Musical tradition comes naturally for Hope

Daniel Hope did not come from a musical family. In fact, when the celebrated violinist and conductor Yehudi Menuhin asked Hope's mother if she could tell the difference between Bach and Beethoven, her response was, “Yeah, I think so.”

Menuhin wasn't idly quizzing the woman on her knowledge of classical music; this was a job interview. She gave the answer with enough confidence that she got the job, as Menuhin's secretary. “And before we could blink, we were thrust into the world of music,” Daniel Hope said.

Out of that world of music, Hope has created another world of music, a mini-empire that spans continents and books, festivals and collaborations. Hope makes his debut at the Aspen Music Festival Friday, in a concert with the Aspen Chamber Symphony and conductor Robert Spano, the festival's music director-designate. Hope, a 37-year-old violinist, will be featured in two pieces: Ravel's “Tzigane,” and the American premiere of “Unfinished Journey,” a 2009 piece for violin and strings that Hope commissioned from Lebanese composer Bechara El Khoury, to commemorate the 10th anniversary of Menuhin's death.

Hope moves over to the Harris Hall on Tuesday, July 19, for “A Baroque Evening with Daniel Hope,” a concert featuring works by the best-known figures of the Baroque period — Bach, Vivaldi, Telemann — and also spotlights the work of Westhoff, a largely forgotten composer who, according to Hope, was considered superior to his colleague Bach early in their careers. “He was one of the great violinists of his day. And a great discovery for me,” said Hope, who featured Westhoff on his 2009 album “Air: A Baroque Journey.”

It is a bit of a wonder that Hope is in Aspen at all. While he is in Colorado, the Mecklenburg Festival, which Hope serves as music director, carries on without him. Hope, however, already did his bit in Mecklenburg this summer, premiering El Khoury's War Concerto last month. And there will be time for Hope to return to his festival this summer; Mecklenburg, the third largest festival in Germany, spans three months, 80 venues and 125 performances. Under Hope, who took over in Mecklenburg last year, the festival began a young musicians exchange program with Carnegie Hall and the Chamber Music Society of Lincoln Center.

Hope is also the associate artistic director of the Savannah Music Festival, in Georgia, an early-spring gathering that covers jazz, country, bluegrass, gospel, Portuguese fado, and Indian styles, as well as classical.

And there are the projects. Over the last 15 years, Hope has been researching composers murdered by the Nazis; the interest has been manifested in a 2008 concert at the Berlin airport to commemorate the 70th anniversary of Kristallnacht, and a series of events with mezzo soprano Anne Sofie von Otter, including a concert tour and the 2007 recording, “Terezin.” Hope's latest recording, “The Romantic Violinist,” is designed to cast a light on Joseph Joachim, a 19th century musician whom Hope says was instrumental in the creation of violin concerto repertoire.

Hope is also an author, with three books to his credit. The first was a family history, tracing how the Nazis took over his ancestral villa, in Berlin, and made it into a center for Nazi cryptology. The second, “When Do I Applaud?” is a guide to concertgoing etiquette and customs. “Toi Toi Toi,” which translates as “good luck,” catalogues classical music catastrophes, from onstage deaths to the story that Sting, a friend of Hope's, told him, about a vocalist who collapsed on the Royal Albert Hall stage during the Proms concerts, and was promptly replaced by a member of the audience.

Hope has his own music tragedy to tell. As a 7-year-old in his first performance, at London's South Bank Center, with his teacher and several other young players, Hope leaned back against a swinging door and disappeared, to the laughter of the audience.

“I came back in, more laughter. I was incredibly embarrassed — and hadn't even played a note yet. My career was over before it began,” he recalled. Hope adds that the experience has had a happy ending: “I realized, it's not about the mishap, but about how you recover, how you make it not a disaster. Whenever I get nervous, I think about that moment and it relaxes me.”

Hope's entry into the music realm was less of a mixed experience. After Menuhin hired his mother, Hope practically became a fixture at the Menuhin house.

“I was soaking up the music — not only Menuhin, but Stéphane Grappelli, Ravi Shankar, people who came on a daily basis. I remember pulling the spike out from Rostropovich's cello,” he said. “It wasn't even a question of wanting to become a musician; music was implanted in my brain.”

One issue loomed over his career — a potential conflict of interest with his mother's employer. Menuhin intentionally kept his distance from the young Hope, until, when Hope was 16, he heard Hope play — and immediately brought him on a concert tour, with Menuhin conducting and Hope as soloist.

“It was the best possible way of learning those pieces,” Hope, who toured with Menuhin for 10 years and performed at the conductor's final concert, said. “It's one thing learning them with your teacher; it's another to play them in concert for an audience with someone who knows those pieces better than anyone in the world.
stewart@aspentimes.com

Brahms Hungarian Dances, WoO" - No.1 in G minor; No.5 in G minor (both arr. Marc-Olivier Dupin). Scherzo in C minor, Wo02. Geistliches Wiegenlied, Op. 91 No. 2. Bruch Violin Concerto No.1 in G minor, Op. 26. Dvorak Humoresque in G flat, B187 No.7 (arr. Franz Waxman). Joachim Romanze, Op. 2 No.1. Notturno, Op. 12. Schubert Auf dem Wasser zu singen, D774 (transcr. Hope). C. Schumann Romanze, Op. 22 No. 1.

Daniel Hope (violin/Cviola); with Anne-Sofie von Otter (mezzo); Sebastian Knauer, Bengt Forsberg (pianos); Royal Stockholm Philharmonic Orchestra/Sakari Oramo.

DG 477 9301 (full price, 1 hour 6 minutes). German texts and English/French translations included.

Website www.deutschegrammophon.com

Producer John West Engineers Mike Hatch, Dave Rowell. Date August 2010.

When I glanced at the track listing for this release, entitled 'The Romantic Violinist - A celebration of Joseph Joachim', my spontaneous reaction was one of instant disappointment. Any violinist keen to proselytize Joachim's cause on disc could find enough music (much of it un-recorded) by this hugely influential figure to fill several CDs, whereas Daniel Hope's latest offering for the yellow label opens with yet another recording of that mercilessly over-recorded violin concerto, Max Bruch's First in G minor, Op. 26. Where was Joachim's own splendid Violin Concerto in Hungarian Style, Op. 11 (written in 1853 and probably his finest work), or the affecting and idiomatic E minor Variations for violin and orchestra, dedicated to Sarasate?

Ironically, Joachim's most frequently recorded compositions are his indispensable cadenzas for the Beethoven and Brahms concertos. Collectors seeking a more representative introduction to his output as a composer will find Elmar Oliveira's version of the Hungarian Concerto, coupled with two fine orchestral works, the Hamlet, Op. 4 and Henry IV, Op. 7 Overtures, well worth seeking out. (It was released in 1991 on Pickwick IMP Masters MCD27 and subsequently reissued on Carlton Classics 6702092.)

Why, then, does Hope give us yet another Bruch G minor, albeit one which proves to be far from superfluous? History relates that Bruch's original 1886 score was completely overhauled by Joachim, who premiered the revised (and now mandatory) version in Bremen in 1868. Still, whether or not that fact is in itself sufficient to warrant its inclusion here is open to debate. What is certain, however, is that the present account is superlative in every regard - so fine, in fact, that I'm inclined to overlook the omission of Joachim's Hungarian Concerto, which no doubt he'd play equally well! This performance overflows with incident and rich musical detailing and, like James Ehnes's live BBC TV performance with Gianandrea Noseda and the BBCPhilharmonic at the 2010 Proms, which many readers will doubtless recall with pleasure, it serves as a telling reminder of how able an orchestrator Bruch actually was. If Hope breathes new life into this ubiquitous war-horse, no less impressive is

the contribution of the Royal Stockholm Philharmonic under Sakari Oramo, who, as a fiddler himself, knows this piece inside out.

Oramo deliberately stresses the violas' tremolando entry at 1'35" in the opening movement (a detail lost to the ear in many recordings) and Hope's unexpected yet tremendously effective finger-substitution at l' 54" made me gasp with surprise upon first hearing. The horn crescendo at 2'05" often goes unobserved, too, and the lovely counter theme for first oboe (3'15") during the lyrical second episode is beautifully managed here. Oramo ushers in the noble second subject of the AdagiO (Richard Strauss must have had this theme in mind when he wrote his Alpensirifonie) with dignified understatement, and the cellos' counter melody supporting the solo line at 2'48" comes across as the composer might have wished. The finale dazzles, rounding out a captivating and insightful reading that probably deserves to be here after all!

Oramo and the Stockholmers join Hope again in Marc-Olivier Dupin's orchestrations of two Hungarian Dances by Brahms, originally transcribed for violin and piano by Joachim himself, in which form purists inight well have preferred them here. Yet these arrangements return to the spirit if not the letter of Joachim's own versions; both are tremendously well played and it would be hard to imagine anybody failing to respond to their visceral energy and momentum. By contrast, the Waxman arrangement of the familiar Dvorak Humoresque has an old- world charm which left me wondering if Hope had ever seen the heavily stylized 1926 film footage of Mischa Elman playing the piece with piano accompaniment.

Joachim's Op. 12 Notturno in A for violin and orchestra (1858) is at once substantial and original and receives a glowing performance. Joachim introduced the young Brahms to the Schumanns in 1853, 'and it's good to find the inclusion of Clara's Romanze, Op, 22 No.1, a work they often performed together. The so-called 'F-A-E Sonata' takes its name from Joachim's personal motto Jrei aber einsam ('free but solitary') and was written for him in the same year by Robert Schumann, Albert Dietrich and Brahms, whose C minor Scherzo is arrestingly realized by Hope and pianist Sebastian Knauer. It's also a pleasure to hear Anne-Sofie von Otter in one of Brahms's songs with obbligato viola.

Finally, it's worth noting that Joachim, who survived into the recording era, can be heard on several historical reissues from Pearl, Opal Recordings and Testament. Nevertheless, as one listens to him now it's hard to reconcile his slow, wideamplitude vibrato, frequent use of portamentos and often wayward intonation with the towering musical figure to whom Daniel Hope pays affectionate tribute in this release. This is an exceptionally fine issue, repertoire concerns notwithstanding.

Michael Jameson

Bruch: Violin Concerto in G minor;
plus works by Brahms, Dvorak,
Joachim, Schubert & C Schumann

Daniel Hope (violin, viola). Sebastian
Knauer, Bengt Forsberg (piano). Anne- Sofie von Otter (mezzo-soprano); Royal
Stockholm PO/Sakari Oramo
DG4779301 66:15 mins
BBC Music Direct £12.99

The centrepiece of Daniel Hope's affectionate tribute to the great Hungarian-born violinist Joseph Joachim, Bruch's G minor Concerto, receives a warmly committed account from the soloist and the hugely responsive Royal Stockholm Philharmonic under Sakari Oramo. As in his recording of the Mendelssohn, Hope never takes this over-familiar score for granted and has imaginative things to say at every juncture. Some may feel the violin cadenzas at the opening are a bit too self-consciously elongated. Also the recording places Hope rather close to the microphone, making the double stop passage work in the first movement and finale sound unnecessarily aggressive.

The rest of the programme presents an attractive sequence of shorter pieces, including the only available recording ofJoachim's Notturno for violin and orchestra. Although hardly a major discovery, the inventive orchestral fabric excluding violins gives the work a distinctly autumnal hue. I was somewhat less convinced by the rather rough and ready string orchestral transcriptions of Brahms's First and Fifth Hungarian Dances. Also why didn't Hope give us all three of Clara Schumann's Romances; and why omit the first of Brahms's glorious Op. 91 songs? The final item, Dvorak's ubiquitous Humoresque as arranged Hollywood-style by Franz Waxman, seems idiomatically out of place here, though Hope's performance is certainly seductive.

Erik Levi

PERFORMANCE ****
RECORDING ****

Music bV Bruch, Joachim, Dvorak, Brahms, Schumann & Schubert
Daniel Hope (vln), Various artists
Orchestral: DG 477 9301

The Music Joseph Joachim, the binding force uniting the various pieces in this fine selection, was one of the greatest violinists of the 19th century, a gifted composer in his own right and a consulted expert who advised some of the greatest composers ofthe age.

The Performances The major offering here is Bruch's evergreen First Violin Concerto, which Daniel Hope plays with cliche-free, heartfelt intensity. He radiates espressivo allure in Joachim's own Romanza and Nottumo, captures the simmering passion of two Joachim arrangements of Brahms's Hungarian Dances, and the heart-warming whimsy of Dvorak's beloved Humoresque. Anne Sofie von Otter makes a welcome guest appearance in Brahms's adorable Geistliches Wiegenlied, which also gives Hope a chance to display his considerable skills as a viola player.

The Verdict The Joachim connection is fascinating, and Hope plays each piece as a musical gem in its own right, although experienced straight through this feels slightly disjointed. For a more cohesive musical experience try Hope's stunning Air: A Baroque Journey (DG 477 8094).

JULIAN HAtLOCK

".........wie schnell sich einem das Herz erwärmt, wenn man einen Geigenton hört, der kehlig und vibratoreich unseren eingeübten Vorstellungen von romantischer Innigkeit entspricht, merkt man mit dem ersten Einsatz von Daniel Hope im g-Moll-Violinkonzert von Max Bruch. "The Romantic Violinist - A Celebration of Joseph Joachim" heißt dieses Album(.......) - dieser Ton bohrt sich mit einer verschwenderischen Schwärmerei ins Ohr, wie man das seit Fritz Kreisler und Jascha Heifetz gerne zu haben gelernt hat....

...diese leicht sentimental getönte CD ist musikalisch anrührend schön. Sie setzt auf Empathie und Emphase..........Das Notturno für Violine und Orchester op. 12 ist ein echter Schatz. Sakari Oramo, der das Royal Stockholm Philharmonic Orchestra leitet, bestätigt in dieser Aufnahme erneut seinen Ruf, gegenwärtig zu den sensibelsten Begleitern unter den Dirigenten zu gehören."

Text: F.A.Z., 09.04.2011, Nr. 84 / Seite 37

LINK

The Hungarian violinist Joseph Joachim may have died in 1907, but he's a few clicks away on YouTube and lives again in Daniel Hope's diverting celebration of the musician's romantic art with Sakari Oramo and the Stockholm Philharmonic.

Hope's way with the Bruch: Violin Concerto No 1 is lively, burning with gypsy passion. Temperatures calm down for Joachim's own Romanze and his equally endearing Notturno. Joachim's friend Brahms pops up; so does mezzo Anne Sofie von Otter.

Geoff Brown
(Deutsche Grammophon; out now)

Daniel Hope (violin, viola), Sakari Oramo (cond), Anne Sofie von Otter (mezzo-soprano), Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
(Deutsche Grammophon)

While we know composers of the past through their written works, it is hard to conjure up the worlds of great performers such as Niccolò Paganini or Ignaz Moscheles simply because there is nothing to prove their brilliance other than the anecdote and adulation of their contemporaries.

In Joseph Joachim’s case, we do have a few crackling recordings from the turn of the 20th century, by which time he was elderly and probably past his best. Yet this was a violinist who not only composed his own works but was also a huge influence on some of the greatest composers of the mid- and late-19th century, including Clara and Robert Schumann, Johannes Brahms and Max Bruch.

Indeed, such an important figure was he that he was given free reign to amend and adapt the Bruch violin concerto that opens the album, No. 1 in G minor, to the extent that Bruch himself feared that listeners would believe the piece to have been composed by Joachim.

The young South African/British violinist Daniel Hope, fascinated by Joachim’s immense presence in the history of German Romanticism, has tried to bring together those works that reflect his influence the most – the Bruch, two Hungarian Dances by Brahms that Joachim regularly performed with the composer himself, and a Schubert Lied that had been performed by Joachim’s wife, the mezzo-soprano Amalie Schneeweiss (performed here by Anne Sofie von Otter).

Hope even taught himself the viola especially to play Brahms’s Geistliches Wiegenlied, which had been reworked from a lullaby to celebrate the birth of Joachim’s first child. The addition of a Romanza and a Notturne written by Joachim himself reveal the violinist as a tender, sensitive composer. Luckily, Hope’s performances are just as tender, with none of the histrionics that sometimes accompany the Romantic canon, making this a genuinely interesting collection.

From Abu Dhabi

"The romantic violinist"
Daniel Hope, Violine und Viola
Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Ltg.: Sakari Oramo
Sebastian Knauer, Klavier
Anne-Sofie von Otter, Mezzosopran, Bengt Forsberg, Klavier


Gerade hat Daniel Hope sein Buch "Toi toi toi - Pannen und Katastrophen in der Musik" bei uns auf NDR Kultur vorgestellt, da kommt eine neue CD des Geigers heraus – "A Celebration of Joseph Joachim". Nach Ausflügen in die Welt des Barock stellt uns Daniel Hope jetzt den "romantischen Geiger" Joseph Joachim vor, es ist eine "Hommage an einen weitgehend vergessenen musikalischen Giganten", so Hope. Eine Hommage an den Geiger, der mit Schumann und Brahms befreundet war, der in Hannover wirkte und auch selbst komponiert hat.

"Hommage für einen vergessenen musikalischen Giganten"

Das berühmte Violinkonzert von Max Bruch haben schon viele vor ihm gespielt - Daniel Hope stellt das Werk aber in einen inhaltlichen Zusammenhang, und so lässt man sich auch Altbekanntes gern gefallen. Den einen oder anderen mag es erstaunen, dass Hope für sein Porträt keines der von Joachim komponierten Violinkonzerte ausgewählt hat, auch keines der großen Violinkonzerte, die ihm gewidmet sind, aber Hope sagt es selbst - es gibt genug Material für 20 CDs.

Daniel Hope und das Königliche Philharmonische Orchester Stockholm

Bruch hat sein Violinkonzert nicht Joachim gewidmet, nahm aber für eine spätere Fassung die Anregungen des Geigers auf. Die Interpretation von Daniel Hope zusammen mit dem Königlichen Philharmonischen Orchester Stockholm und Sakari Oramo ist großartig - mit allem Herzblut und Risiko gespielt, phantasievoll, Solist und Orchester wunderbar harmonierend.

Von dem Komponisten Joachim hat Daniel Hope zwei kleinere Werke ausgewählt - eine Romanze und ein Notturno. Dazwischen setzt Hope Ungarische Tänze und das Scherzo von Brahms, und tut zumindest dem Komponisten Joseph Joachim damit keinen Gefallen. Denn dem direkten Vergleich zu Brahms, zu Schubert, zu Dvorak können Joachims Werke nicht standhalten. Dafür sind aber dessen Bearbeitungen der berühmtesten Ungarischen Tänze seines Freundes Johannes Brahms für Geige und Orchester sehr unterhaltsam.

Daniel Hope erzählt anregende Geschichten

Dass man auch als Solist mit einem ganzen Sinfonieorchester Kammermusik machen kann, führen Daniel Hope und das Königliche Philharmonische Orchester Stockholm mit Sakari Oramo nicht nur in Bruchs Violinkonzert vor

Diese CD macht Spaß, da ist ein fabelhaft gespieltes Bruch-Violinkonzert, da ist das schöne Nebeneinander von Konzertantem und Kammermusik, und wir bekommen einen Eindruck davon, dass große Musiker im 19. Jahrhundert nie nur Interpreten waren. Der an dem legendären Yehudi Menuhin geschulte Daniel Hope erzählt anregende Geschichten - man hört ihm gern zu.
 

Vorgestellt von Raliza Nikolov

Orchesterwerke, Kammermusikwerke, Lieder auf einer CD – das ist zumindest ungewöhnlich, auch wenn Konzept-Alben heute en vogue sind (man denke etwa an die aktuelle Scherbe Resonances der Pianistin Hélène Grimaud). Der Geiger Daniel Hope brennt Werke von Bruch, Clara Schumann, Brahms, Joseph Joachim, Schubert und Dvořák ins Polycarbonat, wir fühlen uns also durchweg romantisch. Wir lösen auf: Das Ganze ist ein Tribut an den Geiger Joseph Joachim, der in seiner Bedeutung für die Epoche unterschätzt werde – meint Hope – als Solist, der Werken wie Beethovens und Brahms’ Violinkonzert zum Durchbruch verhalf, als künstlerischer Berater, der etwa den Solopart des Violinkonzertes von Max Bruch mitgeschrieben hat, aber auch selber als Komponist und als Inspirationsquelle zahlreicher Schlüsselwerke der Epoche.

Gegenüber diesem Hans-Dampf-in-allen-Gassen mit ungarischen Wurzeln und wenig Berührungsängsten, wenn’s um den geschmacklich sicheren Herzschmerz geht, haben auch die Interpreten dieser CD keine Scheu. Das Royal Stockholm Philharmonic Orchestra steht unter der Leitung Sakari Oramos Hope in nichts nach, geht es darum, Romantisches auch romantisch klingen zu lassen, glutvoll und beseelt. Den Solisten, der nicht den glatten, feinen und präzisen Klang sucht, sondern auch das Rohe kochen lässt, ist es in der interpretatorischen Disziplin in Sachen Dynamik und Phrasierung noch einen Tick voraus; es gibt ihm damit genau den Halt, den er braucht, um sich frei spielen zu können.

Zwei Ungarische Tänze von Brahms, die Nrn. 1 und 5 werden hier in der Orchestrierung von Marc-Olivier Dupin nicht abstrakt oder erhöht, sie massieren die waschechte Csárdas-Seele. Für das Geistliche Wiegenlied op. 91, Nr. 2 von Brahms greift Hope zur Viola, und zu ihm gesellt sich die Mezzosopranistin Sofie von Otter. Man versteht zwar kaum, was sie singt, zu Herzen geht das Kleinod aber auch so. Schuberts Lied «Auf dem Wasser zu singen» D 774 hat Hope für die CD selber für Klavier und Violine eingerichtet.

Abgeschlossen wir der Reigen seliger Geister von Dvořáks Kuschelklassik-Hit Humoreske, in einem Arrangement von Franz Waxman, das appellative Platitüden vermeidet. Man schliesst besonders das klavierähnliche Ding ins Herz, das da im Hintergrund ab und an vor sich hin perlt.

Eher diskret bleibt die Widmung Hopes. Er erinnert mit der CD an den 2010 mit 37 Jahren verstorbenen Kollegen Erik Houston, den das Schweizer Publikum vor allem dank einer denkwürdigen Interpretation von Schnittkes Concerto Grosso am Lucerne Festival in Erinnerung hat und der auch am Menuhin Festival Gstaad regelmässiger Gast war. Der Tribut ist stimmig: Denn auch wenn diese Musik zu Herzen geht – die romantischen Topoi von Vergänglichkeit, Tragik und Tod schwingen da immer mit. Ein wunderbares Album. (wb)

Joseph Joachim war im 19. Jahrhundert neben Teufelsgeiger Niccolò Paganini der berühmteste Violinist. Joachims Spiel muss so farbenreich und tiefgründig gewesen sein, dass große Komponisten wie Schumann, Brahms und Dvořák ihm Werke in die Finger schrieben. Mit einem musikalischen Porträt verbeugt sich nun der mit Schallplattenpreisen überhäufte Daniel Hope vor seinem Kollegen. Mit einem Kammermusik- und Orchesterprogramm, das von einer Violin-Romanze Clara Schumanns bis zur Dvořák-„Humoresque“ und dem berühmten Violinkonzert von Max Bruch reicht. Und selbst Joachim wäre vermutlich von Hopes feurigem und dann wieder herrlich ´singendem´ Violin-Ton begeistert gewesen. Dass Hope aber auch die tiefe Schwester der Geige, die Bratsche einfühlsam beherrscht, zeigt er in einem „Wiegenlied“ von Brahms. Reinhard Lemelle

Besonderheit: Daniel Hope hat sich für die Aufnahme das Bratschenspiel selbst beigebracht.

Berlin (dpa) - Stargeiger Daniel Hope gilt als Tausendsassa: Der in Südafrika geborene Brite mit irischem Pass war lange Mitglied des legendären Beaux Arts Trios, wirkte aber auch an Plattenaufnahmen von Sting mit.

Er liebt alte Musik und fördert zugleich mit eigenen Kompositionsaufträgen zeitgenössische Künstler. Zwei Jahre nach seinem Barock-Album «Air» schlägt der 36-Jährige nun wieder ganz neue Saiten an: Seine CD «The Romantic Violinist» ist eine Hommage an den ungarisch-österreichischen Geiger Joseph Joachim (1831-1907).

«Joachim ist eine der faszinierendsten Persönlichkeiten der Musikgeschichte», sagt Hope in einem Gespräch mit der Nachrichtenagentur dpa. «Mit diesem Album habe ich versucht, ein musikalisches Porträt dieses großartigen Geigers zu entwerfen. Wo immer er hinging, hat er die Menschen inspiriert.»

Im Mittelpunkt der Platte steht Max Bruchs Violinkonzert Nr. 1, das Joachim bearbeitet hat. Daneben gibt es Werke seiner Wegbegleiter Franz Schubert, Clara Schumann, Antonin Dvorak und Johannes Brahms. Für dessen «Geistliches Wiegenlied», das er 1864 zur Geburt von Joachims erstem Kind komponierte, brachte Hope sich auf einem geliehenen Instrument selbst das Bratschenspiel bei, Anne Sofie von Otter übernahm den Gesangspart.

«Ich liebe die romantische Epoche und ich bin jemand, der sehr in dieser nostalgischen Welt schwelgt», sagt Hope, dessen jüdische Urgroßeltern bis zur Nazi-Zeit in Berlin-Dahlem lebten und in den gleichen Kreisen wie Joachim verkehrten. «Die Geschichte meiner Familie ist etwas, was mich nach wie vor sehr beschäftigt. Und durch dieses Projekt hatte ich das Gefühl, dass ich meiner Familie, meinen Urgroßeltern etwas näher bin.»

Die Suche nach den Spuren seiner Vorfahren in Berlin hatte Hope schon in seinem zusammen mit der Autorin Susanne Schädlich verfassten Buch «Familienstücke» (2007) geschildert, das ein Bestseller wurde. Obwohl selbst katholisch getauft und evangelisch konfirmiert, fühlt er sich der jüdischen Geschichte besonders verpflichtet. In seiner neuen Aufgabe als Künstlerischer Direktor der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern will er deshalb Versöhnung, Toleranz und Weltoffenheit besonders fördern.

Seine Liebe zur Musik hat Hope schon früh entdeckt. Seine Mutter war durch einen Zufall Halbtagssekretärin bei dem Geigenvirtuosen Yehudi Menuhin in London und nahm ihren Sohn jahrelang mit in dessen Haus. Lange «fiedelte» der kleine Daniel wie besessen mit Stricknadeln, ehe er als Sechsjähriger richtig Geige lernen durfte. Bei seinem ersten Auftritt flog der Rotschopf noch hinterrücks durch eine Schwingtür von der Bühne.

Das kindliche Missgeschick schildert Hope in seinem neuen Buch «Toi, toi, toi! Pannen und Katastrophen in der Musik», das fast zeitgleich mit der Platte erschien. Ähnlich wie sein Konzertführer «Wann darf ich klatschen?» vor zwei Jahren ist auch dies ein leichtfüßiges, beschwingtes Büchlein ohne Anspruch auf allzuviel Tiefgang.

Wir erfahren von Beethovens Ausrastern, Bachs Arrest und Anna Netrebkos geplatzter Korsage. Und auch das einstige Wunderkind Joseph Joachim kommt vor: Wegen angeblich zu steifer Bogenführung hatte sein Wiener Geigenlehrer den Neunjährigen einst als hoffnungslosen Fall weggeschickt. Erst ein Lehrerwechsel half.

«Das Problem bei mir ist die Überdosis an kreativer Energie», sagt Hope zu seinem Arbeitspensum. «Da brauche ich manchmal einfach eine Stopptaste.»

ERNST P. STROBL (SN).

Daniel Hope. Der Ire südafrikanischer Herkunft ist Stargeiger, gab jüngst eine neue „Romantik“-CD heraus und schrieb wieder ein Buch.       

Als er vor wenigen Jahren das Buch „Familienstücke“ herausbrachte, staunte man nicht schlecht. Wie ein gelernter Historiker hat Daniel Hope die faszinierende Geschichte seiner Herkunft akribisch erforscht, man erfuhr nicht nur über die bunten, teils dramatischen Lebensgeschichten der irischen und deutsch-jüdischen Vorfahren, sondern auch viel über das 19. und 20. Jahrhundert.

In Südafrika geboren, in England aufgewachsen, hat es Daniel Hope zu einem weltweit gefragten Geiger gebracht, der nicht nur TV-Shows moderiert, sondern als Mitglied des Beaux-Arts-Trios bis zu dessen Auflösung 2008 und als Solist weltweit für Klassik auf höchstem Niveau warb, an Plattenaufnahmen von Sting mitwirkte und überhaupt mit den Mitgliedern von „Police“ musizierte und keinerlei Hemmungen vor jeglichen Grenzüberschreitungen hat.

Im Wiener Konzerthaus gestaltet Daniel Hope gemeinsam mit seinem Pianisten Sebastian Knauer eine Matinee-Reihe, zu der Gäste wie Mirjam Weichselbraun eingeladen sind, mit der er schon die TV-Show „Die besten Opern aller Zeiten“ gestaltete. Zu ausgewählten Themen wie „Wann darf ich klatschen?“ oder „Von Regeln und Ritualen“ gibt es passende Live-Musik samt erläuternden und durchaus erheiternden Moderationen (nächster Termin 15. Mai). Hope scheint eine aufklärerische Mission anzutreiben.

Gerne wendet sich Daniel Hope, wie er im SN-Gespräch in Wien sagte, an junge Leute, etwa bei der TV-Sendung ARTE Lounge, auch Schulprojekte wie das des deutschen Pianisten Lars Vogt unterstützt er leidenschaftlich. Wien hat er übrigens als Wunsch-Wohnsitz im Auge, hier wohnt auch mittlerweile seine Mutter, die in zweiter Ehe mit einem Österreicher verheiratet ist.

Indirekt ist die Mutter „schuld“ an der Geigerkarriere, denn nachdem die Familie – der Vater war Schriftsteller – wegen der Apartheid von Südafrika nach England gezogen war, trat die Mutter eine Stelle als Privatsekretärin von Yehudi Menuhin an und wurde später dessen Managerin. Seit dem 5. Lebensjahr ist Hope nun Geiger, mittlerweile ist er an einem Festival in den USA als künstlerischer Leiter tätig und auch in Mecklenburg-Vorpommern weitet er seine Mitarbeit bei einem Festival aus. Die lange Erfahrung bringt der vielseitig interessierte Geiger auch in sein neues Buch „Toi, toi, toi!“ ein, das sich um „Pannen und Katastrophen in der Musik“ dreht.

Da sind eigene Pannen und Hoppalas notiert, die Hope humorvoll schildert, wie auch Geschichten von eingeschlafenen oder besoffenen Musikern, dramatische Ereignisse wie Brandkatastrophen, eine große Zahl lustiger Anekdoten berühmter Musiker: lauter interessanter Lesestoff.

Joseph Joachim spielt keine Rolle in dem Buch, ist aber der heimliche Star der neuen CD von Daniel Hope. Der in Kittsee geborene Geiger (1831–1907) beeinflusste Komponisten wie Max Bruch und Johannes Brahms, die teils für ihn komponierten oder seinen Rat suchten.

„Der romantische Violinist“ heißt die CD (Deutsche Grammophon), enthält natürlich das Violinkonzert von Max Bruch mit dem Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, kurze Stücke von Brahms und Joachim und Brahms’ „Geistliches Wiegenlied“ mit Anne-Sofie von Otter – und da spielt Daniel Hope sogar Bratsche.

Few classical music fans can name a piece written by Joseph Joachim (1831-1907) yet most almost certainly know the music he inspired and championed. Without the Hungarian violinist-composer we wouldn’t have the Brahms Concerto in D or the Bruch Concerto in G minor, two of the pillars of the modern symphonic repertoire. Concertos by Dvorak and Schumann, as well as the Brahms Double Concerto also bear Joachim's stamp.

The British violinist Daniel Hope is setting out to present an even fuller picture of Joachim's creative legacy with "The Romantic Violinist," a collection that includes pieces dedicated to him and two of his own compositions. It’s our Album of the Week.

Born into a Jewish family in Hungary, Joseph Joachim (pronounced 'Yo-ACH-him') became venerated as a thinking man's answer to more populist virtuosos like Niccolò Paganini and Pablo de Sarasate. While studying under Felix Mendelssohn as a boy, Joachim took up the Beethoven Violin Concerto and his performance, at age 12, caused such a sensation that he effectively restored the forgotten piece to the repertoire. He later became a staunch advocate for Brahms and introduced the composer to Robert and Clara Schumann. Over a long career, Joachim championed a serious brand of music-making that left a lasting mark on the performance tradition.

Hope opens the album with a burnished reading of the Bruch Concerto No. 1 in G minor, a piece Joachim completely revised and improved. Four short pieces by Brahms are included, most surprisingly, the song "Geistliches Wiegenlied" (“Holy Cradle Song”), in which Hope takes up the viola and is joined by mezzo-soprano Anne-Sofie von Otter. Joachim was also a composer in his own right, with over 14 published works to his credit, and Hope applies a big romantic tone to two of his shorter gems: the youthful Romanze and the mature Notturno for violin and orchestra.

Rounding out the program is a lovely (if incongruous) Schubert song transcription by Hope and even Dvorak’s Humoresque in a glowing arrangement by Franz Waxman. Also joining Hope on the album are the pianists Sebastian Knauer and Bengt Forsberg and the Royal Stockholm Philharmonic under the sensitive direction of Sakari Oramo.

The Romantic Violinist
Daniel Hope, violin
Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
Sakari Oramo, conductor
Deutsche Grammophon

by Stephen Pritchard

This tribute to a giant of the 19th-century violin is an engaging run around both Joachim the performer and Joachim the composer. Big-hearted Daniel Hope, backed by the Royal Stockholm Philharmonic under Sakari Oramo, seems equally at home in the wide open spaces of Bruch's violin concerto (which the master totally revised and improved) or the warm intimacy of Joachim's own delightful Romanze for violin and piano. Hope maintains that the wonderfully lyrical Notturno Op 12 is the epitome of the term "romantic" – touching and inspiring rather than wild and passionate – and in his hands it's hard to disagree.

Stargeiger Daniel Hope und Hamburger Autor Wolfgang Knauer legen Buch über Missgeschicke in der Welt der Musik vor.

Am Anfang war die Panne. Seine Karriere begann für Daniel Hope im sonnigen Alter von sechs Jahren mit einem Reinfall, der zugleich Rausfall war. Als er gemeinsam mit geigenden Kameraden den Purcell-Saal des Londoner South Bank Centres betrat, um den stolzen Eltern seine frühe Fingerfertigkeit vorzuführen, wurde er direkt vor der Schwingtür platziert. Da lehnte er sich kurz zu weit nach hinten, die Tür gab nach, er verlor den Halt und flog samt Geige rückwärts, während sich die Tür sofort wieder schloss. "Das hätte das Ende meiner Karriere sein können, hätte ich mir das so richtig zu Herzen genommen. Ich habe es aber als Chance begriffen, bin von der Bühne verschwunden und wieder aufgetaucht."

Seit der initialen Katastrophe seines Geigerlebens sind 30 Jahre vergangen, Hope, einst Meisterschüler von Yehudi Menuhin, zählt zu den Stars der Szene. Jetzt bringt er sein Buch "Toi, Toi, Toi - Pannen und Katastrophen in der Musik" heraus, um nicht nur höchst launig von eigenen Blackouts, gerissenen Geigensaiten und verpassten Auftritten zu berichten. Hope gelingt es vielmehr, gemeinsam mit Co-Autor Wolfgang Knauer, einst Kulturchef im NDR-Hörfunk, Musikgeschichte in Form von Musikergeschichten zu erzählen: konzise und spannend.

Bei der überaus vergnüglichen und kurzweiligen Lektüre des Bandes lacht man nicht nur laut auf, man erfährt Erhellendes. Hope erläutert seinen Ansatz: "Wir haben diese riesige Kultur-Schatzkiste, die muss man für die Menschen aufschließen, da ihnen sonst die Zeit, Geduld und Konzentration fehlen, selbst nach dem Schlüssel zu suchen." Er berichtet, wie schwer es war, aus dem gigantischen Repertoire von Anekdoten auszuwählen: "Es sollte ja nicht nur Slapstick sein. Es geht auch um Kriege, um Aufruhr und um die unglaubliche Wirkung, die Musik auf Menschen hatte. Wir können uns doch heute nicht mehr vorstellen, dass man für eine Sonate ins Gefängnis kommen konnte, wie damals in der Sowjetunion."

Natürlich weiß Daniel Hope, wie schön Schadenfreude sein kann und dass Musikfreunde sich am besten an die Momente des Scheiterns erinnern: "Dann kann man sich sagen: 'Gott sei Dank ist mir das nicht passiert.' Doch dann entdeckt man in vielen Geschichten auch neue Seiten der großen Komponisten, die ja sonst nichts als Halbgötter für uns sind. Ohne diese Meister zu entblößen möchte ich deren menschliche Züge zeigen. Wer würde schon glauben, dass Bach mal im Gefängnis war?"

Das Zusammenspiel von Musik und Politik kommt anschaulich zum Ausdruck, so in den Kapiteln über Richard Wagner und die Revolution, die geplatzte Uraufführung von Hans Werner Henzes "Das Floß der Medusa" im studentenbewegten Jahr 1968 oder den Besuch des spanischen Königspaars in Hamburg: Als die Majestäten zur Aufführung der "Zauberflöte" nicht pünktlich erschienen, entschied Christoph von Dohnányi, seinerzeit Intendant der Staatsoper, nach einer Viertelstunde des Wartens: "Wir sind Republikaner, wir fangen an!" Hopes größtes Verdienst aber ist, dass er uns in seinem Buch Einblick in das verschlossene Seelenleben von Musikern gewährt: "Schlimm genug, wenn man eine falsche Note spielt, noch schlimmer ist es, wenn einem musikalisch eine Phrase nicht glückt. Fehler nimmt man nämlich selbst wie durch ein Vergrößerungsglas wahr. Die ganze Nacht verfolgt einen diese eine Phrase, die danebengegangen ist."

Ob in seinem Buch, auf der Bühne (am 13. April in der Laeiszhalle), oder auf CD (am 18. März erscheint seine neue Aufnahme "The Romantic Violinist" als Hommage an Joseph Joachim) - Daniel Hope ist ein begnadeter Vermittler von Musik.

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By David Ng

Violinist Daniel Hope is a passionate champion of composers who were victims of the Nazis.

Describing violinist Daniel Hope is no easy task.

There is first the matter of his nationality. The musician was born in South Africa, raised in England and now travels with an Irish passport even though he makes his home in Hamburg, Germany.

Hope is a much in-demand soloist these days, but the violin isn't his only vocation. He devotes significant time to climate-change causes and is a published author with two books under his belt -- one about concert-going etiquette and another about his family, which he wrote in German.

Perhaps his most passionate activity -- and the one that brings him to L.A. this week -- is his fascination with composers whose careers suffered at the hands of the Nazi Party.

On Wednesday at UCLA’s Schoenberg Hall, Hope will perform a concert of pieces by Erwin Schulhoff, a Czech composer who died at a concentration camp in Bavaria in 1942. The free concert, which will feature members of the Los Angeles Chamber Orchestra, will include Schulhoff's Sonata No. 2 for Violin and Duo for Violin and Cello. (E-mail olga@orel foundation.org to request tickets.)

"The music, regardless of the story connected to it, is powerful," Hope said recently. "You don't have to know the story but it makes it richer if you do."

Schulhoff was a composer who showed great promise but found that his life and career were in danger after the German occupation of Czech territory. The composer, who was both Jewish and a communist, applied for Soviet citizenship with the aim to emigrate. But he was eventually arrested and imprisoned by the Nazis.

His music contains a multitude of influences, including modernism and even jazz. "He was one of the first composers to incorporate jazz elements. Very few composers can manage the synthesis," Hope said.

Wednesday's concert is being co-organized by the Orel Foundation, an organization that seeks to spotlight music by composers whose careers were impacted by the cataclysmic events of the mid-20th century.

Hope said his interest in music from the period stems from an incident about 15 years ago when he was driving and heard a string trio on the radio.

"I pulled over to hear the name of the composer -- it was Gideon Klein," Hope recalled. "I didn't know who he was and I Googled it when I got back home."

And so was born a new personal obsession. Since then, he has organized concerts and programs around the world to showcase music by composers including Schulhoff, Klein and Hans Krasa. Hope said part of his motivation is genetic -- his grandparents were German Jews who were "kicked out of Germany and fled in a variety of directions."

Hope began playing the violin at age 4 after his family relocated from South Africa to London. Hope's father had difficulty finding work, and the family was running out of money. Hope's mother took a job as a secretary for violinist Yehudi Menuhin and ended up working for him for more than 20 years.

Hanging around the office with his mother prompted Hope to take up the instrument. "I simply announced I wanted to be a violinist," he said. "Neither of my parents were musicians. But I guess I had a strong will."

Hope, 35, spends much of the year traveling for concerts, festivals and recordings. (He said he's married but has no children.) Recent projects include a video blog on his official website, where he chronicles his international travels, including a meeting with pop star Sting and a performance at Berlin's Reichstag.

On Tuesday, Hope is scheduled to teach a master class at USC that is open to the public. Later this year, he will perform in a climate change concert for the Prince of Wales' Rainforests Project.

Hope will also continue to work on book projects. "My father was a writer, and I was encouraged to express my opinions," he said. "It's challenging but we need people to discuss classical music all the time."

Der britische Geiger Daniel Hope ist ein Phänomen. Er brilliert als Solist und Kammermusiker, organisiert Festivals und schreibt so vergnügliche wie kluge Bücher. Die Zeit zum Üben stiehlt er sich nachts im Hotel.
Von Manfred Papst

Postkartenwetter in Ober bayern. Still liegt Schloss Elmau im verschneiten Tal. Hoch über der weit läufigen Anlage, die 1916 vom Theologen Johan nes Müller als Begegnungszentrum für seine Künstlerfreunde eröffnet wurde und heute als Hotel dient, glänzt der Wettersteinkamm in der Wintersonne. Es ist eiskalt.
Mit der Geduld und Höflichkeit des grossen Künstlers posiert Daniel Hope für den Fotografen. Mit seiner Geige unterm Arm in den Schnee hinaustreten will er allerdings nicht. Die Kälte könnte dem Instrument schaden. Es ist zwar keine Stradivari oder Guarneri del Gesù, aber immerhin eine Gennaro Gagliano von 1769. «Ich habe sie von meinem Mentor Yehudi Menuhin», erzählt Hope. «Er überliess sie mir, als ich fünfzehn Jahre alt war, und nach fünfzehn weiteren Jahren hatte ich sie schliesslich abbezahlt.»

Ins Schloss Elmau ist Hope gekommen, um im Rahmen der Kammermusiktage mit seinem langjährigen Klavierpartner Sebastian Knauer einen Duoabend zu geben. Anderntags geht es um sechs Uhr morgens schon weiter nach Hamburg, wo Hope einen seiner Wohnsitze hat - die anderen sind in London und Wien -, und von dort weiter rund um die ganze Welt.
Der umtriebige Künstler, der nicht nur seine Karriere als Solist verfolgt, sondern auch Festivals in Deutschland und den USA organisiert, Bücher schreibt und für Radio und Fernsehen arbeitet, ist überall und nirgends zu Hause. Das kann nicht erstaunen, wenn man seine Herkunft betrachtet.

Von Südafrika nach England
Geboren wurde Daniel Hope 1974 im südafrikanischen Durban. Seine Vorfahren waren einerseits irische Katholiken, die während des zweiten Burenkriegs mittellos nach Südafrika kamen und es dort zu Wohlstand brachten, andererseits deutsche Juden, die als Industrielle in der Weimarer Republik zum Grossbürgertum gehörten, während des Dritten Reiches aber unter Zurücklassung ihrer ganzen Habe fliehen mussten und ebenfalls in Südafrika eine neue Existenz aufbauten. Dort fanden die beiden scheinbar so gegensätzlichen Familien zusammen. Als Daniel ein halbes Jahr alt war, kehrten sein Eltern, die sich als Gegner der Apartheid in Südafrika zunehmend fremd fühlten, nach Europa zurück. Sie gingen nach England. Der Vater war ein damals noch erfolgloser Schriftsteller, die Mutter übernahm alle möglichen Arbeiten, um die Familie über Wasser zu halten. Durch einen Glücksfall lernte sie Yehudi Menuhin kennen, der sie als Sekretärin einstellte, aber bald schon ihr Potenzial erkannte und sie zu seiner Managerin machte. Sie organisierte seine Auftritte, reiste mit ihm, war sein Mädchen für alles. Die Kinder nahm sie nach Möglichkeit mit. Eine Geschichte wie im Märchen.

Glücklich in Saanen
Der kleine Daniel und sein Bruder wuchsen also in einem musikfreundlichen Klima auf. Sie krabbelten unter dem Flügel eines Weltstars herum, sahen prominente Besucher aus und ein gehen, sassen ehrfürchtig im Konzertsaal. Die intensivsten Erinnerungen hat Hope an die Mauritius-Kirche in Saanen bei Gstaad, wo jährlich das Menuhin-Festival stattfand. «Wir verbrachten jeden Sommer im Berner Oberland, bis ich 18 oder 19 war», erzählt er, «und die herrliche Landschaft verband sich für mich mit dem sakralen Raum und der göttlichen Musik, die Meister wie Rostropowitsch und Kempff dort spielten.» Als neugieriger, offener Geist lud Menuhin aber auch Leute wie den indischen Sitar-Virtuosen Ravi Shankar und den französischen Swing-Geiger Stéphane Grappelli ein. Und hier hörte Hope zum ersten Mal - damals noch unter der Leitung von Edmond de Stoutz - das Zürcher Kammerorchester, das er überaus schätzt und mit dem er dieses Jahr zusammenarbeitet.
Ein Wunderkind war Daniel Hope nicht. Er liebte die Musik, aber sie flog ihm nicht einfach zu, und nirgends war er so unglücklich wie in der Menuhin School of Music, einem Internat in Surrey. Er starb schier vor Heimweh, hasste die rigiden Erziehungsmethoden und liess keinen Streich aus. «Ich spielte gern und fand mich ganz gut», erzählt er, «aber als ich etwa zwölf Jahre alt war und Gleichaltrige hörte, wurde mir bewusst, dass ich überhaupt nicht viel konnte. Ich sagte mir: Wenn etwas aus dir werden soll, musst du jetzt wirklich arbeiten. Das tat ich dann, und mit dem Üben wuchs die Freude.»

Das tägliche Spielen ist bis heute das A und O für Daniel Hope. «Ich bin nun einmal kein Fritz Kreisler, dem man nachsagt, er habe nie geübt», erklärt er. «Aber mein Glück ist es, dass ich keine speziellen Voraussetzungen zum Spielen brauche. Der kleinste Raum genügt mir. Die meiste Zeit des Jahres bin ich ja unterwegs. Dann gehe ich jeweils ins Bad meines Hotelzimmers, setze den Dämpfer auf die Geige und spiele. Ich störe niemanden und bin selig. Manchmal musiziere ich die ganze Nacht.»

Auch vor jedem Konzert probt Hope mehrere Stunden - egal, wie gut er das Programm schon kennt. Er muss es sich vergegenwärtigen, damit er auf dem Podium die volle Konzentration aufbringen kann. Lampenfieber gehört dazu. «Ich bin nie <cool>», sagt er. «Die letzte Viertelstunde vor dem Auftritt ist die Hölle. Man sitzt in der stickigen Garderobe, und es kribbelt im Bauch.»
Diese Aussage erstaunt bei einem Künstler, der schon früh vom Erfolg verwöhnt wurde, mittlerweile von Triumph zu Triumph eilt und selbst in der globalen Krise der Tonträgerindustrie zu den Happy Few gehört, die einen Exklusivvertrag mit einem renommierten Label haben. Aber Daniel Hope kokettiert nicht, wenn er die Musik als grausame Geliebte bezeichnet. Er gilt als Perfektionist. Um virtuose Selbstdarstellung geht es ihm jedoch nicht. Er sieht sich als Vermittler. Die Musik, wie sie vom Komponisten geschrieben und gemeint war, umzusetzen, ohne sich unnötig zwischen sie und den Zuhörer zu schieben: Das ist sein Anliegen. Seine Begeisterung gilt dem Werk, nicht der artistischen Prachtentfaltung. «Die Technik», sagt er, «ist natürlich die Voraussetzung. Man muss die schwierigen Stellen im Schlaf beherrschen. Der Zuhörer soll keine Anstrengung bemerken. Schnelligkeit per se bedeutet mir aber gar nichts. Die wahren Probleme der Gestaltung fangen erst an, wenn alle technischen Probleme gelöst sind.»

Sobald das Gespräch auf bestimmte Werke kommt, zeigt Hope sich als glühender Enthusiast. Über Schumann, Mendelssohn, Brahms spricht er mit dem gleichen Feuer wie über Schnittke, den er in dessen letzten Lebensjahren immer wieder besucht hat, oder über den weitgehend unbekannten Basler Komponisten Hermann Suter. Der deutschen Klassik ist er seit je verfallen. «Haydn, Mozart, Beethoven und Schubert können wir nur mit Dankbarkeit und Demut bestaunen», sagt er. Doch am Ende geht ihm nichts über Bach: «Er ist der tiefsinnigste und modernste Komponist, den ich kenne. Ich möchte seine Sonaten für Violine und Cembalo gern neu einspielen. Zwar gelten seine Solosonaten als Pièce de Résistance. Aber von ihnen gibt es so viele grossartige Aufnahmen. Henryk Szeryng mit seinem runden, kathedralenhaften Klang. Nathan Milstein mit seiner strengen Eleganz. George Enescu. Adolf Busch. Gidon Kremer. Ich finde aber auch die Aufnahmen mit barocken Instrumenten und Rundbogen interessant. Jeder Geiger sollte sich einmal auf diese Erfahrung einlassen. Rundbogen erlauben einem, Akkorde tatsächlich im Pianissimo zu spielen, wie Bach es vorschreibt. Mit dem modernen Bogen, den man über die Saiten reissen muss, geht das nicht.»

Gibt es auch Musik, die Daniel Hope kalt lässt? Er denkt lange nach. «In jedem Zeitalter gibt es langweilige Komponisten», sagt er schliesslich. «Aber die spiele ich einfach nicht. Und natürlich gibt es im kommerziellen Pop jede Menge ödes Zeug.» Den Pop als solchen möchte er aber keineswegs verteufeln. Prince und Sting, U2 und Depeche Mode findet er grandios.

Zu Daniel Hopes wichtigsten Erfahrungen als Musiker zählen die sechseinhalb Jahre, die er mit dem Beaux Arts Trio verbracht hat. Er war der letzte Geiger dieser legendären Formation, die unter der Ägide des Pianisten Menachem Pressler über ein halbes Jahrhundert lang bestand. «Jedes Ende hat etwas Trauriges», meint er dazu, «aber ich glaube, dass wir im richtigen Moment aufgehört haben. Wir haben vierhundert Konzerte gegeben, auf allen Festivals, in allen grossen Sälen der Welt. Und wir durften die schönste Musik überhaupt spielen. Beethoven. Schubert. Brahms. Für mich war das ein unbeschreibliches Glück.»

Derzeit kann Daniel Hope sich nicht vorstellen, nochmals in einer festen Kammermusikformation zu spielen. Zum einen lässt sich die Arbeit mit dem Beaux Arts Trio kaum toppen. Zum andern hat er zu viele andere Projekte. «Ich liebe Kammermusik», sagt er. «Ich kann ohne sie nicht leben. Ich werde sie zweifellos so oft wie möglich privat mit Freunden spielen. Aber als Ensemble an der Weltspitze mitzuwirken, die Interpretationen immer wieder zu perfektionieren - das geht nur, wenn man nichts anderes tut.»

Und Daniel Hope hat viele andere Pläne. CDs mit der Deutschen Grammophon. Konzerte als Solist - mit grossen Orchestern oder kleinen Ensembles, die er von der Geige aus leitet. Ambitionen als Dirigent hat er jedoch nicht. «Das überlasse ich lieber denen, die es können», sagt er. «Es gibt so viele grossartige Instrumentalisten, die mittelmässige Dirigenten geworden sind. Dirigent wird man nicht einfach so. Man muss es studieren. Die Harmonielehre beherrschen, Partitur lesen können, jedes Instrument in seiner Eigenart von Grund auf kennen.»
Mit diesen Worten verabschiedet Daniel Hope sich so freundlich wie bestimmt. Die Probe für den Abend ruft.

Fotos: Daniel Hope mit seiner Gagliano-Geige aus dem Jahr 1769 in der Bibliothek von Schloss Elmau. (15. Januar 2010)
SIMON KOY

Foto: Im Schnee nur ohne Geige: Daniel Hope.
SIMON KOY



Bücher, CD, Konzerte
Virtuos als Autor wie als Musiker 
  
Daniel Hope hat zwei Bücher geschrieben: «Familienstücke», eine autobiografische Spurensuche (Rowohlt 2007, 320 S., Fr. 35.40) und «Wann darf ich klatschen?», einen heiteren Wegweiser für (vor allem junge) Konzertgänger (Rowohlt 2009, 253 S., Fr. 34.90). Für das renommierte Label Deutsche Grammophon, bei dem er exklusiv unter Vertrag ist, hat er Werke von Vivaldi über Mendelssohn bis zu Pavel Haas und Olivier Messiaen eingespielt. Im März 2010 geht er mit dem Zürcher Kammerorchester, das er von der Violine aus leitet, auf eine Tournee, die ihn am 10. 3. auch in die Tonhalle Zürich führt. Auf dem Programm stehen Werke von Bach, Händel, Telemann, Pachelbel, Biber, Vivaldi und anderen. (pap.)

Bluegrass, fado, opera and jazz fuse together at Georgia's glorious medley of a festival. Kate Connolly falls in love with the music, history and mint juleps

Saturday, 21 November 2009, by Kate Connolly

The man who drives me from the airport to my hotel sings for much of the way; the receptionist croons Someone to Watch Over Me as I check in, and in one of the city's elegant squares a workman performs spirituals in his lunch break, while another strums on his guitar. That Savannah is a city that lives for and thrives on music is clear to me before I even hit the Savannah Music Festival.

I arrive about a week into the proceedings, expecting a colourful apple-pie, foot-tapping mixture of bluegrass and jazz to country and swing; but the range and virtuosity of world-class music, from boogie to Cajun, fado to zydeco – a form of American folk – which I savour over the next few days, comes as something of a surprise.

Savannah, a coastal city in southwest Georgia, boasts a springtime arts marathon that has become a requisite port of call for a growing number of music lovers and musicians from around the world. For me, escaping a European winter to be spirited into this colourful and beguiling city, enveloped in dreamy Spanish moss, magnolia trees and pink and white azaleas, is an added bonus.

Stepping into the cool body of Wesley Monumental Methodist church I receive my first taste of what's on tap for three weeks every year. With early spring light filtering through the stained-glass, pianist Sebastian Knauer hypnotises a lunchtime audience with Mendelssohn compositions, including Rondo Capriccioso, a quirky sonic portrait of a gondola splashing on the canals of Venice.
      
On the church steps festival director Rob Gibson, a dapper Georgia native who talks the syrupy southern talk, greets each audience member. Gibson, who founded the now legendary Jazz at the Lincoln Center series in New York in the early 90s before settling in Savannah following 9/11, is credited with rescuing the festival from provincial obscurity and turning it into one of the most talked-about music events in the States.

A former lecturer in American music history at the Juilliard School, he has created something of a musical laboratory where artists from different genres come together to experiment and fuse their sounds in a relaxed and stimulating atmosphere.

Gibson's connections help lure some of the top names, including jazz greats Wynton and Jason Marsalis, Marcus Roberts and Wycliffe Gordon, English opera tenor Ian Bostridge and the Portuguese Fado singer Mariza.

The eclectic range of the programming is reflected in the 2010 schedule – the most artistically diverse line-up to date. There will be appearances by the Chinese piano wizard Lang Lang, celebrated Malian ngoni player Bassekou Kouyate, Wynton Marsalis' Jazz at Lincoln Center Orchestra, and Cherryholmes, a grammy-nominated family band, whose music has been described as "bluegrass on steroids".

"I don't know any other festival in the US that has the breadth of ours," Gibson tells me over a salmon and spinach salad in Zunzi's, a popular lunchtime restaurant. Savannah is the perfect backdrop for the festival, he says, describing it as "funky and elegant", before cycling off to introduce the next concert.

Later, in the Congregation Mikveh Israel synagogue, one of the oldest in America, Cuban guitarist Manuel Barrueco captivates the audience with an exquisite range of renaissance lute works and Spanish dance music, elegantly wiping the perspiration from his brow in between pieces.

The unstuffy and jovial flavour of the festival is captured in that evening's impromptu gathering of musicians, concert-goers and festival staff at the Circa 1875 wine bar on Whitaker Street. Over a cold beer, Daniel Hope, a British violinst who has been an artistic director of the festival since 2004, explains why he returns to perform year after year. "The experience is unique," he says. "You spend a week or two weeks together, eating, drinking, going to salsa parties, exploring music, enjoying music and savouring each other's company in a beautiful setting."

The party later moves onto Pinkie Master's, a grungy, moody jukebox joint, which locals affectionately refer to as Stinky Bastards, where Jimmy Carter is said to have stood on the bar and declared his intention to become US president.

The magic and mystique of Savannah which draws people like Hope, is expanded on by Sue Rendeno of Savannah Walks. During a gap between concerts Sue leads me on a fascinating journey through the city's rich past. She takes me around the Gothic cemetery which, Savannahians boast, is one of the most haunted places in the world; to the old cloth hall that recently lost its trademark golden griffin to a speeding driver who bounced off its outspread wings, smashing it to smithereens; and points out whimsical details in the architecture such as the dolphin-shaped drain spouts.

Further reminders of the city's musical DNA are the homes of the late composers James Pierpont – responsible for Jingle Bells – and Johnny Mercer, whose lengthy repertoire of hits included Moon River.

We stroll through several of the 21 squares shaded with majestic live oaks that are laid out like stepping stones across the city and connect the festival venues – all of which are easily reachable on foot.

These oases of calm – the most popular is Chippewa Square where a scene from Forrest Gump was shot – are a legacy of the city's colonial past and the design of settlers who sailed up the Savannah river in early 1733. But it's thanks to General Sherman, who spared Savannah during his scorched earth march through Georgia during the civil war, that they remain intact (Atlanta, by contrast, was flattened).

If you prefer two wheels to two legs, a good option is to return late at night, when the streets are empty, for a bike tour to experience the city's highlight, Forsythe Park, with its grand, floodlit cast-iron fountain and check which of the well-documented ghosts are on the prowl.

Back at the festival, by the riverside, children's big bands are playing to a huge crowd, as part of the Swing Central section of the fortnight's events. This jazz band competition also lets the youngsters receive lessons from their musical heroes in the hope that they will be inspired to great things in the future.

That evening's supper is black grouper – a deep-sea fish found along the Savannah coast – at the chic but unpretentious downtown restaurant Cha Bella. It sets me up for the 1920's vauderville-style Lucas Theatre, which tonight features the New-York-based group Punch Brothers led by one of the world's most celebrated mandolin players, Chris Thile. When this gaggle of nervously-energetic young string musicians appears I am expecting traditional bluegrass. Instead they dish up a mesmerising series of compositions, at once haunting and playful. A thunder storm rages outside as they sing about everything from a honey-haloed teacher, to sheep dogs, punch bowls and drunken girls combining pithy lyrics ('the night was a chalkboard with a fingernail moon') with witty banter. "You guys are really sweet, can we keep you?" says 28-year-old Thile, to the whoops of the females in the audience.

The following morning I bump into the Punch Brothers – undoubtedly my festival highlight. They're in the B Matthew's Eatery on East Bay Street, tucking into grits, scrambled eggs, wheatberry bread and hashbrowns, washed down with mimosas and mint juleps, before they embark on a four-hour drive to their next concert in Chattanooga, Tennessee.

"Shame we have to bail out, it's just awesome here," says Noam Pikelny, the band's blue-eyed banjo player. "The town is full of a gorgeous line-up of artists, many of them our heroes, who we'd love to hear."

Savannah's eccentric air is perhaps most memorably evoked in John Berendt's best-selling 1994 novel, Midnight in the Garden of Good and Evil. The tale of murder, black and white magic and a bawdy black drag queen named The Lady Chablis, urges visitors not to take Savannah at face value: "You mustn't be taken in by the moonlight and magnolias," Berendt writes. "There's more to Savannah than that."

The elegant home of protagonist Jim Williams (played by Kevin Spacey in the 1997 film version directed by Clint Eastwood) can be found on Monterey Square. And the 51-year old Lady Chablis still occasionally performs at Club One on Jefferson Street.

The close proximity of everything in this city means you're never far from the festival's goings on. In the basement of the Avia hotel I eavesdrop on a laughter-filled rehearsal by Hope's chamber music quintet which is practising Schubert's Death and the Maiden.

Later that evening, in more sombre mood, they perform the Schubert followed by Elgar's piano quintet in A minor at the Telfair Academy of Arts and Sciences, which feels like a posh living room.

Afterwards musicians and festival staff seek some R 'n' R at a "roots 'n' twang" concert by the tiny-waisted, sweet-voiced Lovell Sisters. They charm the audience with their song Paulita Maxwell, a sassy tribute to Billy the Kid's girlfriend and a great way to round off the evening.

When my festival run comes to an end I toy with the idea of extending my stay and foregoing two days in New York, so torn do I feel about leaving behind the charms of the Deep South. Its wide-ranging musical delights mean that Savannah competes with some of the very best music festivals in the world.

Add in, of course, its azaleas brushed by the warm breeze, the succulent Georgia white shrimp, and the steady flow of mint juleps, and as far as I'm concerned, there are plenty of compelling reasons to return.

Die neue CD des Geigers Daniel Hope erklärt, wie schon im 17. Jahrhundert unbekümmert gesampelt wurde. Dazu wirft sein Buch einen Blick hinter die Kulissen der Klassik-Branche.

von Volker Schmidt - 11. November 2009

Daniel Hope ist ein Mann der Bindestriche: ein südafrikanisch-britischer Geiger mit verworrenen irisch-deutsch-kosmopolitischen Wurzeln und ein beliebter Talk-Show-Gast. Er hat viel zu erzählen und tut es sehr amüsant. Von seiner Mutter Eleanor, erst Sekretärin, dann Managerin von Yehudi Menuhin, der dem kleinen Daniel viel beigebracht hat. Von Rabbinern unter den Ahnen, enteigneten Villen in Berlin und vom Südafrika der Apartheid, das Hopes Eltern 1975, gleich nach Daniels Geburt, aus Protest verließen.

Im Buch Familienstücke forschte der Geiger der Familiengeschichte nach; es wurde trotz seines etwas umständlichen Stils zum Bestseller. Jetzt beschäftigt Hope sich in einem Buch mit dem Konzertalltag vor und hinter den Kulissen: Wann darf ich klatschen? will kein Knigge sein, sondern Appetit machen auf Konzerte und die Angst nehmen vor den vielen Regeln, die einst geschaffen wurden, um ein elitäres Publikum vom Plebs abzugrenzen. Ihm zur Seite stand als Koautor Wolfgang Knauer, der langjährige Chef von NDR Kultur und Vater des Pianisten Sebastian Knauer, der Daniel Hope durch mehrere Konzertprogramme begleitete.

Auch Hopes neue CD ist von einiger Leichtigkeit geprägt, will die Eintrittsschwelle zu einer oft als spröde empfundenen Musikepoche senken: zum Barock. Für das Cover von Air. A Baroque Journey ließ sich der Violinist selbstironisch auf einer Klappleiter ablichten, den Geigenkasten in der Hand, vor wolkig gemaltem Hintergrund. Auf dem Buchtitel steht er vor dem gleichen Wölkchenhimmel, nur ohne Leiter.

Air begibt sich auf die Spuren vier wenig bekannter Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts, Andrea Falconieri, Nicola Matteis, Johann Paul von Westhoff und Francesco Geminiani. Dazu kommt Musik, die diese vier beeinflusste, von eher volkstümlichen Werken bis zu Großkomponisten wie Pachelbel, Telemann, Händel und Bach, dessen wundervolle Air das Album beendet.

Wer bei Barockmusik zuerst an Bach denkt, an das Erstrahlen des Erhabenen aus dem Geist der Mathematik, der wird schwer schlucken an diesen Aufnahmen. Mit Schrammelgitarre, Trommel und Tamburin beginnt das Album und verdeutlicht so, dass die höfischen Canones, Gigues und Gagliardes allesamt der Tanzmusik entstammen, dem Humus, auf dem die musikalischen Höhepunkte der Zeit gediehen.

Für das Booklet durfte Roger Willemsen dem Geiger kluge Fragen stellen, und Hope sagt Dinge wie diese: "Viele der reisenden Musiker haben die Musik als tägliches Brot gesehen, als Gelderwerb. Sie wurden nicht angehimmelt wie später Mozart und Beethoven, sondern sie sahen sich als Dienstleister für König und Adel, vor allem mit ihrer Tanzmusik."

Nach der großen europäischen Katastrophe, dem Dreißigjährigen Krieg, seinen Verheerungen und Seuchen, gerät im 17. Jahrhundert vieles in Bewegung. Hope sagt: "Der Umbruch fasziniert mich, man fühlt den Aufbruch aus der Renaissance-Zeit. Plötzlich treten Einzelpersonen hervor, Wandermusiker zum Beispiel, die durch Europa ziehen und ganz andere Musik mitbringen, wie Matteis. Es war eine Zeit der Bewegung. Diese Musik hat Vielfalt, Esprit, Vitalität, und vieles wurde durchaus auf den Effekt zugeschrieben. Man wollte gefallen, wollte wieder beauftragt werden".

Der fast vergessene Westhoff etwa mag kein genialer Komponist gewesen sein, aber ein großer Violinvirtuose. Er perfektionierte Techniken für die gerade erst erfundene Geige, etwa das bariolage, bei dem der Bogen über alle vier Saiten streicht, und faszinierte damit Komponisten wie Antonio Vivaldi. Ohne die Praktiker des Tonsetzens, die von Hof zu Hof reisenden Unterhaltungskomponisten und Gebrauchsmusikanten, gäb's keine Thomaskantoren, keine Messias-Chöre. Das ist die eine Lehre des Albums.

Der fast vergessene Westhoff etwa mag kein genialer Komponist gewesen sein, aber ein großer Violinvirtuose. Er perfektionierte Techniken für die gerade erst erfundene Geige, etwa das bariolage, bei dem der Bogen über alle vier Saiten streicht, und faszinierte damit Komponisten wie Antonio Vivaldi. Ohne die Praktiker des Tonsetzens, die von Hof zu Hof reisenden Unterhaltungskomponisten und Gebrauchsmusikanten, gäb's keine Thomaskantoren, keine Messias-Chöre. Das ist die eine Lehre des Albums.

Diesmal verknüpft der Geiger im Buch und auf CD also nicht persönliche und familiäre Erinnerungen mit Musik wie in Familienstücke oder mit seiner Aufnahme des Mendelssohnschen Violinkonzerts, das er als Achtjähriger heimlich übte und so den Rauswurf aus der Musikschule riskierte. Jetzt erzählt er im Buch Wann darf ich klatschen? über den Musikbetrieb und was er so davon hält, reiht amüsante Anekdoten an programmatische Aussagen und streut ein paar Bratscher-Witze ein. Und auf der CD begibt er sich in die Musikgeschichte – gestaltet die Entdeckungsreise aber aus seinem subjektiven Blick, gibt ihr eine narrative Struktur. Hope ist nicht nur ein hervorragender Geiger – er ist auch ein musikalischer Erzähler. Zuhören lohnt sich.

Feuilleton -- Neue Sachbücher

Wie nutzt man die Pause? Was ist ein "Konzert ohne Frack"? Wann setzt der  Beifall ein? Daniel Hope hat einen Wegweiser für Konzertgänger geschrieben.

Der Geiger Daniel Hope hat zusammen mit Wolfgang Knauer ein Buch geschrieben, in dem Moritz und Lena (ein junges Ehepaar, beide Banker) und Larry, ein Taxifahrer aus San Francisco, eine zentrale Rolle spielen. Sie sind, als Widerpart und Gesprächspartner Hopes, aufgeweckte Leute und stellen die richtigen Fragen zur richtigen Zeit.
 
Allein, sie haben bislang keinen Zugang zur klassischen Musik. Das wird sich im Verlaufe des Buches naturgemäß ändern. "Wann darf ich klatschen?": Der "Wegweiser für Konzertgänger" soll vor allem solchen, die es werden wollen, Orientierung bieten. Das tut er auf eine durchaus sympathische Weise in schlichten Worten und mit einigem Humor. Daniel Hope ist es gelungen, zusammen mit seinem Koautor eine denkbar geradlinige Einführung in das Wesen und die Riten des klassischen Musikbetriebs zu geben. Auf eine kurze Erörterung der wichtigsten musikgeschichtlichen Epochen folgen Informationen zur Kleiderordnung auf der Bühne und im Saal, zum Seelenleben eines Orchesters, zum Verhältnis von Dirigent und Solist, zur Frage des Lampenfiebers, zur seelischen Befindlichkeit des Solisten, zu den Bräuchen des Verbeugens und Beklatschens und zur Frage angemessener Eintrittspreise. Kleine Übersichten - von kurzen Porträts der berühmtesten Dirigenten bis hin zu den besten Orchesterwitzen - runden das insgesamt schlüssige Konzept ab. Wer nichts wusste über das, was sich in einem Konzertsaal vor, auf und hinter der Bühne abspielt, wird dieses Buch mit Gewinn lesen; und man möchte hoffen, dass es nicht bloß als "Geschenkbuch" verbreitet wird, sondern just jene Leser erreicht, an die es sich richtet.

Freilich fußt "Wann darf ich klatschen?" auf Prämissen, die man durchaus in Zweifel ziehen kann. Hope hat sie gleich zu Beginn in dem Kapitel "Warum dieses Buch?" zusammengefasst. Zu den Prämissen gehört, das Interesse an Klassik habe spürbar nachgelassen; es gebe allenthalben einen Besucherschwund bei den Konzerten, die Schallplattenindustrie verzeichne dramatische Einbrüche. Die Zukunft des klassischen Konzerts sei keineswegs gesichert. In dieser krisenhaften Lage bietet nun Hope seine Dienste als "Fremdenführer" an.

Die Rede von der Krise des klassischen Konzertbetriebs ist nicht eben neu, und sie fußt trotz vielfacher Wiederholung auf schwacher empirischer Grundlage. Angeblich ist das Klassikpublikum überaltert. Aber wann je haben in der Geschichte des bürgerlichen Konzerts die Fünfzehn- bis Dreißigjährigen die Säle gefüllt? Wer zwei Stunden ruhig zuhören kann, hat meist bereits ein bestimmtes Alter erreicht - und die Leute werden ja auch immer älter. In Deutschland werden heutzutage mehr klassische Konzerte veranstaltet als je zuvor in der Geschichte. Hunderte von Festivals überziehen das Land mit ihren teils hochattraktiven Angeboten: Staatliche, städtische und freie Spitzenensembles sowie eine oftmals blühende Kirchenmusik buhlen um Zuhörer. Um jedes Konzert zu füllen, müsste Deutschland eine Bevölkerungsexplosion erlebt haben. So aber wächst vor allem der Konkurrenzdruck. Würde man die absolute Zahl aller Besucher klassischer Konzerte von 1960 und heute vergleichen, würde man wohl herausfinden, dass sie stark gestiegen ist.

Die großen CD-Firmen kriseln zwar in der Tat; dafür aber schießen kleine Labels wie Pilze aus dem Boden. Die Branche erlebt einen tiefgreifenden Strukturwandel, der mit dem sich verändernden Repertoire der Musiker zu erklären ist: Nicht mehr die großen Werke des klassischen Kanons bestimmen heute allein die Konzertprogramme, sondern hochspezialisierte Ensembles werben mit teils entlegenen und dennoch hochinteressanten Werken um Aufmerksamkeit. Sie sind bei den kleinen Plattenproduzenten viel besser aufgehoben als bei den großen Konzernen.

Richtig ist gewiss Daniel Hopes Bemerkung, manch einem käme das klassische Konzert mit seiner stereotypen Programmfolge und seinen Riten "altmodisch und verstaubt" vor. Aber auch hier ändert sich vieles mit atemberaubender Geschwindigkeit. Große Orchester laden zu "Konzerten ohne Frack" oder "After Work Lounges" ein, Musikfeste veranstalten "Sonnenaufgangskonzerte" morgens um sieben; Familienkonzerte am Sonntagvormittag werden überrannt; Gesprächskonzerte sind ungeheuer populär, Konzerteinführungen erleben einen ungeahnten Boom. Die Angebote der Chöre und Orchester an die Schulen sind inzwischen so reichhaltig, dass manch ein Lehrer erschöpft aufseufzt. Der Frack freilich ist immer seltener zu sehen; in die Konzerte der Ensembles für Alte und Neue Musik (auch sie Kinder von Achtundsechzig) hatte er ohnehin nie Einzug gehalten.

Was die Ordnung des Konzertprogramms betrifft, so ist die Pause nach dem Solokonzert und vor der Symphonie schon lange nicht mehr sakrosankt. Die überraschendsten Programmkonstellationen sind inzwischen denkbar, Crossover inbegriffen. Was verlorengeht, ist das klassische Konzert als Gottesdienst der Kunstreligion. Man muss diesen Verlust nicht beklagen, und fromme Menschen mögen sich freuen, dass das religiöse Empfinden nun wieder dorthin zurückkehren kann, wo es hingehört: in die Kirche. Alles zusammengenommen, besteht zum Runzeln der Stirn kein Anlass.

Inmitten dieses von Vitalität zeugenden Umbruchs wirkt Daniel Hopes freundliches kleines Buch weniger wie eine dringend benötigte Medizin, sondern eher wie ein Indiz für den sich quasi von selbst vollziehenden Wandel des klassischen Musikbetriebs.  

Michael Gassmann
Daniel Hope: "Wann darf ich klatschen?". Ein Wegweiser für Konzertgänger. Mit Zeichnungen von Christina Thrän. Rowohlt Verlag, Reinbek 2009. 256 S., geb., 19,90 [Euro].

F.A.Z., 20.10.2009, Nr. 243 / Seite 30

Daniel Hope ist nicht nur der Autor eines neuen Buchs für Klassikeinstieger „Wann darf ich klatschen?“, das im Herbst erscheint. Die darin aufgeworfene Frage „Wie modern ist Barock?“ beantwortet er quasi auch mit seiner neuesten CD...

Liegen die Hürden für den Einstieg in den Live-Genuss klassischer Musik zu hoch? Der Star-Geiger hilft Einsteigern, sich im Konzertsaal wohlzufühlen.

Hamburg. Klassische Konzerte sind die Sorgenkinder der Kulturveranstalter. Der Altersdurchschnitt des Publikums steigt, Nachwuchs bleibt aus, mancher sieht den klassischen Konzertbetrieb schon aussterben.

Aber wäre das so bedauerlich angesichts immer mehr und perfekterer Aufnahmen? Daniel Hope meint: ja. Natürlich ist der südafrikanisch-britische Geiger, ein international gefragter Solist, parteiisch: „Klassische Musik live ist das Größte", sagt er, „nichts sonst setzt in einem einzigen Moment so viele Glückshormone frei."

Hope hat die Initiative ergriffen. Während sich Veranstalter und Kulturschaffende überall den Kopf über „coole Locations" und neue Konzertformen zerbrechen, nimmt er den Blickwinkel des potenziellen Hörers ein. „Wann darf ich klatschen?" heißt sein Plädoyer, das er mithilfe des Hamburger Autors Wolfgang Knauer verfasst hat. Gestern stand Hope auf dem Programm des Harbour Front Literaturfestivals - mit einer Lesung, dem Lautenisten Stefan Maass und Auszügen aus seiner CD, die wie das Buch am Freitag erscheint.

Am Tag vor der Lesung sitzt er im Café Leonar am Grindel, seinem Lieblingscafé in Hamburg. Auch wer ihn bislang nur auf der Bühne erlebt hat, erkennt ihn gleich am rötlichen Schopf und den Augen, die sofort Kontakt aufnehmen. Die Gewandtheit seines Auftretens, das Tweedjackett und sein erstaunlich flüssiges Deutsch verraten den Weltenbürger. Auf die Idee, das Buch zu schreiben, kam Hope während einer Lesereise mit seinem ersten Buch „Familienstücke": „Da traf ich Leute, die Musik lieben, aber nicht ins Konzert gehen. Das war für mich etwas ganz Neues. Einmal hat sich ein Mann gemeldet und gesagt, er hört gern CDs, aber ins Konzert traut er sich nicht. Da habe ich gedacht: Wie kann man den Menschen dieses Gefühl nehmen?"

Was man kennt, muss man nicht fürchten. Deshalb hat Hope eine kurze, amüsante und treffende Einführung in den klassischen Konzertbetrieb geschrieben. Er beschreibt den Ablauf eines Konzerts, lädt zu einem kurzen Ausflug in die Musikgeschichte ein und erklärt, woher die so unverständlich wirkenden, starren Regeln kommen, die so viele von einem Konzertbesuch abhalten.

Die sind nämlich nicht gottgegeben. Zu Mozarts Zeiten unterhielt man sich während einer Aufführung zwanglos, verließ den Saal, lachte und speiste. Die Musik war zur Unterhaltung des Adels da. Erst mit dem Aufkommen des bürgerlichen Sinfoniekonzerts im 19. Jahrhundert begann man, streng in Reihe zu sitzen und andächtig zu lauschen.

Weil sich diese Benimmregeln in Deutschland bis heute gehalten haben, fühlt sich mancher als Eindringling in einem elitären Kreis von Abonnenten, die lieber unter sich bleiben möchten. Beifall zur falschen Zeit kann einem das Kopfschütteln von Hunderten eintragen - und so ein Erlebnis kann einen Konzertneuling umgehend aus dem Weihetempel der Musik verscheuchen. Auch wollen viele Hörer nicht stundenlang stillsitzen, sondern wie bei einem Rockkonzert Gefühle körperlich ausdrücken. Und dann der vermutete Dresscode!

Dass Konzertkarten teurer als Kinokarten sind, lässt Hope dagegen nur halb gelten: „Ein Fußballspiel oder ein Rockkonzert können viel mehr kosten!" Ernster nimmt er die kurze Aufmerksamkeitsspanne einer Generation, die mit Musikstücken im Clipformat aufgewachsen ist.

An der Musik selbst liegt's nicht, dass Konzerte wenig junges Publikum anlocken, hat Hope bei seinen Feldstudien herausgefunden: Die fänden die Hörer von „ganz okay" bis „saugeil". Das ist doch die Hauptsache.

Verena Fischer-Zernin, Hamburger Abendblatt

Aged just three, author Christopher Hope's son decided to be a violinist. Neither of them realised how many strings would be attached...

... Hope is an impressive player who can be spirited as well as sensitive. His technique is beyond reproach...

By John Terrauds

Violinist Daniel Hope may be rapidly establishing himself as a top-flight interpreter of the mainstream repertory - his recordings of concertos by Britten, Berg, and the two by Shostakovich have been much admired. But his musical horizons extend well beyond the norm.

When Edgar Meyer, Sam Bush, Mike Marshall and Daniel Hope get together to play, they bring a world of experience and diversity with them. Daniel Hope, the Savannah Music Festival's associate artistic director, is at home with Mozart and Stravinsky; Bush, with pulsating, foot-stomping bluegrass. For decades, Marshall has dipped very deftly into jazz, classical, bluegrass and Brazilian music. And Meyer, who seemingly has collaborated with almost everybody, plays just about everything.

... Hope joined the others for selected cuts from Meyer's “Short Trip Home“, nominated for a Grammy several years back. Friday night's performers played with admirable cohesiveness and virtuosity. Hope, (assuming the role Joshua Bell played in the original recording) is, we learned, not only a renowned violinist but also a first-class fiddler, quite as comfortable with folksy ditties as the thorniest passages in Bartok.

... Were we hearing classical? Bluegrass? Or something in between? We didn't care! The net effect? Everybody, onlookers and performers alike, relaxed and had a splendid time.

The British violinist Daniel Hope maintains a thriving solo career that has been built on inventive programming and a probing interpretive style.

Daniel Hope has again won the ECHO Klassik prize, Germany's most important recording award. This is the second consecutive year that Hope carries home the coveted trophy. The award goes to "East meets West", Hope's highly successful recording with Gaurav Mazumdar and Sebastian Knauer, which received a Grammy nomination earlier this year.

The ECHO Klassik prize will be awarded at a live televised event in Munich on October 16th. Other 2005 winners include Anna Netrebko, Rolando Villazon, Hélène Grimaud and Daniel Barenboim.

For more info please visit the ECHO Klassik Website or contact:

Tanja Franke
Head of Warner Classics Germany
Alter Wandrahm 14
D-20457 Hamburg
Tel. +49 40 30 339 609
E-Mail: Tanja.Franke@warnermusic.com

Daniel Hope has rapidly made a name for himself as one of the most outstanding young British violinists, and listening to his interpretation of the Ireland Sonata one sees why...

A BRITISH violinist who first performed on television at the age of ten was named as the top young classical performer yesterday at the age of 29.

Daniel Hope, who has been hailed as the most important British string player since the cellist Jacqueline du Pré, carried off the prize at the fifth annual Classical Brit Awards at the Albert Hall in London.

The Italian opera singer Cecilia Bartoli was named female artist of the year. Hayley Westenra, the teenage sensation from New Zealand, was one of the three nominees, but failed to win the title.

Top male artist of the year went to the Welsh baritone Bryn Terfel. The orchestral album of the year went to Sir Simon Rattle and the Vienna Philharmonic Orchestra for Beethoven Symphonies.

The composer Phillip Glass’s soundtrack for the film The Hours won the contemporary music award.

The Classical Brit Awards, launched in 2000, have been cast as the classics’ answer to pop talent shows in the search for wider audiences for classical music. They will be broadcast on ITV this weekend.

Previous shows have seen dramatic boosts in the sales of featured performances.

The pop flavour of the evening was captured by the British rock violinist, Singapore-born Vanessa-Mae. The performance also featured Terfel and Renée Fleming singing their first duet, Bess, You Is My Woman Now, from Porgy and Bess, the Gershwin opera.

Fleming, whose recent UK concert tour included an appearance at Edinburgh’s Usher Hall, won the Outstanding Contribution to Music award.

The violinist Nigel Kennedy, Westenra, the Welsh soprano Katherine Jenkins, opera band Amici Forever and the King’s College Choir also performed. While Westenra failed to win as best female artist, her multi-million-selling album, Pure, was in contention for the best album of the year.

The awards, sponsored by National Savings & Investments, are decided by a jury of music industry representatives.

TIM CORNWELL
ARTS CORRESPONDENT

A VIOLINIST who learnt to play at the feet of Yehudi Menuhin was named Young British Classical Performer of the Year at the Classical Brit Awards last night.
Daniel Hope, 29, was inspired to take up the violin at the age of three, after his mother took him with her when she went to work at Menuhin’s private office.

As a child, Mr Hope was treated to private concerts by one of the world’s most renowned violinists as Menuhin practised violin concertos in the adjacent room.

Mr Hope’s introduction to music only happened because of his family’s flight from South Africa in 1974. His father, Christopher, a journalist and poet, had to leave when Daniel was six months old because of his criticism of the apartheid regime.

Penniless and facing deportation from Britain, Mr Hope’s mother, Eleanor, applied for three jobs — as a secretary in the City, as an assistant to the Archbishop of Canterbury and as an assistant to Menuhin.

Christopher Hope is now a celebrated author. He won the Whitbread Novel Award in 1984 for Kruger’s Alp. His 1992 novel, Serenity House, was nominated for the Booker Prize.

The day before the family was due to leave Britain, Eleanor heard that she had got the job with Menuhin and would be allowed to stay in the country. Mr Hope received his first violin aged four and soon showed outstanding talent. His mother, however, tried to dissuade him from pursuing a musical career, preferring him to become a plumber.

Mr Hope was taught by Zakhar Bron, whose pupils include Maxim Vengerov, and he studied at the Royal Academy of Music. Menuhin supported his career, performing 60 concerts with him, including his final performance in 1999. Other winners at the Classical Brit awards included Renée Fleming, who was awarded for her Outstanding Contribution to Music. Cecilia Bartoli and Bryn Terfel were named Female and Male Artists of the Year, respectively.

Terfel and Fleming performed together for the first time in a duet of Bess, You is My Woman Now from Porgy and Bess. Ms Fleming is renowned as “America’s Beautiful Voice” and has won a Grammy Award. They were joined on stage at the Albert Hall by Nigel Kennedy, Hayley Westenra and Vanessa-Mae.

The Classical Brits is sponsored by National Savings and Investments.

AND THE WINNER IS ...

Contemporary Music Award
Philip Glass, The Hours

Female Artist of the Year
Cecilia Bartoli

Male Artist of the Year
Bryn Terfel

Ensemble/Orchestral Album of the Year
Sir Simon Rattle/VPO, Beethoven Symphonies

Young Classical Performer
Daniel Hope

Critics Award
Maxim Vengerov /LSO / Rostropovitch, Britten / Walton Violin Concerto

Outstanding Contribution to Music Award
Renée Fleming

Bryn Terfel and Cecilia Bartoli beat a slew of young newcomers to win the best artist gongs at the fifth annual Classical Brit Awards yesterday at the Royal Albert Hall in London.

The Welsh opera singer Terfel also beat several high-profile musicians, including Luciano Pavarotti and Ludovico Einaudi, to win the coveted best album award.

Among those who were disappointed by the results was Hayley Westenra, the 17-year-old from New Zealand who has been called the “new Charlotte Church“. She was nominated for best album and best female artist. Myleene Klass, who began her musical career as a contestant on Pop Stars, was also among those nominated for best album with Moving On.

Other winners at the award ceremony, which was presented by the ITV news newsreader Katie Derham, included the violin virtuoso Daniel Hope in the young British classical performer category and Phillip Glass, who scooped the contemporary music award for his soundtrack to The Hours.

Terfel and and the Rome-born mezzo-soprano Bartoli emerged as the winners at the ceremony, sponsored by National Savings and Investments, despite a proliferation of young performers such as Westenra and Klass receiving nominations for prestigious awards.

Over recent years, a flood of young “populist“ musicians has prompted accusations from classical music purists that the industry is "dumbing down" and "sexing up" due to its cross-fertilisation with pop.

But only two months ago, the growth in “crossover“ classical music was attributed, in part, to reversing the declining sales. Last year, sales of classical albums increased by 8 per cent to 14 million.

For Rob Dickins, the chairman of the Classical Brit Awards, the diversity of performers on the shortlist was a cause for celebration rather than criticism. “The words 'dumbing down' are used to refer to every industry these days,“ he told The Independent. "The point of this show is to open as many doors into classical music as we can.

Music is a rich tapestry of colours. Crossover has become an ugly word but it basically refers to a musician who has the ability to make someone who understands pop music to understand classical music.

“It means a bridge between the two and I look at this as a positive development.“

Vanessa-Mae was one of the first classical recording artists to cross over into mainstream music markets withThe Violin Player, released in 1994. She performed at the inaugural Classical Brit Awards in 2000.

The accolade for Bartoli crowns a high point for the 37-year-old bel canto specialist who recorded an album of arias by Antono Salieri - cast as Mozart's enemy in the film Amadeus - in London last December. Last year, she was also voted the most popular classical performer at the Gramophone Awards, marking her fourth Grammy in a career spanning 15 years.

Despite the appeal of musicians such as Westenra and Klass, the announcement of the best female and male artist awards came as little surprise, said Mr Dickins. “Bryn [Terfel] is a very serious artist who has simply extended his repertoire,“ he said. “If you are a baritone or a bass, your repertoire is fairly fixed and you do reach a limit in terms of the core classical. And we are not surprised at Cecilia [Bartoli] winning... She is clearly Olympic gold.“

Other winners included Sir Simon Rattle, who won the ensemble/orchestral album of the year award with Beethoven Symphonies and the soprano Renée Fleming, who was awarded the prize for outstanding contribution to music.

AWARD WINNERS

Album of the Year

Bryn Terfel, Bryn, Deutsche Grammaphon/Universal

(Runners-up: Aled Jones, Higher, UCJ/Universal; Amici Forever, The Opera Band, Arista/BMG; Denise Leigh/Jane Gilchrist, Operatunity, EMI Classics; Dominic Miller, Shapes, BBC Music; Hayley Westenra, Pure, Decca/Universal; Lesley Garrett, So Deep Is The Night, EMI Classics; Luciano Pavarotti, Ti Adoro, Decca/Universal; Ludovico Einaudi, Echoes - The Collection, BMG; Myleene Klass, Moving On, UCJ/Universal

Young British Classical Performer

Daniel Hope, Nimbus

(Runners-up: Catrin Finch, Sony Classics; Colin Currie, EMI Classics)

Female Artist of the Year

Cecilia Bartoli, Decca/Universal

(Runners-up: Hayley Westenra, Decca/Universal; Marin Alsop, Naxos / Select Music)

Male Artist of the Year

Bryn Terfel, Deutsche Grammaphon/Universal

(Runners-up: Sir Colin Davis LSO/Harmonia Mundi ; Nigel Kennedy EMI Classics)

Contemporary Music award

Phillip Glass, The Hours, Nonesuch/Warner Classics

(Runners-up: Gidon Kremer, Happy Birthday, Nonesuch/Warner Classics; John Rutter, Distant Land, UCJ/Universal)

Ensemble/Orchestral Album of the Year

Sir Simon Rattle/VPO, Beethoven Symphonies, EMI Classics

(Runners-up: John Rutter/RPO, Distant Land, UCJ/Universal; New College Oxford Choir/Higginbottom, Bach, St John Passion, Naxos/Select Music)

Critics' Award

Maxim Vengerov/LSO/ Rostropovitch, Britten/Walton, EMI Classics

(Runners-up: LSO/Jansons, Mahler/Symphony no 6; LSO, Harmonia Mundi; Rattle/VPO, Beethoven Symphonies, EMI Classics

Outstanding Contribution to Music

Renée Fleming

Last night, violinist Daniel Hope won Best Young Performer at the Classical Brits. He talks to Peter Culshaw about growing up around the inspirational - and infuriating - Yehudi Menuhin.

The young violinist Daniel Hope is being touted as one of the most exciting British instrumentalists to emerge for many years. The Boston Globe went so far as to suggest that he might be the most important string player since Jacqueline du Pré. His recent record of Berg and Britten violin concertos, hardly the easiest of listens, was record of the week in nearly all the broadsheets, and last night he won a Classical Brit award for best young classical performer of the year at a glossy event at the Albert Hall.

Early promise: Daniel Hope

He explains to me, when I meet him in New York before a concert of the revered Beaux Arts Trio (of which he is the youngest ever member) that he owes much of his success to being brought up in the household of Yehudi Menuhin. Hope's mother was successively his secretary, agent and then manager.

In fact, it was an unlikely twist of fate that his mother ended up working for Menuhin at all.

“It was just complete luck. She had three interviews that day. One was to work for the Archbishop of Canterbury, one was for a stockbroker and one was for Menuhin. She didn't get the first two, so she went to the other one. I'm absolutely sure I wouldn't have become a musician if that hadn't happened.“

Surrounded by “the most beautiful music“ from infancy, it was not entirely surprising that Hope, now 29, announced at the age of three that he wanted to be a violinist. “Apparently, I kicked and shouted until they gave in and arranged some lessons, although they thought it was a crazy whim. My mother wanted me to do anything else - at one point she suggested I might become a plumber.“

Menuhin himself also thought his enthusiasm was nothing serious, as Hope explains. “It took many years for him to change his opinion. It was only when I started studying with Zakhar Bron, whom Menuhin admired a lot, that he started to get interested. When I was 16 he asked me to come and play for him, having not heard me for perhaps six years.“ Menuhin, he says, apologised for ignoring him and suggested they work together. “I think it was a mixture of shock and, I think, pride as well. When he said we could work together I thought he meant take some lessons, but he wanted me to perform some concertos, which we took on tour. It was unbelievable.“

And how did he find Menuhin as a person? “He was generous, warm-hearted and original. Not to mention infuriating. He had opinions on everything from electric cars to world peace.“

Hope's next major project is an album called East Meets West, which will include compositions by Ravi Shankar that were performed originally by Mehuhin in the 1960s. While Hope is too young to recall their original recordings, he was there when the two men met and performed subsequently, often when Menuhin was in Switzerland for the summer.

“It was quite a sight to see them performing sitting on the lawn in full dress with the mountains in the background. I have never forgotten listening to the music they made“.

Hope is keen to assure me East Meets West is no cross-over gimmick, but something he has prepared for over a considerable period.

“I'd asked Menuhin whether he would mind if someone did this music again and he said, on the contrary, but you are really going to have to work at it. I ended up doing a crash course in Indian music for two and a half years.“

The demos of the album suggest an effective interplay of idioms, particularly between the sitar of Gaurav Mazumdar (whom Shankar recommended) and Hope's sinuous violin. The rest of the album features other cultural collisions between the orient and the West - from Ravel's gypsy Tzigane to Bartók's Romanian folk dances.

A curiosity of the album is the reintroduction of an instrument developed by Ravel in the 1920s called the lutheal: “It's a bizarre-looking thing halfway between a typewriter and an organ which is attached to the strings of a piano and enables you to get unbelievable sounds that you would never normally get on a piano - from harp sounds to something between a harpsichord and a fortepiano.“

Hope's own violin-playing also shows a mixture of styles - there's a lyricism reminiscent of Menuhin but also a more passionate, Russian-tinged element that he got from his teachers Felix Andrievsky at the Royal College and Zakhar Bron. “Bron was a student of David Oistrakh, who to me was the god of violinists. I became fascinated by that approach to playing that goes back to a very old tradition in Russia.“

A characteristic of Hope's is a love of an idea or intellectual concept as a peg for a recording, which he enjoys researching. An earlier disc, Forbidden, Not Forgotten, featured music composed by the doomed musicians in the Theresienstadt ghetto in the Second World War. He has experimented with music and the spoken word, having set a play of his father's to music and recently produced and written the text for an evening of Beethoven that included Mia Farrow as the composer's maid.

What next? The Four Seasons, perhaps? “I play it in concert, but can't see any point in recording it.“ This is his chance, I tell him, to dethrone Nigel Kennedy, that other Menuhin protégé. “I wouldn't want to do that. I mean, I have a lot of respect for the things he's done, like the Walton Concerto.“

“On the other hand,“ he says, “he may have become trapped in his punk persona. And I certainly can't see any point in doing the Four Seasons twice.“

He tells me that, every time he gets in a cab in London with his violin, the driver asks him if he knows Kennedy. “But hats off to him. He's an extremely talented fiddle player.“

So it may not be duelling violins at dawn just yet, but would Hope like Kennedy's level of fame? “I'm happy if I can play Beethoven one day and something like Ravi Shankar's music the next. It is nice to sell records but it really wouldn't bother me one way or the other whether I get recognised by people or not.“

Daniel Hope's recording of the Berg and Britten violin concertos is on Warner Classics. 'East Meet West' will be released in September. The Beaux Arts Trio plays at the Bath Assembly Rooms on June 6.

Just as a new actor in a play can change the character of the production, a new musician can transform the way a chamber ensemble plays. A recent example was the replacement of Robert Mann, the founding first violinist of the Juilliard String Quartet, by Joel Smirnoff. A more homogeneous playing style ensued.

Something of the same thing has happened to the Beaux Arts Trio with the accession of Daniel Hope to the violinist's chair. Hope, a fine musician whose passions burn with a controlled warmth, brings elegance to the mix. Like silver, he brings out the best colors in his surroundings.

We now have some Western classical musicians - like Daniel Hope - who have real empathy and understanding for Indian music.

"Hope's tone relies less on brilliance, more on inner balance, his vibrato unbelievably flexible and a magnificent sound without the slightest trace of kitsch......this is simply astonishing violinist ability and musical intelligence."

Hope, touted as the most important British string player since Jacqueline du Pre, is a very skillful instrumentalist with exceptionally refined musical impulses. His tone remains beautiful, and dead in tune...

Hard on the heels of Maxim Vengerov's superb Teldec recording of Elgar's Violin Sonata comes a thought-provoking Nimbus rival from Daniel Hope, more inward-looking than Vengerov though no less heart-rending, and with more appropriate couplings.

Hope negotiates each sighing phrase as if he'd dreamt it himself. But there's another, more significant perspective to his performance, specifically in the movement that the composer described as "fantastic" and “curious“... where the score's darker side registers as never before. Hope's annotations are as compelling as his performances, and the rest of his programme conjures parallel strains of wistfulness... the Walton, commissioned and recorded by Menuhin, is one of the great 20th-century British duo sonatas, and this is surely its finest modern recording to date. 

One has to award full marks to Hope in all areas... he masters everything with such supremacy... everything is exactly in its place. As many good young violinists as there are today – the name of Daniel Hope should be especially noted.

A very brave violinist: to record an all 20th-Century violin programme requires courage... the young Englishman Daniel Hope – who recently replaced Nigel Kennedy in an open-air concert in Munich – possesses not only this courage, but also gets right to the heart of these wonderful works.

Thomas Schulz chooses:
1999 Artist/Ensemble of the Year : “Daniel Hope, for his brilliant CD-Debut of contemporary violin concertos.“

Jörg Hillebrandt chooses: DANIEL HOPE - as “1999 Young Artist of the Year“.

“Daniel Hope ... whose artistic strength and intelligent choice of programming one can rely on.“

Daniel Hope's excellent new Nimbus CD ... compelling and in many ways perplexing ... music heavy with sadness and alive with passion.

The recordings are excellent.

Daniel Hope, now 25, boasts a background as a prodigy (he was discovered at 10 by renowned bassist Gary Karr), but, on the evidence here, he has developed into a mature artist who is profoundly committed to the finer music of his own time.

The music, rather than the musician, is served on this exceptionally valuable collection. Hope yields to no violinist in his expressive intensity ... and Toru Takemitsu’s lyrical tribute to film director Andrei Takovksy receives and exquisite rendering here, one of the Japanese composer’s most beautiful utterances.

Highly recommended.

In their various ways, all four pieces live on an expressive edge, and admirably showcase the considerable talents of young violinist, Daniel Hope. Hope finds much poetry, as well as bitter with ... an eloquently focused performance.

Takemitsu himself praised Hope’s interpretation of Nostalghia. Hope's account, more spacious than Otto Derloez, seems well-nigh definitive. Altogether an impressive release, thoughtfully planned and documented, the recording excellently balanced.

***** (5 Stars) Performance

***** (5 Stars) Sound

...a champion of the comtemporary violin:

The remarkable new talent of British violinist Daniel Hope has been launched skyward with a debut recording...

Hope has undoubtedly gained invaluable insights into both Schnittke’s personality and his music ... the future of the contemporary violin is indeed safe in his hands.

Daniel Hope has already gained such an enviable reputation for both his technical and his interpretative finesse, that it comes as something of a surprise to learn that this is his debut album...

Hope adjusts to the shifts of rhythmic and tonal emphasis like a sleight-of-hand conjurer. ...once again Hope's magical sustaining of the slow movement and startling changes of character really take some believing...

The Weill Concerto is a tough nut to crack, but here Hope finds just the right balance between its haunting vein of irony and Weill's natural expressivity. But the real star is the Takemitsu, played with the greatest intensity by Hope ... total absorption in the work's subtly understated musical gestures is such that it becomes a truly compelling listening experience.

Daniel Hope is clearly a name to watch. His debut recording is not only extremely enterprising ... but already reveals a wide range of musical awareness. Hope finds much poetry ... the performance is just as compelling as that given by Spivakov.

Highly enterprising debut disc betokening a major new talent.

***** (5 Stars) Performance

***** (5 Stars) Sound

An exceptional soloist – the young star violinist Daniel Hope, who is already launched on a major professional career, real lyrical gifts and an enviably fluent technique. Remember the name.