sie dann abholen, sie ein bisschen bei der Hand nehmen. Ich tue das, indem ich meistens ein Programm gestalte, von dem ich das Gefühl habe, dass es eine Geschichte erzählt. Bei Konzerten erzähle ich manchmal etwas über die Stücke, bevor oder während ich sie spiele. Damit das Publikum merkt, dass da mehr dahinter ist, als nur die Musik. Das Publikum wird meines Erachtens nach viel zu oft unterschätzt und man müsste ihm manchmal mehr bieten, als wir es tun.

Was den Publikumskontakt angeht, gehören Sie zu den besonders aktiven klassischen Musikern. Würden Sie sich in dieser Beziehung mehr Kollegen an Ihrer Seite wünschen?
Das ist ein schwieriges Thema. Ich verstehe meine sehr geschätzten Kollegen, die sagen: "Nein, das ist nicht mein Ding. Ich spüre Musik anders, ich möchte sie spielen und nicht darüber sprechen." Das muss man akzeptieren und respektieren. Trotzdem es gibt Künstler, die das wirklich toll können, und ich finde, dass die, die bereit sind diesen Weg zu gehen, noch viel aktiver und energischer sein müssten. Weil man einfach sieht, was für eine Resonanz und was für ein enormer Austausch da stattfindet.

Wie könnte man denn mehr Künstler dazu bringen?
Ich finde, man müsste jungen Künstlern von vorneherein beibringen, wie man mit dem Publikum kommuniziert. Ob sie das dann einsetzen, ist deren Sache. Aber sie sollten wissen, welche Möglichkeiten es gibt. Da geht es nicht nur darum, zu moderieren oder zu sprechen, sondern auch, Konzertserien zu planen oder ein kleines Festival zu gründen. Oder einfach mal über Programmierung nachzudenken. Wenn sie zurückgehen ins 19. Jahrhundert und sich Josef Joachim, Johannes Brahms oder Felix Mendelssohn anschauen: Was die für Programme konzipiert haben, ist der Wahnsinn. Heutzutage sind wir weit davon entfernt, so erfinderisch zu sein wie diese Künstler damals. Natürlich muss das Technische dabei immer an erster Stelle bleiben.

Sie selbst überraschen ständig mit neuen Projekten. Sind Sie eigentlich ein Mensch, der schnell das Interesse an alten Dingen verliert, oder haben Sie einfach eine unstillbare kindliche Neugier?
Ich sage immer, ich leide an einer Überdosis kreativer Ideen. Mein Problem ist, dass ich überall Dinge finde, die mich neugierig machen. Und das geht eigentlich immer über meine Ohren. Ich höre etwas und dann entstehen Ideen, Projekte, Konzepte in meinem Kopf, und wenn ich mich ihnen widme, dann entsteht nicht nur ein Konzert, sondern ein ganzes Programm, ein Projekt. Manchmal trage ich diese Ideen jahrelang mit mir herum.

Können Sie ein Beispiel nennen?
Das Spheres-Projekt hatte ich im Kopf, seit ich acht oder neun bin. Nicht in dieser Art und Weise natürlich, aber die Idee mit den Planeten, der Musik, den Sternen. Trotzdem habe ich über 25 Jahre darüber nachgedacht, bis ich irgendwann eine BBC-Radiosendung gehört habe, in der Wissenschaftler darüber gestritten haben, ob es dieses Phänomen überhaupt gibt und wenn ja, wie man es beweisen könnte. Und plötzlich hatte ich die Idee, Stücke zusammenzubauen, die einen sozusagen anderswohin transportieren. Sie sehen, ich verliere das Interesse nicht schnell, ganz im Gegenteil. Es dauert manchmal wahnsinnig lange - und dann lasse ich nicht mehr los.

Wie war das denn damals in der Schule mit Ihrem kreativen Überschuss?
Das war ein Desaster für mich! Ich habe die Lehrer, meine Freunde und meine Eltern in den absoluten Wahnsinn getrieben. Ich wollte immer alles sofort wissen und verstehen. Und so bin ich noch heute. Wenn ich merke, ich kann etwas nicht wirklich gut, dann lasse ich es lieber. Das ist mir geblieben: dieses Ehrgeizige, diese Entdeckerseite.

Hat sich Ihr Verhalten in der musikalischen Ausbildung geändert?
Das war sehr interessant. Als ich angefangen habe, richtig Geige zu lernen, habe ich gemerkt, wie weit ich von anderen Geigern in meinem Alter entfernt war. Ich habe verstanden, dass ich richtig hart arbeiten muss, um auf dieses Niveau zu kommen. Das war eine komplette Umstellung meiner Gedanken, und das war gut so. Weil mich das zurück auf den Teppich gebracht hat, den Teppich der Realität. An dem ich bis heute klebe. Das heißt, ohne tägliche Übung ist es für mich nicht machbar.

Wie lange üben Sie denn am Tag?
Wenn ich die Chance habe, sechs Stunden. Und wenn ich das nicht schaffe, was natürlich beim Reisen sehr oft passiert, dann sind es mindestens vier Stunden. Aber ohne das ist es einfach nicht machbar, ein Berg-Violinkonzert, ein Strawinski-Violinkonzert oder einen Schostakowitsch zu bringen. Auf der Geige wird dir kein einziger falscher Ton verziehen. Dann steht es gleich in den Zeitungen und ist am nächsten Tag bei Youtube zu sehen und wird kommentiert von Menschen, die auf einmal die besten Kritiker sind.

Sie sind also jemand, der sehr hart und intensiv arbeitet. Wie war das bei Ihrem aktuellen Album?
Ich habe mich an den Computer gesetzt und angefangen zu recherchieren. Welche Stücke könnte man für eine sphärische CD verwenden? Schnell hatte ich ungefähr 3500 zusammen und mir war klar, dass das niemals auf eine CD passt. Also habe ich alles verworfen und mir einen neuen Ansatz überlegt.

Und zwar?
Ich habe darüber nachgedacht, ob es möglich wäre, in relativer kurzer Zeit Komponisten zu beauftragen, etwas zu schreiben. Dann habe ich mich hingesetzt, mir Komponisten angehört und die ersten Anfragen gestartet. Und plötzlich war da die Idee einer Reise mit kürzeren Stücke, Mosaiksteinchen quasi. Zusätzliche habe ich dann Stücke genommen, die es schon gab und von denen ich das Gefühl hatte, sie treffen die Idee von außerweltlicher Musik. Das ist natürlich immer eine ganz persönliche Idee. Es mag Leute geben, die sagen, das alles hat mit Sphärenmusik nichts zu tun. Für mich hat es das.

Was war für Sie besonders wichtig bei der Konzeption des Albums?
Die Dramaturgie. Wie ein Stück ins andere übergeht, wie die Tonart ist, wie es sich verändert. Ich versuche, den Hörer dazu zu bringen, dass er auf diese Reise mitgeht. So habe ich alles über lange, lange Zeit immer wieder zusammengepuzzelt.

Haben Sie aus der Beschäftigung mit diesem Thema auch eine persönliche Erkenntnis gezogen?
Der Kern dieses ganzen Prinzips ist für mich folgender: Was Musik ist, kann man nicht messen, nicht beschreiben. Die Emotionen, die sie aus den Leuten herauskitzelt. Dennoch, so die mathematische Aussage, ist die Schwingung berechenbar. Dieser Gegensatz fasziniert mich. Und er zeigt mir, dass die Musik über allem steht.

Am Wochenende spielen Sie gemeinsam mit dem Orchester Jakobsplatz aus München. Wie ist es zu dieser Zusammenarbeit gekommen?
Ich bin schon vor einiger Zeit auf dieses Orchester aufmerksam geworden, weil die Programme, die es gemacht hat, in meinen Augen sehr spannend waren. Und ich habe nach einem Orchester gesucht, das Zeit und Lust hätte, das Projekt zu machen. Dann haben wir das zusammen geprobt und im März in München zum ersten Mal gespielt. Das hat große Freude gemacht. Und daraus ist die Idee einer weiteren Aufführung gekommen.

Wie würden Sie das Orchester beschreiben?
Ich finde, der Zugang zum Repertoire ist etwas, was das Orchester ausmacht. Der Chefdirigent Daniel Grossmann macht das in meinen Augen sehr gut, indem er verschiedene Musikepochen miteinander kombiniert und natürlich auch indem er das Repertoire mit dem Jüdischen verbindet. Außerdem finde ich, dass es ein sehr energiegeladenes Ensemble ist, das aus sehr guten Musikern besteht. Solche Kammerorchester mag ich einfach gerne, mit denen man offen kommunizieren kann.

Haben Sie eigentlich schon einmal in der Stadthalle Germering gespielt?
Nein, noch nie. Es ist immer schön, nach so langer Zeit - ich stehe seit 25 Jahren auf der Bühne - noch eine neue Stadt entdecken zu dürfen, eine neue Halle, ein neues Publikum. Das ist wunderbar. Es gefällt mir, dass ich mit 40 Jahren sozusagen noch mein Debüt geben kann.

Aber bestimmt haben Sie sich schon umgehört, wie die Akustik ist.
Ich habe tatsächlich schon seit langem immer wieder von diesem Saal gehört. Die Leute haben ihn mir sehr ans Herz gelegt, nur leider hatte ich bisher noch nicht die Gelegenheit dort zu spielen. Deswegen freue ich mich sehr auf das Konzert.

press articles

What's Still Timeless About 'Seasons'
The Wall Street Journal (en), August 2013

By DANIEL HOPE - I first experienced Vivaldi as a toddler at Yehudi Menuhin's festival in Gstaad, Switzerland, in 1975. One day I heard what I thought was birdsong coming from the stage. It was the opening solo of "La Primavera" from the "Four Seasons." It had such an electrifying effect that I still call it my "Vivaldi Spring." How was it possible to conjure up so vivid, so natural a sound, with just a violin?

Opinions of Vivaldi divide between those who adore and those who despise him. Ask the average person if he recognizes a classical melody, however poorly hummed, and he will probably nod enthusiastically at the second theme of "Spring" from the "Four Seasons." On the other hand, Igor Stravinsky summed up the case for the other side when he quipped, "Vivaldi wrote one concerto, 400 times."

Yes, Vivaldi was incredibly prolific. Nonetheless, his most famous work remains his "Four Seasons." To understand this masterpiece, it helps to shed a little light on the rise and fall of one of the greatest violinists of the 18th century. Born in Venice in 1678 into a desperately poor family, Vivaldi chose the priesthood early on—it offered good chances of advancement. But his plans were scuppered when his severe asthma meant that he was unable to conduct long masses and because, gossip has it, he would nip out for a glass of something during the sermon.

What changed his life forever was an unusual job offer. In 1703 a Venetian orphanage, the Ospedale della Pietà, which provided musical training to the illegitimate and abandoned young daughters of wealthy noblemen, asked Vivaldi to direct its orchestra. Vivaldi understood immediately that he had a unique ensemble at his disposal. Many of his greatest works were written for these young ladies to perform. Very soon, all Europe was enthralled.

He remained there for 12 years and, after an itinerant period working in Vicenza and Mantua, returned to Venice in 1723. The 1720s were a difficult time. The bursting of the "South Sea Bubble" triggered a recession that spread across Europe. Vivaldi needed an income. So in 1723 he set about writing a series of works he boldly titled "Il Cimento dell' Armonia e dell'invenzione" ("The trial of harmony and invention"), Opus 8. It consists of 12 concerti, seven of which—"Spring," "Summer," "Autumn" and "Winter" (which make up the "Four Seasons"), "Pleasure," "The Hunt" and "Storm at Sea"—paint astonishingly vivid, vibrant scenes. In "Storm at Sea," Vivaldi reached a new level of virtuosity, pushing technical mastery to the limit as the violinist's fingers leap and shriek across the fingerboard, recalling troubled waters.

In the score, each of the four seasons are prefaced by four sonnets, possibly Vivaldi's own, that establish each concerto as a musical image of that season. At the top of every movement, Vivaldi gives us a written description of what we are about to hear. These range from "the blazing sun's relentless heat, men and flocks are sweltering" ("Summer") to peasant celebrations ("Autumn") in which "the cup of Bacchus flows freely, and many find their relief in deep slumber." Images of warmth and wine are wonderfully intertwined. When the faithful hound "barks" in the slow movement of "Spring," we experience it just as clearly as the patter of raindrops on the roof in the largo of "Winter." No composer of the time got music to sing, speak and depict quite like this.

Vivaldi's fame spread. He received commissions from King Louis XV of France and Rome's Cardinal Pietro Ottoboni. When Prince Johann Ernst returned to his court at Weimar from an Italian tour, he brought with him a selection of Vivaldi's earlier, 12-concerto "L'Estro Armonico" ("Harmonic Inspiration") and presented it to the young organist Johann Sebastian Bach. Bach was so taken with the music that he rearranged several of the concertos for different instrumentation. A legend was born. Johann Friedrich Armand von Uffenbach exclaimed: "Vivaldi played a solo accompaniment—splendid—to which he appended a cadenza which really frightened me, for such playing has never been nor can be: he brought his fingers up to only a straw's distance from the bridge, leaving no room for the bow—and that on all four strings with imitations and incredible speed."

But Vivaldi's fame was eventually to become his greatest enemy. People said that "Il Prete rosso" ("the red priest," due to his flowing red locks) was surely in league with the devil—seducing those poor defenseless orphans, whose corsets he untied with a mere flick of his bow. The pope threatened him with excommunication. Suddenly, he was out of fashion. Once again he was broke. In May 1740, he headed to Vienna, where Emperor Charles VI had once offered him a position. He died there a year later, and was buried in a pauper's grave.

Centuries passed. Dust gathered on the red priest's music. A revival of sorts began when scholars in Dresden began to uncover Vivaldi manuscripts in the 1920s. But what really redeemed him was the record industry. Alfredo Campoli released a live recording of the "Four Seasons" in 1939. But, at least indirectly, the greatest revival of the "Seasons" occurred thanks to Hollywood. Louis Kaufman, an American violinist and concertmaster for more than 400 movie soundtracks, including "Gone With the Wind" and "Cleopatra," recorded the "Four Seasons" for the Concert Hall Society. It won the 1950 Grand Prix du Disque.

Today the "Four Seasons," with more than 1,000 available recordings, are not just rediscovered—they are being reimagined. Astor Piazzolla, Uri Caine, Philip Glass and others have all created their own versions. In Spring 2012, I received an enigmatic call from the British composer Max Richter, who said he wanted to "recompose" the "Four Seasons" for me. His problem, he explained, was not with the music, but how we have treated it. We are subjected to it in supermarkets, elevators or when a caller puts you on hold. Like many of us, he was deeply fond of the "Seasons" but felt a degree of irritation at the music's ubiquity. He told me that because Vivaldi's music is made up of regular patterns, it has affinities with the seriality of contemporary postminimalism, one style in which he composes. Therefore, he said, the moment seemed ideal to reimagine a new way of hearing it.

I had always shied away from recording Vivaldi's original. There are simply too many other versions already out there. But Mr. Richter's reworking meant listening again to what is constantly new in a piece we think we are hearing when, really, we just blank it out. The album, "Recomposed By Max Richter: Four Seasons," was released late last year. With his old warhorse refitted for the 21st century, the inimitable red priest rides again.

article appeared August 23, 2013, on page C13 in the U.S. edition of The Wall Street Journal

Wien ist ein Rückzugsort
Wiener Zeitung (en), April 2013

Stargeiger und Entertainer Daniel Hope ist weltweit unterwegs und in Wien zu Hause

Von Daniel Wagner

Was dem Stargeiger und Wahlwiener Daniel Hope an seinem Wohnsitz gefällt.

Wien. Frühstück im Dritten. Kann eine Stadt inspirieren? Daniel Hope stimmt zu. Hier kann er alles aufsaugen, die Vergangenheit ist so gegenwärtig wie nirgendwo anders. Wobei die Besonderheit für den Stargeiger die Mischung macht. Wien sei eindeutig ein Schmelztiegel, mitten in Europa, die Nähe zum Balkan, die türkische Vergangenheit. Bei allen Unterschieden verwenden dennoch alle irgendwie die gleiche Sprache. "Abgesehen davon bin ich wahrscheinlich der weltgrößte Fan von Jugendstil", sagt Hope und lacht.

Natürlich kann Wien für einen Musiker das Zentrum der Welt sein. Allein wenn er durch die City geht und Gedenktafeln von Mozart, Haydn, Beethoven bis zurück zu Vivaldi seinen Weg kreuzen, kann er nur staunen.

Journalistische Triebkräfte
 Hat Wien für ihn nicht zu musealen Charakter? Der medial erfahrene Publikumsliebling schüttelt den Kopf. Durch das Wissen um die kulturelle Vergangenheit habe gerade hierzulande die Kultur einen besonderen Stellenwert inne. Denn in der gegenwärtigen Krise wird weltweit bekanntlich zuerst an der Kultur gespart. Zwei Ausnahmen fallen nach Hope hier auf: Deutschland und besonders Österreich, wo die Wertschätzung den Kunstschaffenden gegenüber vorbildlich sei.

Apropos Deutschland: Die Fernsehlandschaft der Nachbarn erkor ihn in den letzten Jahren gerne zum moderierenden Musiker. Klassik erklärt aus dem Mund des Praktikers. Wie wurde man auf seine Entertainer-Qualitäten aufmerksam? Dass er journalistische Triebkräfte hat, wurde ihm schon als Herausgeber der Schulzeitung im südafrikanischen Durban bewusst. Dann das eigentliche Geschäft: Yehudi Menuhin förderte ihn während und nach dem Studium am Londoner Royal College of Music. 2002 folgte er dem Ruf des immer umtriebigen Menahem Pressler (unlängst gab der 89-jährige Pianist sein Wiener Solodebüt). Hope wurde der letzte Geiger des legendären Beaux Arts Trios. Woran er bei dem Ensemblegründer denkt? "Wenn Pressler spielt, ist er einfach Musik. Dieses Gefühl kann nur er verbreiten." Daneben die internationale Solokarriere. Zum Fernsehen kam er aus purem Zufall. Ein Regisseur bei Arte bat ihn während Dreharbeiten, nicht nur zu spielen, sondern auch zu moderieren. Und es hat Spaß gemacht.

Immer wieder Wien. Auch persönliche Gründe zogen ihn hierher, lebt doch die Mutter seit 20 Jahren mit ihrem zweiten Mann, dem Sänger Benno Schollum, in der Stadt. So schließt sich der Kreis zur komplexen Familienhistorie, Hope bezieht sich väterlicherseits auf katholisch-irische Vorfahren, mütterlicherseits führen die Wurzeln ganz deutlich nach Wien. Genauso wie nach Berlin. Die deutsch-jüdische Provenienz wurde der Familie zum Verhängnis. Ribbentrop persönlich enteignete einen Urgroßvater und machte dessen Berliner Villa zur Dechiffrierstation der Nazis. Der andere, seines Zeichens erfolgreicher Journalist, begrüßte den Machtwechsel. Bis er merkte, dass er "Volljude" war und Selbstmord beging. Der Urenkel feiert im heutigen Deutschland große Erfolge. Gibt es Schatten der Vergangenheit? "Ich liebe das Land, arbeite gerne dort, aber Wien gibt mir die nötige Distanz zur Familiengeschichte."

"Ich habe das Gefühl, dass oft 300 verschiedene Projekte gleichzeitig durch meinen Kopf schwirren. Ich schnappe etwas auf, manches liegt Jahrzehnte, vieles wird verwirklicht." Beispielsweise sein unlängst veröffentlichten Album "Spheres": Schon als Kind liebt er sein Teleskop, über Yehudi Menuhin lernte er den US-Astronomen Carl Sagan kennen und erfuhr von Sphärenmusik, neulich hörte er eine Radiosendung darüber, und währenddessen entstand das Konzept für die Aufnahmen. Es ist Musik zum Ausspannen, fernab des tagtäglichen Wahnsinns. "Wo wir doch so klein in der Milchstraße sind, müssen wir uns die begründete Frage stellen, was es noch da draußen gibt."

Mit Daniel Hope in den Kosmos schweben
Salzburger Nachrichten (de), March 2013

von Ernst Strobl

Im Fernsehprogramm wird er so angekündigt: „Einer der besten Geiger der Welt ist Daniel Hope. Bereits mit elf Jahren trat der britische Musiker mit Yehudi Menuhin auf, der ihn einmal als seinen musikalischen Enkel bezeichnete. Über 100 Konzerte gibt Daniel Hope jedes Jahr, immer mit dabei ist seine Guarneri-Geige von 1742 . . .“ Okay, er ist Geiger, aber das ist längst nicht al les. Daniel Hope ist wohl so etwas wie ein Tausendsassa. Neben der weltumspannenden Konzerttätigkeit ist er seit zehn Jahren Künstlerischer Leiter des Savannah Musical Festivals in Georgia, sein Amt als Künstlerischer Direktor des Festivals Mecklenburg-Vorpommern legt er heuer nach vielen Jahren nieder.

Und natürlich nimmt Hope CDs auf. Soeben ist eine der faszinierendsten Aufnahmen der jüngeren Zeit erschienen, mit denen Hope die Hörer wahrhaft in höhere Sphären entführt. Ihn an seinem neuen Wohnsitz Wien anzutreffen, ist nicht einfach. Vor ein paar Tagen passte es. Hope kam eben von Konzerten aus den USA zurück, wo er auch den 89-jährigen Pianisten Menahem Pressler besuchte, der ihn vor Jahren zum Beaux Arts Trio geholt hatte. Es folgte ein Abend mit Klaus Maria Brandauer in Zürich, Wien diente zum Umsteigen nach Göteborg, wo er am Donnerstag mit dem Britten-Violinkonzert bejubelt wurde. Heute, Samstag, ist Hope im SWR Fernsehen zu sehen.

„Spheres“ ist der Titel der CD, ist das was für Esoteriker? Ja, das habe er gern, sagt Hope. Es sei eine schöne Vorstellung, dass Planeten bei ihrer „Begegnung“ Sphärenklänge erzeugten. Hörbarer funktioniert das auf der Geige, wo Reibung Töne erzeugt. Und was für welche! Hope achtete auf die Dramaturgie bei der Auswahl der 18 Stücke. Begleitet vom Dirigenten Simon Hal sey, Kammerorchester, Chor oder Klavier zieht er fragile, innige oder glänzende Fäden über fast filmische Musik vom Barock über Phil Glass bis zu Arvo Pärt, Lera Auerbach und Ludovico Einaudi. Eine intensive, geglückte Entdeckungsreise – auch ohne Sternenhimmel zum Rauf- und Runterhören schön.

CD. Daniel Hope, „Spheres“, u. a. mit Jacques Ammon, Klavier, Deutsches Kammerorchester Berlin, Rundfunkchor Berlin. Deutsche Grammophon. TV. Daniel Hope zu Gast bei Frank Elstner. SWR, Samstag, 21.50 Uhr.

concert reviews

Daniel Hope at Hahn Hall
Independent Santa Barbara (en), July 2014

Versatile English Violinist Led Academy Fellows on Saturday, July 5

English violinist Daniel Hope’s debut recital Saturday night was an exemplary Summer Festival guest performance: virtuosic in expression, fresh in programming, and winning in the guidance of an Academy ensemble. The unforgettable first half of this concert consisted of a variety of works for unaccompanied violin, all played with power, presence, and astonishing control of sound, tone, and tuning. The second half brought to the stage an ensemble of 15 fellows and three faculty members for a performance of contemporary composer Max Richter’s “recomposition” of Vivaldi’s The Four Seasons violin concertos, a work premiered by Hope in 2012.
The evening began with an unprogrammed segue to Passacaglia by Heinrich Ignaz Franz von Biber, composed by his late-17th-century contemporary Johann Paul von Westhoff. Imitation of Bells was a mesmerizing experience, a melody-less sequence of rhythmic arpeggios affected by the steady rocking of the bow over all strings. The resulting block of sound was at once static and dynamic, undulating on the surface while gradually transforming harmonically. Von Biber’s Passacaglia, which followed without pause, is another work at once simple and complex. A slow-walking descent of four repeated notes (think “Sing Christmas Bells”) forms the unvarying backbone of this solo violin showpiece, with all the interest invested in imaginative variation, ornamentation, and fill-ins. Hope captured the improvisational character of Passacaglia, and proved that our favorite rock and jazz solos, inventions often built over just such simple vamps, are at root nothing new.
The jaw-dropping event of the evening, however, followed next, with two modern masterpieces that combined broad tonal language with advanced techniques. Hope joked that Alfred Schnittke’s A Paganini pays homage to the legendary violinist and composer by running his Caprices through a blender. The Soviet and Russian composer, who made his living writing film scores, was fascinated by electronic effects, and Hope’s rendition was tastefully enhanced by the live manipulations of English sound artist Chris Ekers. Erwin Schulhoff’s Sonata for Solo Violin unfolds in four short movements, and evinces folk fiddle influences. Hope gave a touching introduction that honored the Czech composer whose life was cut tragically short during World War II.
Max Richter allegedly wrote Recomposed: Vivaldi’s ‘The Four Seasons’ not merely in homage to the composer, but also in revolt to nauseating habituation that employs the original as elevator and dental office muzak. The meta-dimension is extremely effective for awakening the listener: hooking the ear with familiar fragments of melody or orchestral ostinato, only to launch into the unknown (and frequently unresolved), as if a familiar highway had been magically rerouted overnight. The fine ensemble was augmented with harpsichordist Chien-Lin Lu and harpist Ruriko Terada, as well as faculty members Jorja Fleezanis (violin), Alan Stepansky (cello), and Nico Abondolo (double bass).

By Joseph Miller

Sanfte Töne in der Festspielscheune
Nordkurier (de), June 2014

Katja Riemanns Trick mit der sonoren Stimme

Schauspielerin Katja Riemann kennen die Zuschauer aus unzähligen deutschen Filmen. Sie gilt oft als die kühle Norddeutsche. In der Festspielscheune Ulrichshusen zeigte sie sich ziemlich locker und brachte rund 1000 Gästen Johann Wolfgang von Goethe nahe. Die 50-Jährige mag Experimente. Deshalb stellte sie sich mit Violinist Daniel Hope auf eine Bühne. Der Abend im Überblick:

Katja Riemanns Rolle

In einem orientalischen roten Kleid mit goldenen Ornamenten tritt die Schauspielerin auf und macht gleich das Motto klar: Der Osten trifft den Westen. Dazu hat sie die Haare zu Dreadlocks gedreht und mit einem Tuch hochgesteckt. Diese Äußerlichkeiten bleiben die einzigen Rollen, Fassaden, Schauspielereien, die sie an den Tag legt. Ansonsten ist sie einfach Katja Riemann pur mit einer unglaublich verführerischen, leicht rauchigen, sonoren Stimme. Ganz reduziert liest sie Auszüge aus Johann Wolfgang von Goethes Gedichtsammlungen „West-östlicher Divan“ und „Chinesisch-deutsche Jahres- und Tageszeiten“. Dazu mischt sie Zeilen aus „Wilhelm Meisters Lehrjahre“, die von Mignon, einem knabenhaften und zugleich erotisch anziehenden Mädchen, vom „Land, wo die Zitronen blühen“ erzählen. Katja Riemanns Töne und Betonungen sitzen auf den Punkt.

Daniel Hopes Rolle

Hopes Klänge schmiegen sich an die Zeilen von Katja Riemann wie Karamell- oder Vanillesoße, die auf der Zunge zergeht. Diese weichen Noten verführen einen, sie rauben einem die Sinne. Man muss die Augen schließen, alles um sich herum ausschalten und nur noch die Ohren spitzen. Jeder Ton ist ganz sanft und teils behutsam in die Länge gezogen, um den Genießer ja nicht zu erschrecken. Wie Daniel Hope das schafft? Er hat eine ganz spezielle Art, seine Geige zu spielen. Er zupft sie, während er sie zugleich mit dem Bogen streichelt. Faszinierend, welche schönen, nachdenklichen Melodien er fabriziert.

Thema des Abends

Wie sich Literatur mit Musik verbindet, bildet der Osten mit dem Westen eine Einheit. Doch das Programm von Riemann und Hope ist viel tiefgründiger angelegt. Es geht auch um den Blick über den Tellerrand. Darum, dass sich Völker und Menschen ohne Hass vereinen. Das Thema könnte also kaum aktueller gewählt sein.

Zelebriert wird die Vereinigung verschiedener Kulturen auf der Bühne: Katja Riemann, im niedersächsischen Kirchweyhe geboren. Daniel Hope, im südafrikanischen Durban auf die Welt gekommen. Und es kommen Sitar-Spieler Gaurav Mazumdar und Tambura-Spieler Shahbaz Hussain Khan aus Indien und Pakistan dazu. Welch bunter Schmelztiegel, der zeigt, dass Herkunft, Religion, Weltanschauung, Alter völlig egal sind.

Schönster Satz des Abends

Zwar spricht ihn Katja Riemann, aber er stammt von Goethe: „Toleranz sollte eigentlich nur eine vorübergehende Gesinnung sein, die alsbald zur Anerkennung führt. Denn nur Dulden heißt beleidigen.“

                                                                 von Marcel Auermann

Hommage à Daniel Hope
Badische Zeitung (de), May 2014

Freiburger Albert-Konzert mit dem britischen Geiger.

Einer wie er darf das. Bei vielen anderen würde man die Nase rümpfen, wenn sie nach Mendelssohn und Grieg als Zugabe mit Gershwin daherkämen. Und dann noch einmal mit Schubert – "An die Musik". Doch wenn Daniel Hope "I got Rhythm" und "Summertime" sinnlich macht, wenn er mit den Versen des Schubert-Freundes Franz von Schober "Du holde Kunst" auf der Geige anstimmt, so schlicht, so ergeben, fühlt man sich tatsächlich "in eine bessre Welt entrückt".

Daniel Hope ist ein Nonkonformist unter den Stargeigern der Gegenwart. Das Programm, die "Hommage à Joseph Joachim", mit der er und sein Klavierpartner Sebastian Knauer beim Freiburger Albert-Konzert im Konzertsaal der Musikhochschule aufwarten, kündet von solcher Eigenwilligkeit. Und einer schier grenzenlosen Lust am Musizieren um des Spielens willen. Der südafrikanisch-britische Geiger mit irisch-deutsch-jüdischen Wurzeln ist das Musterbeispiel eines Kosmopoliten, den seine Begabung, Vielseitigkeit und Neugier immer wieder durch die Musikgeschichte und -gegenwart mäandern lassen; ohne dass dabei der Eindruck lästiger Crossover-Moden entstünde.

Mit feuriger Leidenschaft

Natürlich, das Programm um den nach Paganini zweitberühmtesten Violinvirtuosen des 19. Jahrhunderts wäre in seiner gewollten Kleinteiligkeit besser im Ambiente eines musikalischen Salons im Stil dieser Epoche aufgehoben. Hope und Knauer fangen das Manko aber nach der Pause mit dem Duktus eines Gesprächskonzerts ab, und so begreift der Zuhörer die Aura dieses großen Geigers Joachim, die nahezu alle gefangen nahm – von Mendelssohn, Clara Schumann über Brahms bis etwa Grieg. Mit dessen c-Moll-Sonate op. 45 steuern das Duo Hope/Knauer einen emotionalen Höhepunkt zum Ende seines Abends an. Die feurige Leidenschaftlichkeit ihres Spiels ist von solcher Unmittelbarkeit, dass man von Griegs folkloristischer Natur-Naivität (mit Anklängen an das Finale von "Peer Gynt" im langsamen Satz) einfach gefesselt werden muss.

Die Miniaturen an diesem Abend, Clara Schumanns Des-Dur Romanze, die Hope-Bearbeitungen von Mendelssohn-Liedern (im Stil der Zeit) oder Joachims sich zur freien Fantasie emporschwingende B-Dur-Romanze wirken im Vergleich dazu wie intime Hausmusik-Piècen. Und bei aller Spannungsgeladenheit in Brahms’ Scherzo der "F.A.E.-Sonate" – Höhepunkt ist sicher dessen G-Dur-Sonate. Von den Pianissimo-Momenten (Ende erster Satz), überhaupt von den dynamischen Kontrasten dieser herb-süßen Interpretation wird man noch lange träumen. Hopes sensibler, in warmem Vibrato aufblühender, aber nie steriler Ton, der auch selbstlos hinter das Klavier zurücktritt, verbindet sich mit diesem zu höchster kammermusikalischer Einheit. Da lässt sich sogar das erfahrene Albert-Publikum mal zum Zwischenapplaus hinreißen. Eine Hommage à Hope...

von Alexander Dick


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Daniel Hope is interviewed on Bloomberg TV's "Muse" Programme

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Daniel Hope live at DAS! (D / german TV).

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Daniel Hope on BBC Radio 4 "Front Row", September 2009

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Daniel Hope on Mendelssohn, Gramophone Magazine March 2009